Akú umeleckú hodnotu má obraz Marka Rothka „Oranžová, červená, žltá“ (1961)? Mark Rothko: Jednoduché vyjadrenie komplexnej myšlienky Oranžová Červená Žltá 1961.

Rothko. Biely stred (žltá, ružová a fialová na ružovej)

Napísal majiteľ mojej obľúbenej Pantry Levkonoe http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe:
„Vy všetci tu nerozumiete ničomu v umení!
A ja som zo všetkých najmenší:

Správy RIA":
vlani v máji sa Rothkovo dielo s názvom „White Center (žltá, ružová a fialová na ružovom)“ dostalo do Sotheby's za 72,8 milióna dolárov.

Že Sotheby's sú všetci idioti - neverím tomu. Ten vypratý uterák má pravdepodobne hodnotu 73 miliónov...

Aktualizácia:
Vôbec som to sem nedal, aby som sa hlučne rozčuľoval na tému „podvodníci, oklamať ľudí“ atď. - Sám to neschvaľujem a neradím ani iným.

Opakovane som tu písal, že okrem talentu maliara a iných predností obrazu je pre mňa dôležitá otázka „chcem tam ísť“. Preto sa tu neobjavuje nič ako Goya a mnoho iných vecí, brilantných a pod. Pretože osobne tam nechcem ísť.
Takže nejako nechcem nosiť ani Rothkov uterák (pokiaľ som nečítal Flatland).

Čítal som o ňom. Ako to už býva, bol chudobný, spočiatku maľoval portréty a krajinky. Namaľoval niektoré ekumenické kaplnky. Stal sa slávnym. Stal sa bohatým a slávnym. A zrazu začal maľovať štvorce a pruhy. Najprv v rôznych farbách. Potom už len čierna a biela. Potom si podrezal žily.

Aktualizácia2
Zdá sa, že na tomto obrázku je stále nejaký druh negatívnej energie alebo zlého ducha, keby sa tu všetci tí, ktorí pokojne hádzali komentáre o trávnikoch, stali brutálnymi alebo zamračenými. Dobre, úprimne povedané, diskusia nič nepriniesla. Ak sa niekto úprimne snažil pochopiť, o čo ide a čomu nerozumieme, okrem kliknutia na nos a štuchnutia do nevedomosti nedostal nič. Nikto z priaznivcov nepovedal nič zrozumiteľné PRE.

* Možno bol tento obrázok zavesený nesprávne (napríklad hore nohami). To je to, čomu sme nerozumeli;

*Nie hore nohami. Je to ten istý koláč. Dole je marshmallow a hore džem, marhuľa. Je mäkký. Bude rozmazaný.
Navyše všetko vysvetľuje diagnózu umelca. Najprv bol v manickej fáze TIR a písal torty. Na obrázku ide o pomarančový džem a je celkom prirodzené, že je ho menej ako marshmallow. Pastila je depresívna fáza. Z hlbín marshmallow umelec prestal rozlišovať viacfarebný svet, bol zakrytý a obesil sa.

Keď však umelec namaľoval tento konkrétny obraz, ešte nevedel, aké to je v marshmallow, ale mal len predtuchu. Inak by ju takto do ružova nenakreslil. A obrázok nazval „biely stred“, pretože dúfal, chudák, že neutrálny biely stred je naozaj v strede a vyvážený TIR ho nenechá utopiť sa v bezfarebnom svete depresie.

Umelcova intuícia ho však prinútila napraviť skutočný stav vecí, a to: prevláda depresívna fáza. Mimochodom, je to v súlade s údajmi lekárov o priebehu typického TIR. Odporúčam tiež pozrieť sa na bielu vrstvu: v torte vyzerá akosi neprirodzene, povedala by som, že nejedlá, najmä čierna čiara medzi ňou a džemom.

Umelec tým nepochybne zdôraznil svoju nádej na nepreniknuteľnosť tejto hranice, nádej, že nepožívateľná nepreniknuteľná biela vrstva, „biely stred“, mu vytvorí prekážku pri páde z džemu do depresívneho marshmallow a umožní mu vyhnúť sa nevyhnutnému...

*Keď vidím takéto plátna, vždy sa mi zdá, že ide zo strany umelca o provokáciu....
Raz sa dve dievčatá od našich dizajnérov v práci pozerali na ilustráciu niektorých škvŕn a obdivovali, spýtal som sa, čo je na tom také zvláštne a ako sa tieto škvrny líšia od škvŕn 5-ročného dieťaťa, povedali: aby som to pochopil , treba študovať 5 rokov.

Levkonoe: Možno by malo. Neverím na príliš jednoduché verzie: provokácia (to by sa raz stalo), pranie špinavých peňazí, efekt „nahého kráľa“ atď. To všetko je príliš jednoduché a už dávno by to prestalo fungovať aj v Malevičovi;

* V čom je teda problém? Cestou z práce si kúpime pastelové farby, papier Whatman, štetce a nakreslíme si taký uterák. Zavesíme si ho na stenu a snažíme sa cítiť ako milionári, ktorí práve minuli 70 zelených baránkov;

* Chápem, že Leonardov autogram môže mať miliónovú hodnotu, hoci na ňom nie je nič zvláštne. Ale vieme, prečo ho milujeme. A o tomto Rothkovi som nič nevedel a práve som si to prečítal. Mimochodom, sled udalostí nie je povzbudivý: normálne obrázky - mystické obrázky - farebné pruhy - čierne pruhy - samovražda. Vznikajú pochybnosti...;

Chris Chapman

* Zdá sa mi, že je to niečo zlomené vo svete a v ľuďoch. Na začiatku minulého storočia. Rýchla vedecko-technická revolúcia, revolúcie, vojny. Vo vzduchu bolo niečo deštruktívne. A nemohli chýbať obrázky. Možno ste zo všetkého toho chaosu chceli ísť do úplnej prázdnoty? Skryť, zavrieť alebo naopak – vpustiť to všetko do duše a potom si podrezať žily.

Nemyslím si, že tieto obrázky sú "lajkované", len by mohli niečomu vnútri ublížiť. Je to viac psychológia ako umenie. A je dobré, ak je to dobré, ak sa vám podarí skryť sa a ak si neskôr budete chcieť podrezať žily, keď sa pozriete na túto prázdnotu na stene?

