Mark Rothko'nun "Turuncu, Kırmızı, Sarı" (1961) tablosunun sanatsal değeri nedir? Mark Rothko: Karmaşık Bir Düşüncenin Basit Bir İfadesi Turuncu Kırmızı Sarı 1961.

Rothko. Beyaz merkez (pembe üzerine sarı, pembe ve leylak rengi)

En sevdiğim Pantry Levkonoe'nin sahibi tarafından yazıldı http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe:
"Buradaki hepiniz sanattan hiçbir şey anlamıyorsunuz!
Ve ben en küçüğüyüm:

RIA Haberleri":
geçen mayıs ayında Rothko'nun "Beyaz Merkez (pembe üzerine sarı, pembe ve mor)" adlı eseri 72.8 milyon dolara Sotheby's'e gitti.

Sotheby's'in hepsinin aptal olduğuna inanmıyorum. O yıkanmış havlu muhtemelen 73 milyon değerinde...

Güncelleme:
Bunu buraya "dolandırıcılar, insanları kandırmak" vb. Konusunda gürültülü bir şekilde öfkelenmek için koymadım. - Ben kendim bunu onaylamıyorum ve başkalarına tavsiye etmiyorum.

Ressamın yeteneği ve resmin diğer avantajlarının yanı sıra benim için önemli olan sorunun "oraya gitmek istiyor muyum" olduğunu burada defalarca yazdım. Bu nedenle, Goya gibi hiçbir şey ve diğer pek çok şey, parlak vb. Burada görünmüyor. Çünkü şahsen ben oraya gitmek istemiyorum.
Yani, bir şekilde Rothko'nun havlusunu da giymek istemiyorum (Flatland'ı okumadığım sürece).

Onun hakkında okudum. Her zamanki gibi fakirdi, ilk başta portreler ve manzaralar çizdi. Bazı ekümenik şapelleri boyadı. Ünlü oldu. Zengin ve ünlü oldu. Ve aniden kareler ve çizgiler çizmeye başladı. Önce farklı renklerde. Sonra sadece siyah beyaz. Sonra damarlarını kesti.

Güncelleme2
Görünüşe göre, çimler hakkında barışçıl bir şekilde yorum yapan herkes burada acımasız hale gelirse veya kaşlarını çatarsa, bu resimde hala bir tür negatif enerji veya kötü ruh var. Güzel, açıkçası, tartışma hiçbir şey getirmedi. Birisi sorunun ne olduğunu ve neyi anlamadığımızı içtenlikle anlamaya çalıştıysa, burnuna tıklamak ve cehaletle dürtmek dışında hiçbir şey alamadılar. Taraftarlardan hiçbiri anlaşılır bir şey söylemedi.

* Belki bu resim yanlış asılmıştır (örneğin baş aşağı). Bizim anlamadığımız buydu;

*Baş aşağı değil. Aynı pasta. Altta hatmi ve üstte reçel, kayısı var. Yumuşak. Bulaşacak.
Ayrıca her şey sanatçının teşhisini açıklıyor. İlk başta TIR'ın manik evresindeydi ve pastalar yazdı. Resimde bu portakal reçeli ve marshmallow'dan daha az olması oldukça doğal. Pastila depresif bir dönemdir. Sanatçı, hatmi derinliklerinden çok renkli dünyayı ayırt etmeyi bıraktı, örtüldü ve kendini astı.

Ancak sanatçı bu özel resmi yaptığında, marshmallow'da bunun nasıl bir şey olduğunu henüz bilmiyordu, sadece bir önsezisi vardı. Aksi takdirde onu bu kadar pembemsi bir şekilde çizmezdi. Ve zavallı adam, nötr beyaz merkezin gerçekten ortada olduğunu ve dengeli bir TIR'ın depresyonun renksiz dünyasında boğulmasına izin vermeyeceğini umduğu için resme "beyaz merkez" adını verdi.

Ancak sanatçının sezgisi, onu gerçek durumu, yani depresif aşamayı düzeltmeye zorladı. Bu arada, bu, doktorların tipik bir TIR seyri hakkındaki verileriyle tutarlıdır. Beyaz katmana da bakmanızı öneririm: pastada biraz doğal görünmüyor, yenmez, diyebilirim ki, özellikle onunla reçel arasındaki siyah çizgi.