Nie, nemyslím si, že každý, komu sa to páči, je blázon. Proste každý má svoje problémy a je možné, že niekto pôjde do tejto ničoty - riešenia problému.

No dobre. Nech sa páči. Aj keď si nemyslím, že je to všetko dobré. Príliš deštruktívny začiatok. Svet je šialený, ale nikto v ňom nezrušil zákony harmónie. A kvety sú nádherné!

Hnevá ma niečo iné – keď len toto sa nazýva umenie a všetko ostatné je vulgárnosť. A koniec koncov, niektorí začnú počúvať a hanbiť sa, že sa im páčia koberce. To znamená, že sa začnú vzďaľovať od toho, čo je naozaj krásne, smerom k tomuto chaosu a prázdnote. Veď už aj samotného slova „krásna“ sa začína báť. Akoby to mohlo narušiť ich pruhovaný svet. A začnú vnucovať tento svoj vlastný snobizmus. Urobte z toho normu!
Napriek tomu je v ľuďoch niečo zjavne zlomené;

*Táto handra vo mne vyvoláva depresiu a klaustrofóbiu.
Má niečo z chodby na sovietskej klinike. Žltá - stena, fialová - podlaha, v strede - lavica;


Chris Chapman
* Milý Levkonoe, ja sám teraz študujem umenie a ešte keď som bol študentom psychológie.
A takú vec som si všimol aj v bežnom živote: vo vzťahu k umeniu sú dva typy ľudí – tí, ktorí nevnímajú abstraktné umenie a veľmi milujú realizmus („chceť tam ísť“) a tí, ktorých abstrakcia nadchla. , a realizmus, hoci rešpektovaný pre svoju zručnosť, nie je považovaný za vrchol umenia.

Keď som pozoroval toto jasné rozdelenie a nejasne som si spomínal na hodiny o štruktúre mozgu, začal som tušiť, že to má niečo spoločné s prácou rôznych hemisfér a ich pomerom (nie celkom ľavák/pravák, ale je to viac a zmätenejší). Alebo ide o štrukturálne znaky nejakej oblasti vnímania v mozgu. Pretože tieto dve kategórie ľudí sa líšia nielen svojím postojom k umeniu, ale aj množstvom iných hodnôt.
Toto, samozrejme, nie je striktná klasifikácia, ale podľa mňa niečo také určite existuje.
Toto všetko som napísal, pretože Rothka veľmi milujem a vážim si ho.

Levkonoe: Pravdu hemisféru asi VOBEC nemám, pretože ani po všetkých štúdiách, ktoré mi tu odborníci dali, nevidím v tomto obraze o nič väčší zmysel a emócie ako v stene sovietskej kliniky natretej olejovými farbami.

A nemôžem sa ubrániť pocitu, že keby kritici umenia nevedeli, kde je Rothko a kde je stena, boli by obaja rovnakí;

Chris Chapman
* Irina, ospravedlňujem sa za inváziu na cudzie územie ... ale táto otázka ma už dlho zamestnávala: Naozaj veríte tomu, že ak človek vôbec nemá rád "koberčeky" alebo nevie prečítať Dontsovu, je to nevyhnutne mimo snobizmus? Alebo ešte pripúšťate možnosť inej možnosti?

Na margo diskusie: Maľovanie vnímam tým, čomu sa hovorí žalúdok, podľa zásady „páči sa mi to – nepáči sa mi to“, Dalího neznesiem (rovnako ako LNT :), ale láska Kandinsky, Klee a Miro; Videl som Rothka v múzeách a pripájam sa k svedectvám o jeho neuveriteľnej energii; takzvané súčasné umenie zahŕňa nielen „nepochopiteľné“, ale všetko, vrátane hyperrealizmu a pop-artu, čo neznášam; môžete mať zlý postoj k vektoru vývoja modernej hudby a moderného maliarstva, ale zúženie ich publika je samozrejmosťou; nikto vás nenakloní chodiť na výstavy, ktoré vám nie sú blízke, a počúvať hudbu, ktorú nemáte radi, ale verte mi, z čoho mi v Guggenheimovej galérii naskočila husia koža (a môj spoločník bol úplne zmätený), resp. ja sa každý rok teším na Dva dni a dve noci novej hudby nemá nič spoločné so snobizmom.

Dobrý deň, milí čitatelia. Dnes sa dostaneme do kontaktu so svetom kreativity, v našom prípade nezmyselného a nemilosrdného. Hovoríme o jednom z najdrahších umelcov na svete, ktorého obrazy stoja za celý majetok.

Mark Rothko(Angličtina) Mark Rothko, rodné menoMarkus Jakovlevič Rotkovič; 25. september 1903, Dvinsk, provincia Vitebsk, teraz Daugav Pils , Lotyšsko – 25. februára 1970 v New Yorku ) je americký umelec., popredný predstaviteľ abstraktu expresionizmus , jeden z tvorcov maľby farebné pole . (Verte, že tvorca takýchto polí žije v každom z vás. Poznámka autora)

Nenaťahujme mývala dlho a prejdime k spoznávaniu.

"Oranžová, červená, žltá" (1961) Mark Rothko- predané 08.05.2012 na aukcii Sotheby's86 882 500 $. Obraz patrí do svetlého obdobia tvorby amerického expresionistu. Na sklonku života, keď už k nemu prišla sláva, však umelec upadá do hlbokej depresie.

№ 10

1958

Cena - 81 925 000 dolárov

biely stred

Cena - 72 800 000 dolárov

Dúfam, že si ešte nezomrel závisťou a nehneváš sa na Boha, že ťa pripravil o taký talent. Ceny obrazov nebudem prepočítavať na ruble, aby text obsahoval viac písmen ako číslic.

Kráľovská červená a modrá

Cena - 70 100 000 dolárov

V tejto chvíli už dokážete rozlíšiť Rothka od Van Gogha, Rubensa alebo Picassa, aj keď ste ich obrazy nevideli.