Sanatçı, kuşkusuz, bu sınırın aşılmazlığına dair ümidini, yenmeyen aşılmaz beyaz tabakanın, “beyaz merkezin” reçelden depresif lokumlara düşüşünde ona bir engel oluşturacağı ve ona izin vereceği ümidini vurgulamıştır. kaçınılmaz olandan kaçmak...

*Böyle tuvaller gördüğümde, bana hep sanatçının bir provokasyonu gibi geliyor...
Bir keresinde iş yerindeki tasarımcılarımızdan iki kız bazı noktaların resmine bakıp hayran kaldılar, bunun nesi bu kadar özel diye sordum ve bu noktaların 5 yaşındaki bir çocuğun lekelerinden nasıl farklı olduğunu sordum, şunu anlamak için dediler: , 5 yıl okumanız gerekiyor.

Levkonoe: Belki de öyle olmalı. Çok basit versiyonlara inanmıyorum: provokasyon (bu bir kez olur), kara para aklama, "çıplak kral" etkisi vb. Bütün bunlar çok basit ve uzun zaman önce Malevich'te bile işe yaramazdı;

*Peki sorun ne? İşten eve giderken biraz pastel boya, whatman kağıdı, fırça alıp böyle bir havlu çiziyoruz. Duvara asıyoruz ve 70 yeşil lam harcayan milyonerler gibi hissetmeye çalışıyoruz;

* Üzerine özel bir şey çizilmemesine rağmen Leonardo'nun imzasının milyonlar değerinde olabileceğini anlıyorum. Ama onu neden sevdiğimizi biliyoruz. Ve bu Rothko hakkında hiçbir şey bilmiyordum ve şimdi okudum. Bu arada, olayların sırası iç açıcı değil: normal resimler - mistik resimler - renkli çizgiler - siyah çizgiler - intihar. şüpheler doğuyor...;

Chris Chapman

* Bana öyle geliyor ki bu dünyada ve insanlarda bozulmuş bir şey. Geçen yüzyılın başında. Hızlı bilimsel ve teknolojik devrim, devrimler, savaşlar. Havada yıkıcı bir şey vardı. Ve resimleri kaçıramadı. Belki de tüm bu kaostan nihai boşluğa gitmek istedin? Saklayın, kapatın veya tam tersi - hepsini ruhunuza bırakın ve sonra damarlarınızı kesin.

Bu resimlerin "beğenildiğini" düşünmüyorum, sadece içinde bir şeyleri incitebilirler. Sanattan çok psikoloji. Ve duvardaki bu boşluğa baktıktan sonra iyiyse, saklanmayı başarırsanız ve daha sonra damarlarınızı kesmek isterseniz iyi olur?

Hayır, beğenen herkesin deli olduğunu düşünmüyorum. Sadece herkesin kendi sorunları var ve birisinin bu hiçliğe - soruna bir çözüm - girmesi mümkün.

İyi tamam. Beğenmesine izin ver. Her şeyin iyi olduğunu düşünmeme rağmen. Çok fazla yıkıcı başlangıç. Dünya çılgın ama kimse içindeki uyum yasalarını iptal etmedi. Ve çiçekler çok güzel!

Başka bir şey beni kızdırıyor - sadece buna sanat denildiğinde ve geri kalan her şey bayağılık olduğunda. Ve sonuçta, bazıları kilimleri sevdikleri için dinlemeye ve utanmaya başlar. Yani gerçekten güzel olandan bu kaosa ve boşluğa doğru uzaklaşmaya başlarlar. Sonuçta, "güzel" kelimesi bile korkmaya başlıyor. Sanki çizgili dünyalarını bozabilirmiş gibi. Ve bu züppeliği kendilerine empoze etmeye başlarlar. Bunu norm haline getirin!
Yine de insanlarda açıkça bir şeyler kırılmıştır;

*Bu paçavra beni depresif ve klostrofobik hissettiriyor.
Sovyet kliniğindeki koridordan bir şey var. Sarı - duvar, mor - zemin, ortada - tezgah;


Chris Chapman
* Sevgili Levkonoe, ben kendim şimdi sanat okuyorum ve hatta psikoloji öğrencisiyken.
Ve günlük yaşamda böyle bir şey fark ettim: sanatla ilgili olarak iki tür insan var - soyut sanatı algılamayanlar ve gerçekçiliği çok sevenler ("oraya gitmek isteyenler") ve soyutlamadan heyecan duyanlar ve gerçekçilik, hüneriyle saygı görse de sanatın zirvesi sayılmaz.

Bu net ayrımı gözlemleyerek ve beynin yapısıyla ilgili sınıfları belli belirsiz anımsayarak, bunun farklı yarım kürelerin çalışması ve oranlarıyla ilgili bir şey olduğundan şüphelenmeye başladım (tam olarak solak / sağlak değil, ama orada daha fazlası var) ve daha kafası karışık). Veya beyindeki bazı algı alanlarının yapısal özellikleridir. Çünkü bu iki insan kategorisi, yalnızca sanata karşı tutumlarında değil, aynı zamanda bir dizi başka değerde de farklılık gösterir.
Bu elbette katı bir sınıflandırma değil ama bence kesinlikle böyle bir şey var.
Bütün bunları Rothko'yu çok sevdiğim ve saygı duyduğum için yazdım.

Levkonoe: Muhtemelen HİÇBİR ŞEKİLDE doğru yarım küreye sahip değilim, çünkü uzmanların burada bana verdiği tüm araştırmalardan sonra bile, bu resimde bir Sovyet kliniğinin yağlı boya ile boyanmış duvarındakinden daha fazla anlam ve duygu görmüyorum.

Sanat eleştirmenleri Rothko'nun nerede olduğunu ve duvarın nerede olduğunu bilmeselerdi, ikisinin de aynı olacağını düşünmeden edemiyorum;

Chris Chapman
* Irina, başkasının bölgesini işgal ettiğim için özür dilerim ... ama bu soru beni uzun zamandır meşgul ediyor: Bir kişi "kilimi" hiç sevmiyorsa veya Dontsova'yı okuyamıyorsa, bunun mutlaka dışında mı olduğuna gerçekten inanıyor musunuz? züppelik? Yoksa hala başka bir seçeneğin olasılığına izin veriyor musunuz?

Tartışmanın kenarlarında: "Beğendim - beğenmedim" ilkesine göre mide denen şeyle resim algılıyorum, Dali'ye (LNT'nin yanı sıra :) dayanamıyorum, ama ben Kandinsky, Klee ve Miro'yu seviyorum; Rothko'yu müzelerde gördüm ve inanılmaz enerjisiyle ilgili tanıklıklara katılıyorum; sözde çağdaş sanat sadece “anlaşılmaz” olanı değil, hiperrealizm ve nefret ettiğim pop art dahil her şeyi içerir; modern müziğin ve modern resmin gelişim vektörüne karşı kötü bir tutuma sahip olabilirsiniz, ancak izleyicilerinin daralması verilidir; kimse size yakın olmayan sergilere gitmeye ve sevmediğiniz müzikleri dinlemeye teşvik etmiyor, ama inanın bana, Guggenheim Galerisi'nde tüylerimi diken diken eden şey (ve arkadaşım tamamen şaşırmıştı) veya Her yıl Two Days and Two Nights of New Music'i dört gözle beklememin züppelikle hiçbir ilgisi yok.

İyi günler sevgili okuyucular. Bugün, bizim durumumuzda anlamsız ve acımasız olan yaratıcılık dünyasıyla temasa geçeceğiz. Tabloları bir servet değerinde olan, dünyanın en pahalı sanatçılarından birinden bahsediyoruz.

Mark Rothko(İngilizce) Mark Rothko, Doğum adıMarkus Yakovleviç Rotkoviç; 25 Eylül 1903, Dvinsk, Vitebsk eyaleti, şimdi Daugav Pils , Letonya — 25 Şubat 1970 New York ) Amerikalı bir sanatçıdır.soyutun önde gelen temsilcisi DIŞAVURUMCULUK , resmin yaratıcılarından biri renk alanı . (İnanın bu tür alanların yaratıcısı her birinizin içinde yaşıyor. Yazardan not)

Rakunu fazla uzatmayalım ve birbirimizi tanımaya geçelim.

"Turuncu, Kırmızı, Sarı" (1961) Mark Rothko- 08.05.2012 satıldı Sotheby's müzayedesinde86 882 500 $. Resim, Amerikan dışavurumcu çalışmalarının parlak dönemine aittir. Ancak hayatının sonunda şöhret ona çoktan gelmişken sanatçı derin bir depresyona girer.

№ 10

1958

Fiyat - 81.925.000 $

beyaz merkez

Fiyat - 72.800.000 $

Umarım henüz kıskançlıktan ölmemişsindir ve seni böyle bir yetenekten mahrum bıraktığı için Tanrı'ya kızmamışsındır. Metnin rakamlardan çok harf içermesi için resimlerin fiyatlarını rubleye çevirmeyeceğim.