Modrá a šedá

Nemohol prijať, keď ho nazývali abstrakcionistom, pretože svoje obrazy považoval za odraz skutočného života, živých organizmov hľadajúcich kontakt s divákom. [Dúfam, že ste už nadviazali kontakt?]

Umenie je zložitá vec, ktorú, ako sa zdá, mi nie je dané naplno realizovať. To je ako plat hráčov ruskej futbalovej reprezentácie, nie je jasné, prečo je taký obrovský.

Mark Rothko bol taký nadaný, že väčšina obrazov nemá názvy.

Bez názvu (žltá a modrá)

Pri tejto práci sa zastavím, pretože mnohých už asi nudila. Ale výhody sú takmer všade, teraz Rothka rozoznáte od ostatných umelcov, máte možnosť rozprávať sa na tému umenie a niekto inšpirovaný pôjde pre stojan a farby.

Spomalíme na minútu a zamyslíme sa nad tým, kto „odmeňuje“ človeka statusom – umelca? Sám autor? Inzerenti, ktorí sa snažia predať majstrovské dielo (čítajte slovo s kaukazským prízvukom) čo najdrahšie? Ľudia, ktorí sú pripravení dať imanie za kus plátna? Ako nájsť odborníkov, ktorí takéto diela hodnotia? Ako sa dostať do tejto sekty? Som si istý, že poznáte odpovede na tieto otázky.

Žijeme v zábavnom svete, kde obraz môže stáť stovky miliónov a prilákať čo najviac obdivovateľov, vo svete, v ktorom urny prakticky nestoja za nič, a preto nepriťahujú pozornosť nikoho, snáď okrem našich drahých čitateľov.

Žiaľ, volebné urny neboli v Zelenstroyi nikdy umiestnené, ale ako Mark Rothko sa nevzdám svojho povolania, neustúpim pod jarmo tých, ktorí to nechápu a odsudzujú.

Veľa šťastia všetkým, starajte sa o seba a svojich blízkych.

– Teraz vysvetlím na príklade z mojej monografie. Pozrite sa sem. Koniec minulého storočia. Tunelový socialistický realizmus, ako ho dnes zaraďujeme. Sovietsky zväz pri poslednom výdychu. Mladý a módny petrohradský umelec v spoločnosti priateľov, fajčiac bylinky, ide na smetisko, vyberie z neho nejaký lesklý kus železa - buď volant bicykla, alebo kľukový hriadeľ - zdvihne ho nad hlavu a vyhlasuje: „Kamaráti, v stávke: zajtra predám túto hrdinku jednej spoločnosti za desaťtisíc dolárov. Potom tam boli doláre. A predáva. Otázka znie: kto a kedy dal povolenie považovať túto hrdinku za umelecký predmet v hodnote desaťtisíc?
- Umelec? navrhol som. - Nie. Sotva. Potom by všetci pracovali ako umelci. Pravdepodobne... ten, kto to kúpil?
- To je všetko! Maruja zdvihla prst. - Aký si dobrý človek - vidíš v koreni. Ten, kto kúpil. Pretože bez neho uvidíme okolo tohto umelca len zástup hladných kurátorov, ako som ja. Niektorí budú kričať, že to nie je umenie, ale len kus železa z odpadu. Iní - že toto je umenie práve z toho dôvodu, že je to len kus železa z odpadu. Budú tiež kričať, že umelec je perverzný a platia ho iní bohatí perverzníci. Určite povedia, že CIA počas takzvanej perestrojky investovala do nekonformných protisovietskych trendov, aby si medzi mladými ľuďmi pozdvihla spoločenské postavenie – a konečným cieľom bol rozpad ZSSR, takže rôznym tupcom platili desať grand za kus železa zo smetiska ... Vo všeobecnosti povedia veľa vecí, buďte si istí. V každom z týchto tvrdení môže byť kus pravdy. Ale pred samotným predajom to všetko boli len reči. A po nej sa stala reflexiou dokonaného faktu kultúry. Špinavým tajomstvom moderného umenia je, že konečné právo na život mu dáva – alebo nedáva – das Kapital. A on je jediný. Predtým však musia umelca formálne posvätiť tí, ktorí pôsobia ako prostredník medzi umením a kapitálom. Ľudia ako ja. Umelecká elita, ktorá sa rozhoduje, či považovať kus železa zo smetného koša za umenie alebo nie.
"Ale vždy to tak bolo," povedal som. - V zmysle umenia a kapitálu. Rembrandt je tam. Nejaký Tizian. Kúpili ich obrazy. Takže mohli kresliť viac a viac.
"Áno, ale nie celkom," odpovedala Mara. - Keď diviak namaľoval zubra na stenu jaskyne, poľovníci spoznali šelmu a podelili sa o mäso s umelcom. Keď Rembrandt alebo Titian ukázali svoj obraz potenciálnym kupcom, neboli tam žiadni kurátori. Každý panovník alebo bohatý obchodník bol sám kritikom umenia. Hodnota predmetu bola určená bezprostredným dojmom, ktorý vyvolal na zákazníka, ktorý bol ochotný zaplatiť. Kupujúci na portréte videl prekvapivo podobnú osobu. Alebo žena s rovnakými ružovými záhybmi celulitídy ako jeho manželka. Bol to zázrak, prekvapil a nepotreboval komentáre a chýr sa rozptýlil práve o tomto zázraku. Umenie okamžite a bez námahy reprezentovalo nielen svoj objekt, ale aj seba ako médium. Priamo v živom akte vnímania niekoho iného. K životu nepotreboval vstupenku na dejiny umenia. Rozumieť?
Neisto som prikývol.
„Súčasné umenie, zoširoka povedané, začína tam, kde končí prirodzenosť a viditeľnosť, a potrebujeme nás a našu sankciu. Posledných stopäťdesiat rokov sa umenie zaoberá najmä reprezentáciou toho, čo nie je bezprostredne hmatateľné. Preto treba umenie reprezentovať samo. pochopené?
- Je to nejasné. Radšej sa pozriem na internet a...
- Nie, nazbieraš tam všelijaké sračky. Počúvajte ma, všetko vysvetlím jednoducho a k veci. Ak kupujúci príde za umelcom pracujúcim v novej paradigme, na plátne neuvidí svoju tvár, známu zo zrkadla, ani záhyby celulitídy, známe od jeho manželky. Vidí tam...
Mara sa na chvíľu zamyslela.
- No, mimochodom - veľká oranžová tehla, pod ňou je červená tehla a pod ňou žltá tehla. Len sa to nebude nazývať „semafor v hmle“, ako by povedala nejaká jednoduchá duša, ale „oranžová, červená, žltá“. A keď sa kupujúcemu povie, že tento semafor v hmle má hodnotu osemdesiat miliónov, je životne dôležité, aby niekoľko serióznych, slávnych a vážených ľudí stojacich okolo obrazu prikývlo hlavami, pretože kupujúci v novej kultúrnej situácii nemôže počítať so svojím pocity a myšlienky. Umelecký establishment udeľuje sankciu – a tá je veľmi vážna, pretože to znamená, že predané dielo v prípade potreby zoberie späť za približne rovnaké peniaze.
- Prijmú to? Opýtal som sa.
Mara prikývla.
- S obrázkom, o ktorom hovorím, sa to stalo už veľakrát. Má vyše sto rokov.
Ako k tejto sankcii dochádza?
Mara sa zasmiala.
- To nie je otázka za osemdesiat, ale za sto miliónov. Ľudia trávia svoje životy, aby dostali túto sankciu – a oni sami tomu úplne nerozumejú. Sankcia vzniká ako výsledok Brownovho hnutia mysle a vôle zapojených do súčasného umenia okolo investičného kapitálu, ktorý má, samozrejme, posledné slovo. Ale ak chcete stručnú a jednoduchú odpoveď, môžete to povedať. Dnešné umenie je sprisahanie. Toto sprisahanie je zdrojom sankcie.
"Nie je to celkom právny výraz," odpovedal som. „Možno by bolo lepšie povedať „predbežná dohoda“?
„Môžeš hovoriť, čo chceš, Porfiry. Ale podmienky umenia by mali mať rovnakú sankciu kapitálu ako plátno s tromi farebnými tehlami. Až potom začnú niečo znamenať – a zaslúžia si, aby sme sa ponorili do ich mnohých možných významov. Sartre povedal o „sprisahaní umenia“ – a to je mimochodom jedno z mála jasných vyhlásení v jeho živote. Sartre bol draho kúpený. Preto, keď po ňom zopakujem tieto slová, schovávam sa za sankciu vydanú proti nemu a tvárim sa vážne. A keď Porfirij Petrovič hovorí o „predbežnej tajnej dohode“, zaváňa to svinstvom, prepáčte za moju francúzštinu. A toto už po ňom nikto nezopakuje.
"Práve si to zopakoval," povedal som.
- Áno. Na vzdelávacie účely. Ale toto do monografie nevložím ja, ale dedo Sartre - úplne. Pretože jediný spôsob, ako získať súhlas na moju monografiu, je zlepiť ju zo sankcií, ktoré už boli vydané na iné projekty. Takto sa udržiava sprisahanie umenia. A tiež všetky ostatné konšpirácie. Umenie už dávno prestalo byť mágiou. Dnes je to, ako ste správne poznamenali, predbežné sprisahanie.
– S kým a s kým? Opýtal som sa.
– Ale to nie je vždy jasné. A účastníci tajnej dohody musia často improvizovať. Dá sa povedať, že z tejto nejednoznačnosti sa rodí novosť a sviežosť.
"Áno," povedal som a zakrútil som si fúzy. - Prečo niekto, kto rozumie modernému umeniu, ale nezúčastňuje sa na sprisahaní, nevyjde s odhalením?
Mara sa zasmiala.
- Nepochopil si to najdôležitejšie, Porfiry.
- Čo?
- Nie je možné „pochopiť“ súčasné umenie bez toho, aby sme sa podieľali na jeho sprisahaní – pretože na objavenie tohto umenia si už treba nasadiť okuliare konšpirátora. Bez okuliarov budú oči vidieť chaos a srdce bude cítiť túžbu a podvod. Ale ak sa zúčastníte sprisahania, podvod sa stane hrou. Umelec na javisku predsa neklame, keď hovorí, že je Čičikov. Hrá sa – a zo stoličky, o ktorú sa opiera, sa stane trojka. V každom prípade, pre kritika, ktorý je v podiele ... Rozumiete?
"Asi," odpovedal som. - Nehovorím, že je to hlboké, ale môžem podporiť konverzáciu.
„Teraz, Porfiry, musíš mať ďalšiu otázku.
- Ktoré?
Prečo ti to všetko vysvetľujem?
"Áno," zopakoval som, "naozaj. Prečo?
"Tak teda," povedala Mara, "aby si nebol prekvapený tým, čo uvidíš, keď začneme pracovať." Budete mať do činenia s veľmi drahými predmetmi. A môže sa vám zdať zvláštne, že elektronická kópia alebo videoinštalácia, ktorú môže z otvoreného kultúrneho materiálu vyrobiť ktokoľvek, sa považuje za jedinečné umelecké dielo a predáva sa za celý majetok. Ale verte mi, je to rovnaká situácia ako pri maľbe „Oranžová, červená, žltá“. Ak pri pohľade na ňu uvidíte v hmle pred sebou semafor, ste laik – nech už vaše úvahy znie akokoľvek presvedčivo iným laikom. Pamätajte na hlavnú vec: umelecké predmety, s ktorými sa budete zaoberať, nepotrebujú váš súhlas. A už majú aj sankciu umeleckej obce.
- Akou formou bola udelená táto sankcia?
„Porfiry,“ povzdychla si Mara, „aký si nepozorný. V takej podobe, v akej boli kúpené.

Hodnotenie výsledkov aukcie diel ruského umenia

1. Na účasť boli akceptované iba výsledky verejnej aukcie.
2. Príslušnosť k ruským umelcom bola určená miestom narodenia. Bol narodený v Ruská ríša alebo v ZSSR - to znamená ruský umelec, bez ohľadu na etnický pôvod a zľavy na to, ako sa osud vyvíjal v budúcnosti. Napríklad to, že Kandinskij v rôzne roky mal ruské aj nemecké občianstvo a zomrel s francúzštinou, nie je dôvod pochybovať o tom, že umelec je Rus.
3. Pravidlo: jeden umelec – jeden obrázok. Čiže situácia, keď by, prísne vzaté, všetky prvé miesta museli byť udelené dielam Marka Rothka, je vyriešená nasledovne: nechávame len najviac drahá práca a ignorovať všetky ostatné výsledky pre maľby tohto umelca.