Kraliyet kırmızısı ve mavi

Fiyat - 70.100.000 $

Bu noktada, resimlerini görmeseniz bile, Rothko'yu Van Gogh, Rubens veya Picasso'dan ayırt edebilirsiniz.

mavi ve gri

Kendisine soyutlamacı denilmesini kabul edemiyordu çünkü resimlerini gerçek hayatın, izleyiciyle temas kurmaya çalışan canlı organizmaların bir yansıması olarak görüyordu. [Umarım zaten bağlantı kurmuşsunuzdur?]

Sanat, görünüşe göre bana tam olarak gerçekleştirmem için verilmeyen karmaşık bir şey. Bu, Rus milli futbol takımı oyuncularının maaşı gibi, neden bu kadar büyük olduğu belli değil.

Mark Rothko o kadar yetenekliydi ki resimlerin çoğunun adı yok.

İsimsiz (sarı ve mavi)

Bu işte duracağım çünkü çoğu muhtemelen sıkıldı. Ama hemen hemen her yerde avantajlar var, artık Rothko'yu diğer sanatçılardan ayırt edebiliyorsunuz, sanat konusunda konuşma fırsatınız var ve ilham alan biri şövale gidip resim yapacak.

Bir dakikalığına yavaşlayalım ve statü sahibi bir kişiyi kimin "ödüllendirdiğini" düşünelim - bir sanatçı? Yazarın kendisi mi? Bir şaheseri (kelimeyi Kafkas aksanıyla okuyun) olabildiğince pahalıya satmaya çalışan reklamcılar? Bir tuval parçası için servet vermeye hazır insanlar mı? Bu tür çalışmaları değerlendiren uzmanlar nasıl bulunur? Bu bölüme nasıl girilir? Eminim bu soruların cevaplarını biliyorsunuzdur.

Bir resmin yüz milyonlara mal olabileceği ve olabildiğince çok hayranı çekebileceği komik bir dünyada yaşıyoruz, çömleklerin neredeyse hiçbir değerinin olmadığı ve buna bağlı olarak belki de sevgili okuyucularımız dışında kimsenin dikkatini çekmiyorlar.

Ne yazık ki Zelenstroy'da sandıklar hiç asılmadı ama Mark Rothko gibi mesleğimden vazgeçmeyeceğim, anlamayan ve kınayanların boyunduruğu altına çekilmeyeceğim.

Herkese bol şans, kendinize ve sevdiklerinize iyi bakın.