Hodnotenie je založené na výsledkoch, berúc do úvahy prémiu kupujúceho (Buyers Premium), vyjadrenú v dolároch (čísla uvedené na európskych aukciách, to znamená v librách alebo eurách, sú prepočítané na doláre podľa výmenného kurzu v deň obchodovania ). Do ratingu preto nebol zaradený ani Španiel Gončarovej, predaný 2. februára 2010 za 6,43 milióna libier, ani Aivazovského Pohľad na Konštantínopol a Bosporský prieliv, za ktorý sa zaplatilo 3,23 milióna libier 24. apríla 2012. Áno, v transakčná mena, t.j. v librách sú drahšie ako obrazy, ktoré obsadili miesto v rebríčku, no s dolárom šťastie nemali.

1. 86,88 milióna dolárov Mark Rothko. Oranžová, červená, žltá (1961)

Jeden z najzáhadnejších súčasných umelcov. Jeho životná cesta je akoby utkaná z protikladov – v kreatívnom hľadaní, v konaní, v gestách... Považovaný za jedného z ideológov a, samozrejme, kľúčová postava v americkom abstraktnom expresionizme Rothko nezniesol, keď sa jeho dielo nazývalo abstraktné. V minulosti, ktorý dobre vedel, aký je život z ruky do úst, raz vzdorovito vrátil zákazníkom v prepočte na bežné peniaze úplne fantastickú zálohu a sám sebe nechal takmer kompletne hotové dielo. Takmer päťdesiat rokov čakal na svoj úspech a možnosť zarábať si maľovaním a opakovane odmietal ľudí, ktorí by mu mohli zničiť kariéru, keby chceli. Minimálne dušou socialista, ktorý zdieľal myšlienky Marxa, nepriateľského voči bohatým a bohatstvu, sa Rothko nakoniec stal autorom najdrahších obrazov na svete, čo sa vlastne zmenilo na atribút vysokého postavenia ich majiteľov. (To nie je vtip, rekordný White Center, predaný za 65 miliónov dolárov, pochádzal z rodiny Rockefellerovcov.) Sníval o tom, že ho masové publikum uzná, nakoniec sa stal tvorcom obrazov, ktoré sú dodnes skutočne zrozumiteľné len pre okruh intelektuálov a znalcov. Nakoniec umelec, ktorý hľadal rozhovor s Pánom prostredníctvom hudby svojich plátien, umelec, ktorého diela sa stali ústredným prvkom v dizajne kostola všetkých náboženstiev, ukončil svoju životnú cestu úplne zúfalým činom teomachizmu. ...

Rothko, ktorý si pamätal sídliskovú bledosť a kozákov, mohol byť prekvapený, že na neho boli hrdí aj ako na ruských umelcov. Antisemitizmu však bolo v Amerike v tridsiatych rokoch dosť – nebolo náhodou, že umelec „zrezal“ rodné meno Rotkovich. Ale nie bezdôvodne to nazývame ruským. Na začiatok k faktu narodenia. Lotyšský Dvinsk, súčasný Daugavpils, v čase narodenia Markusa Rotkoviča, je súčasťou Ruska a zostane ním až do rozpadu impéria, do roku 1918. Pravda, Rothko sa už revolúcie nedočká. V roku 1913 bol chlapec prevezený do USA, rodina sa presťahovala do Portlandu v Oregone. To znamená, že v Rusku prešlo detstvo a dospievanie, tu sa formovalo životné vnímanie a rozhľad. Okrem toho, že sa tu narodil, Rothko je spájaný s Ruskom, podotýkame, ideologické témy aj konflikty. Je známe, že ocenil diela Dostojevského. A aj neresti, ktoré Rothko dopúšťal, sa vo svete z nejakého dôvodu spájajú s Rusmi. Depresia na Západe sa z nejakého dôvodu nazýva „ruská choroba“. Čo, samozrejme, nie je argument, ale ďalší dotyk s integritou povahy ruského umelca.

Rothko išiel k inovatívnym objavom v maľbe dlhých 15 rokov. Keďže prešiel mnohými figurálnymi záľubami, vrátane surrealizmu a figuratívneho expresionizmu, v polovici 40. rokov 20. storočia štruktúru svojich obrazov maximálne zjednodušil, výrazové prostriedky obmedzil na niekoľko farebných blokov, ktoré tvoria kompozíciu. Intelektuálny základ jeho tvorby je takmer vždy vecou interpretácie. Rothko zvyčajne nedával priame odpovede, rátal so spoluúčasťou diváka na pochopení diela. Jediné, s čím určite počítal, bola emotívna práca diváka. Jeho obrazy nie sú na oddych, nie na relax a nie na „vizuálnu masáž“. Sú navrhnuté pre súcit. Niektorí ich vidia ako okná, ktoré umožňujú nahliadnuť do duše diváka, iní - dvere do iného sveta. Existuje názor (možno najbližšie k pravde), že jeho farebné polia sú metaforickými obrazmi boha.

Dekoratívnu silu „farebných polí“ vysvetľuje množstvo špeciálnych techník, ktoré Rothko používa. Jeho obrazy si nepotrpia na masívne rámy – nanajvýš tenké prelisy vo farbe plátna. Umelec zámerne tónoval okraje obrazov v gradiente, aby malebné pole stratilo hranice. Rozmazané okraje vnútorných štvorcov sú tiež technikou, spôsobom, ako vytvoriť efekt chvenia bez kontrastu, zjavného prekrývania farebných blokov, pulzujúcich škvŕn, ako blikanie svetla z elektrických lámp. Toto jemné rozpúšťanie farby do farby bolo úspešné najmä v oleji, až kým Rothko koncom šesťdesiatych rokov neprešiel na nepriehľadný akryl. A zistený efekt elektrickej pulzácie sa zvýši, ak sa pozriete na obrázky z blízkej vzdialenosti. Trojmetrové plátna sú podľa umelca najlepšie viditeľné zo vzdialenosti nie väčšej ako pol metra.

Dnes sú Rothkove obrazy pýchou každého známeho múzea súčasného umenia. Takže v anglickej Tate Gallery je miestnosť Rothko, v ktorej žije deväť obrazov od tých, ktoré boli napísané na základe zmluvy s reštauráciou Four Seasons. Tento projekt je pre Rothkovu postavu spojený s dosť objavným príbehom. V roku 1959 sa na umelca na odporúčanie obrátili majitelia módnej reštaurácie „Vremena Goda“, ktorá bola otvorená v nezvyčajnom newyorskom mrakodrape Seagram Building (podľa názvu výrobcu alkoholu). Výška kontraktu v súčasných peniazoch bola takmer 3 milióny dolárov - veľmi významný poplatok aj pre dokonalého, uznávaného umelca, ktorým bol už v tom čase Rothko. Keď však bolo dielo takmer hotové, Rothko nečakane vrátil zálohu a odmietol ju odovzdať objednávateľovi. Za hlavné dôvody náhleho činu biografi považovali neochotu potešiť vládnucu triedu a pohostiť bohatých pri večeri. Existuje aj názor, že Rothka rozrušilo, keď sa dozvedel, že obyčajní zamestnanci pracujúci v budove jeho obrazy neuvidia. však Najnovšia verzia vyzerá príliš romanticky.

Takmer o 10 rokov neskôr Rothko daroval niektoré z plátien pripravených pre Four Seasons londýnskej Tate Gallery. Trpkým zvratom osudu, 25. februára 1970, v deň, keď sa debny s obrazmi dostali do anglického prístavu, našli umelca mŕtveho v jeho ateliéri, s podrezanými žilami a (zrejme pre záruku) obrovskou dávkou liekov na spanie v jeho žalúdok.

Dnes Rothkova tvorba zažíva ďalšiu vlnu úprimného záujmu. Konajú sa semináre, otvárajú výstavy, vydávajú monografie. Na brehu Daugavy, vo vlasti umelca, bol postavený pamätník.

Rothkove diela na trhu nie sú výnimočne zriedkavé (ako napr. Malevichov obraz). Ročne sa len na aukciách jeho obrazov, nepočítajúc grafiky, vystaví okolo 10-15 kusov. Teda nie deficit, ale platia sa za ne milióny a desiatky miliónov dolárov. A takéto ceny nie sú náhodné. Je to skôr pocta jeho novátorstvu, túžbe objavovať nové sémantické vrstvy a pripojiť sa k tvorivému fenoménu jedného z najtajomnejších ruských umelcov.

8. mája 2012 na aukcii povojnového a súčasného umenia plátno Christie's "Orange, Red, Yellow" v roku 1961 vyšlo na 86,88 milióna dolárov vrátane provízie. Dielo pochádza zo zbierky pensylvánskeho filantropa Davida Pinkusa. David a jeho manželka Gerry kúpili dielo s rozmermi 2,4 x 2,1 metra z galérie Marlborough a potom ho na dlhý čas zapožičali do Philadelphia Museum of Art. Obraz „Oranžová, červená, žltá“ sa stal nielen najdrahším dielom umelca ruského pôvodu, ale aj najdrahším drahá práca povojnové a súčasné umenie, predávané vo verejnej dražbe.

2. 60,00 miliónov dolárov Kazimír Malevič. Suprematistická skladba (1916)

Pre môj dlhý život najprv spolu s Robertom a po jeho smrti v roku 1941 si Sonya sama stihla vyskúšať mnoho umeleckých žánrov. Venovala sa maľbe, knižnej ilustrácii, divadelným náčrtom (najmä navrhla kulisy pre Diaghilevov balet Kleopatra), módnemu dizajnu, interiérovému dizajnu, vzorom na textíliách a dokonca aj tuningu áut.

Skoré portréty a abstrakcie Sonie Delaunayovej z 1900-10, ako aj diela zo série Color Rhythms z 50-tych-60-tych rokov, sú veľmi obľúbené na medzinárodných a národných francúzskych aukciách. Ich ceny často dosahujú niekoľko stoviek tisíc dolárov. Umelcov hlavný rekord bol vytvorený pred viac ako 10 rokmi – 14. júna 2002 na parížskej aukcii Calmels Cohen Paris. Potom sa za 4,6 milióna eur predalo abstraktné dielo „Trh v Minho“, napísané v roku 1915, počas života manželov Delaunayovcov v Španielsku (1914 – 1920).

32. 4,30 milióna dolárov Michail Nesterov. Vízia pre mládež Bartolomej (1922)

Ak hodnotíme našich umelcov podľa akejsi škály „ruskosti“, tak Michaila Vasilieviča Nesterova (1862–1942) môžeme pokojne umiestniť niekde na vrchol rebríčka. Jeho obrazy zobrazujúce svätcov, mníchov, mníšky v lyrickej „nesterovskej“ krajine, úplne ladiace s vysoko duchovným naladením postáv, sa stali jedinečným fenoménom v dejinách ruského umenia. Nesterov na svojich plátnach hovoril o Svätej Rusi, o jej špeciálnej duchovnej ceste. Umelec sa podľa vlastných slov „vyhýbal zobrazovaniu silných vášní, uprednostňoval pred nimi skromnú krajinu, osobu žijúcu vnútorným duchovným životom v náručí našej matky prírody“. A podľa Alexandra Benoisa bol Nesterov spolu so Surikovom jediným ruským umelcom, ktorý sa aspoň čiastočne priblížil vysokým božským slovám „Idiot“ a „Karamazov“.

Osobitný štýl a religiozita Nesterovho obrazu sa vyvinul z mnohých faktorov. Výchova v patriarchálnej, zbožnej kupeckej rodine v meste Ufa s typicky ruskou krajinou a roky štúdia u Wandererov Perova, Savrasova a Prjanišnikova na Moskovskej škole maľby, sochárstva a architektúry (od nich prevzal myšlienku ​​umenie, ktoré sa dotýka mysle a srdca) a od Pavla Chistyakova na Akadémii umení (tu prevzal techniku ​​akademickej kresby), cesty do Európy za inšpiráciou a hlbokú osobnú drámu (smrť jeho milovanej manželky Márie deň po narodení ich dcéry Oľgy).