– Şimdi monografimden bir örnek kullanarak açıklayacağım. İşte bak. Geçen yüzyılın sonu. Bugün sınıflandırdığımız şekliyle tünel sosyalist gerçekçiliği. Sovyetler Birliği son nefeste Arkadaşlarının eşliğinde genç ve modaya uygun bir St.Petersburg sanatçısı, otlar içmiş, çöp yığınına gider, ondan parlak bir demir parçası çıkarır - ya bir bisiklet direksiyon simidi ya da bir krank mili - onu başının üzerine kaldırır ve Beyler, iddiaya göre yarın bu kahramanı bir şirkete on bin dolara satacağım. Sonra dolar vardı. Ve satar. Soru şu: Bu kahramanı on bin değerinde bir sanat eseri olarak görme onayını kim ve ne zaman verdi?
- Sanatçı mı? Önerdim. - HAYIR. Zorlu. O zaman herkes sanatçı olarak çalışırdı. Muhtemelen... satın alan kişi?
- Bu kadar! Maruja parmağını kaldırdı. - Ne kadar iyi bir adamsın - kökünden anlıyorsun. Satın alan kişi. Çünkü o olmadan, bu sanatçının etrafında sadece benim gibi aç küratörler kalabalığını göreceğiz. Bazıları bunun sanat olmadığını, sadece çöpten çıkmış bir demir parçası olduğunu haykıracak. Diğerleri - bunun tam olarak çöpten bir demir parçası olduğu için sanat olduğunu. Sanatçının bir sapık olduğunu ve diğer zengin sapıklardan para aldığını da haykıracaklar. Kesinlikle, CIA'nın sözde perestroyka sırasında gençler arasındaki sosyal konumlarını yükseltmek için uyumsuz anti-Sovyet eğilimlere yatırım yaptığını söyleyecekler - ve nihai hedef SSCB'nin çöküşüydü, bu nedenle çeşitli aptallara on ödeme yapıldı. çöplükten bir parça demir için bin dolar ... Genel olarak pek çok şey söyleyecekler, emin olun. Bu ifadelerin her birinde bazı gerçekler olabilir. Ancak satış eyleminden önce, tüm bunlar sadece gevezelikti. Ve ondan sonra, tamamlanan kültür gerçeğinin bir yansıması oldu. Modern sanatın kirli sırrı, ona nihai yaşam hakkının das Kapital tarafından verilmiş olması - ya da verilmemiş olmasıdır. Ve o tek kişi. Ancak bundan önce sanatçının, sanat ile sermaye arasında aracılık yapanlar tarafından resmi olarak onaylanması gerekiyor. Benim gibi insanlar. Sanat seçkinleri, çöp kutusundan bir demir parçasını sanat olarak kabul edip etmemeye karar veriyor.
"Ama bu hep böyleydi," dedim. - Sanat ve sermaye anlamında. Rembrandt orada. Biraz Titian. Tablolarını satın aldılar. Böylece daha fazla çizebilirlerdi.
"Evet, ama tam olarak değil," diye yanıtladı Mara. -Bir vahşi, bir mağaranın duvarına bizon resmi yaptığında, avcılar canavarı tanıdı ve eti sanatçıyla paylaştı. Rembrandt veya Titian tablolarını potansiyel alıcılara gösterdiğinde ortalıkta küratör yoktu. Her hükümdar veya zengin tüccarın kendisi bir sanat eleştirmeniydi. Bir nesnenin değeri, ödemeye istekli bir müşteri üzerinde bıraktığı anlık izlenimle belirlenirdi. Alıcı, portrede şaşırtıcı derecede benzer bir kişi gördü. Ya da karısıyla aynı pembe selülit kıvrımlarına sahip bir kadın. Bu bir mucizeydi, şaşırttı ve yoruma ihtiyaç duymadı ve tam da bu mucize hakkında söylenti dağıldı. Sanat anında ve zahmetsizce sadece nesnesini değil, aynı zamanda bir araç olarak kendisini de temsil etti. Bir başkasının algısının canlı eyleminde. Yaşam için bir sanat tarihi biletine ihtiyacı yoktu. Anlamak?
Kararsızlıkla başımı salladım.
“Geniş anlamda çağdaş sanat, doğallığın ve görünürlüğün bittiği yerde başlar ve bize ve bizim yaptırımımıza ihtiyaç vardır. Son yüz elli yıldır sanat, doğrudan somut olmayanın temsili ile ilgilendi. Bu nedenle sanatın kendisini temsil etmesi gerekir. Anlaşıldı?
- Bu belirsiz. İnternetten bakmayı tercih ederim ve...
- Yapma, orada her türlü pisliği kaparsın. Beni dinle, her şeyi basitçe ve noktasına kadar açıklayacağım. Bir alıcı, yeni bir paradigmada çalışan bir sanatçıya gelirse, tuvalde aynadan tanıdık yüzünü veya karısından tanıdık selülit kıvrımlarını görmez. Orada görüyor...
Mara bir an düşündü.