Výsledkom bolo, že koncom 80. rokov 19. storočia - začiatkom 90. rokov 19. storočia už Nesterov našiel svoju tému a práve v tom čase napísal „Vízia mládeže Bartolomeja“ (1889-1890). Zápletka obrazu je prevzatá zo Života sv. Sergia. Mladík Bartolomej (budúci Sergius z Radoneža) sa stretol s anjelom v maske mnícha a dostal od neho Božie požehnanie, aby pochopil Sväté písmo a prevyšujú svojich bratov a rovesníkov. Obraz je presiaknutý zmyslom pre zázračnosť - nie je to len a nie tak v postavách Bartolomeja a Staršieho, ale aj v okolitej krajine zvláštnym sviatočným a duchovným spôsobom.

Vo svojich ubúdajúcich rokoch umelec viac ako raz označil Bartolomeja za svoje hlavné dielo: „... ak o tridsať, päťdesiat rokov po mojej smrti bude stále ľuďom niečo hovoriť, potom žije, potom žijem ja.“ Obraz sa stal senzáciou na 18. výstave Wanderers a mladého umelca z Ufy (Nesterov vtedy nemal ani tridsať) okamžite preslávil. „Víziu...“ získal P. M. Treťjakov do svojej zbierky, napriek pokusom zvonku ho odradiť, slovami Nesterova, „ortodoxných tulákov“, ktorí si v diele správne všimli podkopávanie „racionalistických“ základov tzv. pohyb. Umelec však už absolvoval vlastný kurz umenia, ktorý ho nakoniec preslávil.

S príchodom Sovietska moc lebo Nesterov s jeho náboženským obrazom neprišiel lepšie časy. Umelec presedlal na portréty (našťastie mal možnosť maľovať len jemu hlboko sympatizujúcich ľudí), no na predchádzajúce námety sa neodvážil ani pomyslieť. Keď sa však začiatkom 20. rokov minulého storočia rozšírili zvesti, že v Amerike sa pripravuje veľká výstava ruského umenia, Nesterov sa rýchlo rozhodol zúčastniť v nádeji, že priláka nové publikum. Pre výstavu napísal niekoľko diel, vrátane autorského opakovania „Vízia mládeže Bartolomeja“ (1922), v americkej tlači pod názvom „Vízia sv. Sergia v dospievaní“. Nová verzia menší formát (91 × 109) v porovnaní s Treťjakovom (160 × 211), na oblohe sa objavil mesiac, farby krajiny sú o niečo tmavšie a v tvári chlapca Bartolomeja je viac vážnosti. Nesterov, ako to bolo, zhŕňa týmto obrázkom veľké zmeny, ktoré sa udiali od napísania prvej „vízie ...“.

Nesterovove obrazy boli jedny z mála zakúpených na výstave ruského umenia v New Yorku v roku 1924. „Vízia mladého Bartolomeja“ bola zaradená do zbierky známych zberateľov a patrónov Nicholasa Roericha – Louisa a Nettie Horschových. Odvtedy až do roku 2007 sa dielo v tejto rodine dedilo. A nakoniec, 17. apríla 2007, na ruskej aukcii v Sotheby's, mal obraz odhadom 2-3 milióny dolárov a ľahko ju prekročil. Výsledná cena kladiva, ktorá sa stala pre Nesterova rekordom, bola 4,30 milióna dolárov.Týmto výsledkom sa zapísal do nášho hodnotenia.

33. 4,05 milióna dolárov Vera Rokhlina. Hazardné hry (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) je ďalšou pozoruhodnou umelkyňou ruskej emigrácie, ktorá sa dostala do nášho hodnotenia spolu s Nataliou Goncharovou, Tamarou Lempitskou a Soniou Delaunayovou. Informácie o živote umelkyne sú veľmi vzácne, jej biografia stále čaká na svojho výskumníka. Je známe, že Vera Schlesinger sa narodila v roku 1896 v Moskve v rodine Rusky a Francúzky z Burgundska. Študovala v Moskve u Ilju Mashkova a bola takmer jeho obľúbenou študentkou a potom chodila na hodiny v Kyjeve s Alexandrou Exterovou. V roku 1918 sa vydala za právnika S. Z. Rokhlina a odišla s ním do Tiflisu. Odtiaľ sa na začiatku 20. rokov pár presťahoval do Francúzska, kde Vera začala aktívne vystavovať na jesennom salóne, salóne nezávislých a salóne Tuileries. Vo svojom maliarskom štýle najprv nasledovala myšlienky kubizmu a postimpresionizmu, ale začiatkom tridsiatych rokov si už vytvorila svoj vlastný štýl, ktorý jeden francúzsky časopis nazval „umelecká rovnováha medzi Courbetom a Renoirom“. V tých rokoch už Vera žila oddelene od svojho manžela v Montparnasse, medzi svojimi obdivovateľmi mala návrhára Paula Poireta, ako hlavnú tému maľby si vybrala ženské portréty a akty, čo možno uľahčilo jej zoznámenie so Zinaidou Serebryakovou (dokonca zachoval sa portrét nahého štetca Serebryakova Rokhlina) a v parížskych galériách sa konali osobné výstavy umelca. Ale v apríli 1934 spáchala 38-ročná Vera Rokhlin samovraždu. Čo primälo ženu v najlepších rokoch, ktorá už toho v tvorivej oblasti dokázala veľa, vziať si život, zostáva záhadou. Jej predčasná smrť bola označovaná za najväčšiu stratu na umeleckej scéne v Paríži v tých rokoch.