- Pekala, hazırlıksız - büyük turuncu bir tuğla, altında kırmızı bir tuğla ve altında sarı bir tuğla var. Ancak bazı basit ruhların dediği gibi "sisteki trafik ışığı" değil, "Turuncu, kırmızı, sarı" olarak adlandırılacaktır. Ve alıcıya sisin içindeki bu trafik ışığının seksen milyon değerinde olduğu söylendiğinde, resmin etrafında duran birkaç ciddi, ünlü ve saygın kişinin başlarını sallaması çok önemlidir, çünkü yeni kültürel durumda alıcı kendisine güvenemez. duygu ve düşünceler. Sanat kurumu bir yaptırım veriyor - ve bu çok ciddi, çünkü bu, satılan eserin gerekirse yaklaşık aynı paraya geri alınacağı anlamına geliyor.
- Kabul edecekler mi? Diye sordum.
Mara başını salladı.
- Bahsettiğim resimle, bu zaten birçok kez oldu. O yüz yaşın üzerinde.
Bu yaptırım nasıl oluyor?
Mara güldü.
- Bu seksen için değil, yüz milyon için bir soru. İnsanlar bu yaptırımı almak için hayatlarını harcıyorlar - ve kendileri tam olarak anlamıyorlar. Yaptırım, çağdaş sanatta yer alan zihinlerin ve iradelerin, elbette son sözü söyleyen yatırım sermayesi etrafında Brownian hareketinin bir sonucu olarak ortaya çıkıyor. Ama kısa ve basit bir cevap istiyorsan öyle diyebilirsin. Bugünün sanatı bir komplodur. Bu komplo yaptırımın kaynağıdır.
"Tam olarak yasal bir terim değil," diye yanıtladım. “Belki de “ön anlaşma” demek daha doğru olur?
"Ne istersen söyleyebilirsin, Porfiry. Ancak sanat terimleri, üç renkli tuğlalı bir tuval ile aynı sermaye yaptırımına sahip olmalıdır. Ancak o zaman bir anlam ifade etmeye başlarlar ve birçok olası anlamını araştırmamızı hak ederler. Sartre "sanat komplosundan" bahsetti - ve bu arada bu, hayatındaki birkaç açık ifadeden biri. Sartre pahalıya satın alındı. Dolayısıyla onun ardından bu sözleri tekrarladığımda kendisine verilen yaptırımın arkasına saklanıp ciddi görünüyorum. Ve Porfiry Petrovich "ön gizli anlaşma" hakkında konuştuğunda, Fransızcam için üzgünüm, saçma sapan. Ve kimse ondan sonra bunu tekrar etmeyecek.
"Tekrarladın," dedim.
- Evet. Eğitim amaçlı. Ama bunu monografiye eklemeyeceğim, büyükbaba Sartre - tamamen. Çünkü monografim için onay almanın tek yolu, onu diğer projeler için halihazırda uygulanan yaptırımlardan birleştirmek. Sanat komplosu bu şekilde kendini sürdürüyor. Ve diğer tüm komplolar da. Sanat uzun zamandır sihir olmaktan çıktı. Bugün, haklı olarak belirttiğiniz gibi, bir hazırlık komplosu.
– Kiminle ve kiminle? Diye sordum.
– Ancak bu her zaman net değildir. Ve gizli anlaşmaya katılanlar genellikle doğaçlama yapmak zorunda kalırlar. Bu belirsizlikten yenilik ve tazeliğin doğduğunu söyleyebiliriz.
"Evet," dedim ve bıyığımı buruşturdum. -Modern sanattan anlayan ama bir komploya katılmayan biri neden bir teşhirle çıkmıyor?
Mara güldü.
- En önemli şeyi anlamadın Porfiry.
- Ne?
- Komplosuna katılmadan çağdaş sanatı "anlamak" imkansızdır - çünkü bu sanatı keşfetmek için komplocunun gözlüklerini çoktan takması gerekir. Gözlüksüz göz kaos görür, kalp hasret ve hilekarlık hisseder. Ancak bir komploya katılırsanız, aldatma bir oyun haline gelir. Ne de olsa sahnedeki bir sanatçı kendisinin Chichikov olduğunu söylediğinde yalan söylemez. Oynar - ve yaslandığı sandalye üçlü olur. Her halükarda paylaşımda bulunan bir eleştirmen için... Anlıyor musunuz?
"Hakkında," diye yanıtladım. - Derin olduğunu söylemeyeceğim ama sohbeti destekleyebilirim.
"Şimdi, Porfiry, başka bir sorunun olmalı.
- Hangi?
Bütün bunları sana neden açıklıyorum?
"Evet," diye tekrarladım, "gerçekten. Ne için?
"Öyleyse," dedi Mara, "çalışmaya başladığımızda göreceklerin seni şaşırtmasın." Çok pahalı nesnelerle uğraşacaksınız. Açık kültürel malzemeden herhangi biri tarafından yapılabilecek bir elektronik kopyanın veya video enstalasyonun eşsiz bir sanat eseri olarak görülmesi ve bir servete satılması size garip gelebilir. Ama bu, inan bana, “Turuncu, kırmızı, sarı” tablosundaki durumun aynısı. Ona baktığınızda, siste önünüzde bir trafik ışığı görürseniz, muhakemeniz diğer meslekten olmayan insanlara ne kadar ikna edici gelse de, meslekten olmayan birisiniz. Ana şeyi hatırla: Uğraşacağın sanat nesnelerinin yaptırımına ihtiyacı yok. Ve zaten sanat camiasının onayını almış durumdalar.
- Bu yaptırım hangi biçimde verildi?
"Porfiry," diye içini çekti Mara, "ne kadar dikkatsizsin. Satın aldıkları formda.