Rokhlina dedičstvo sa nachádza najmä v zahraničí, kde Vera strávila posledných 13 rokov svojho života a kde sa naplno prejavil jej talent. V deväťdesiatych rokoch a začiatkom roku 2000 začali francúzske múzeá a galérie organizovať samostatné výstavy Rokhliny a zaraďovať jej práce do skupinových výstav umelcov parížskej školy. Dozvedeli sa o nej zberatelia, jej diela sa začali predávať na aukciách a to celkom dobre. Vrchol predaja a cien nastal v rokoch 2007-2008, keď sa okolo stotisíc dolárov za obraz dobrého formátu od Rokhliny stalo samozrejmosťou. A 24. júna 2008 sa na večernej aukcii impresionistov a modernistov v Christie's v Londýne nečakane predal kubistický obraz Very Rokhlinej „Gamblers“, napísaný pred emigráciou, v roku 1919, 8-krát drahšie, než sa odhadovalo – za 2,057 milióna libier. (4,05 milióna dolárov) pri odhade 250-350 tisíc £

34. 4,02 milióna dolárov Michail Klodt. Noc v Normandii (1861)

35. 3,97 milióna dolárov.Pavel Kuznecov. Východné mesto. Buchara (1912)

Pre Pavla Varfolomejeviča Kuznecova (1878 – 1968), syna maliara ikon z mesta Saratov, absolventa Moskovskej školy maľby, sochárstva a architektúry (kde študoval u Arkhipova, Serova a Korovina), jedného z organizátorov združenia Modrá ruža, jedna z hlavných a určite aj východ sa stala medzi verejnosťou najuznávanejšou témou kreativity. Keď sa prvé symbolistické obdobie 20. storočia Pavla Kuznecova s ​​polofantastickými obrazmi „Fontán“, „Prebudení“ a „Zrodenia“ vyčerpalo, umelec odišiel pre inšpiráciu na východ. Spomenul si, ako ako dieťa navštívil svojho starého otca v zavolžských stepiach a sledoval život kočovníkov. "Zrazu si spomenul na stepi a odišiel do Kirgizska," napísal Kuznetsov. V rokoch 1909 až 1914 strávil Kuznecov niekoľko mesiacov v kirgizských stepiach s nomádmi, presiaknutými ich spôsobom života a prijal ich so svojou spriaznenou, „skýtskou“ dušou. V rokoch 1912-1913 umelec cestoval po mestách Stredná Ázia, žil v Buchare v Samarkande, na úpätí Pamíru. V 20. rokoch 20. storočia pokračoval prieskum východu už na Zakaukazsku a na Kryme.

Výsledkom týchto východných ciest bola séria úžasných obrazov, v ktorých je cítiť „modrovlasú“ lásku k modrej škále, symboliku ikon a chrámových fresiek, ktoré sú umelcovi blízke už od detstva, a vnímaný zážitok umelcov ako Gauguin, Andre Derain a Georges Braque a, samozrejme, všetky kúzla východu. Orientálne maľby Kuznetsova boli vrelo prijaté nielen v Rusku, ale aj na výstavách v Paríži a New Yorku.

Veľkým tvorivým úspechom bol cyklus obrazov „Východné mesto“ namaľovaný v Buchare v roku 1912. Jeden z najväčších obrazov zo série „Východné mesto. Bukhara" sa v júni 2014 predalo v MacDougall's za odhadovanú cenu 1,9-3 milióny £. Dielo s bezchybným pôvodom a históriou výstav: bolo zakúpené priamo od umelca; od polovice 50. rokov 20. storočia nezmenila svoje bydlisko; sa zúčastnil na výstavách „World of Art“, výstave sovietskeho umenia v Japonsku, ako aj na všetkých významných celoživotných a posmrtných retrospektívach umelca. Výsledkom bolo, že Kuznecov za obraz zaplatil rekordných 2,37 milióna libier (3,97 milióna dolárov).

36. 3,82 milióna dolárov Alexander Deineka. Hrdinovia prvej päťročnice (1936)

37. 3,72 milióna dolárov Boris Grigoriev. Shepherd from the Hills (1920)

Boris Dmitrievič Grigoriev (1886–1939) emigroval z Ruska v roku 1919. V zahraničí sa stal jedným z najznámejších ruských umelcov, no zároveň bol na dlhé desaťročia zabudnutý doma a jeho prvé výstavy v ZSSR sa uskutočnili až koncom 80. rokov. No dnes je jedným z najvyhľadávanejších a najuznávanejších autorov na ruskom umeleckom trhu, jeho diela, maľby aj grafické diela, sa predávajú za státisíce a milióny dolárov.

Umelec bol mimoriadne pracovitý, v roku 1926 napísal básnikovi Kamenskému: „Teraz som prvým majstrom na svete.<…>Za tieto frázy sa neospravedlňujem. Musíte vedieť, kto ste, inak nebudete vedieť, čo máte robiť. Áno, a môj život je svätý od práce hore a citov hore a mojich 40 rokov to dokazuje. Nebojím sa žiadnej konkurencie, žiadnej objednávky, žiadnej témy, žiadnej veľkosti a žiadnej rýchlosti.“

Asi najznámejšie sú jeho cykly „Rasey“ a „Tváre Ruska“ – duchom veľmi blízke a líšia sa len tým, že prvý vznikol ešte pred emigráciou a druhý už v Paríži. V týchto cykloch sa nám predkladá galéria typov („tvárí“) ruského sedliactva: starí muži, ženy, deti sa zamračene pozerajú priamo na diváka, priťahujú pohľad a zároveň ho odpudzujú. Grigoriev sa v žiadnom prípade neprikláňal k idealizácii či prikrášľovaniu tých, ktorých maľoval, naopak, obrazy niekedy privádza do grotesky. Medzi „tváre“ namaľované už v exile pribúdajú k sedliackym portrétom portréty Grigorijevových súčasníkov – básnikov, hercov Divadla umenia, ale aj autoportréty. Obraz roľníka "Raseya" sa rozšíril na zovšeobecňujúci obraz opustenej, ale nezabudnutej vlasti.

Jeden z týchto portrétov - básnik Nikolaj Klyuev v podobe pastiera - sa stal najdrahším obrazom Borisa Grigorieva. V aukčnej sieni Sotheby's 3. novembra 2008 sa The Shepherd of the Hills, 1920, predal za 3,72 milióna dolárov s odhadom 2,5 – 3,5 milióna dolárov.. Portrét je autorskou kópiou strateného portrétu z roku 1918.

Redakčná stránka

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.