Rus sanat eserlerinin müzayede sonuçlarının değerlendirilmesi

1. Katılım için sadece açık artırma sonuçları kabul edildi.
2. Rus sanatçılara ait olmak, doğum yerine göre belirlendi. Doğdu Rus imparatorluğu veya SSCB'de - bu, etnik kökene bakılmaksızın bir Rus sanatçı anlamına gelir ve kaderin gelecekte nasıl gelişeceğine dair indirimler. Örneğin, Kandinsky'nin farklı yıllar hem Rus hem de Alman vatandaşlığına sahipti ve Fransız ile öldü, sanatçının Rus olduğundan şüphe etmek için hiçbir sebep yok.
3. Kural: bir sanatçı - bir resim. Yani, tam anlamıyla, tüm ilk sıraların Mark Rothko'nun eserlerine verilmesi gereken durum şu şekilde çözülür: sadece en fazlasını bırakıyoruz pahalı iş, ve bu sanatçının tabloları için diğer tüm sonuçları yok sayın.

Derecelendirme, alıcının dolar cinsinden ifade edilen primi (Buyers Premium) dikkate alınarak sonuçlara dayanmaktadır (Avrupa müzayedelerinde gösterilen rakamlar, yani pound veya euro, işlem günündeki döviz kuru üzerinden dolara dönüştürülür. ). Bu nedenle, ne Goncharova'nın 2 Şubat 2010'da 6,43 milyon sterline satılan İspanyol'u, ne de 24 Nisan 2012'de 3,23 milyon sterlin ödenen Aivazovsky'nin View of Constantinople and the Bosporus Strait adlı filmi reytinge dahil edilmedi. işlem para birimi, yani pound olarak, sıralamada yer alan resimlerden daha pahalılar ama dolar konusunda şanslı değillerdi.

1. 86.88 milyon dolar Mark Rothko. Turuncu, Kırmızı, Sarı (1961)

En gizemli çağdaş sanatçılardan biri. Yaşam yolu sanki çelişkilerden örülmüş gibi - yaratıcı arayışlarda, eylemlerde, jestlerde ... İdeologlardan biri olarak kabul edildi ve tabii ki anahtar şekil Amerikan Soyut Dışavurumculuğunda Rothko, eserine soyut denildiğinde buna dayanamadı. Geçmişte, kıt kanaat hayatın nasıl bir şey olduğunu çok iyi bilen biri, bir keresinde müşterilere meydan okurcasına mevcut parayla kesinlikle harika bir avans ödedi ve kendisine neredeyse tamamen tamamlanmış bir iş bıraktı. Başarısını ve yaklaşık elli yıldır resim yaparak geçimini sağlama fırsatını beklemiş, isterlerse kariyerini mahvedebilecek insanları defalarca reddetmiştir. En azından özünde bir sosyalist olan, zenginlere ve servete düşman olan Marx'ın fikirlerini paylaşan Rothko, sonunda dünyanın en pahalı tablolarının yazarı oldu ve bu, aslında sahiplerinin yüksek statüsünün bir niteliğine dönüştü. (Şaka değil, 65 milyon dolara satılan rekor kıran White Center, Rockefeller ailesinden geldi.) Büyük bir izleyici kitlesi tarafından tanınma hayali kurarak, sonunda hala yalnızca bir çevre tarafından gerçekten anlaşılabilen resimlerin yaratıcısı oldu. aydınlar ve bilginler. Son olarak, tuvallerinin müziği aracılığıyla Rab ile bir sohbet arayan sanatçı, eserleri tüm dinlerin kilisesinin tasarımında merkezi unsur haline gelen sanatçı, tamamen çaresiz bir teomachis eylemiyle yaşam yolunu sonlandırdı. ...

Pale of Settlement'ı ve Kazakları hatırlayan Rothko, Rus sanatçılar olarak onunla da gurur duymalarına şaşırmış olabilir. Bununla birlikte, 1930'larda Amerika'da yeterince anti-Semitizm vardı - sanatçının Rotkovich soyadını "kesmesi" tesadüf değildi. Ama buna sebepsiz yere Rus diyoruz. Yeni başlayanlar için, doğum gerçeği üzerine. Markus Rotkovich'in doğumu sırasında mevcut Daugavpils olan Letonya Dvinsk, Rusya'nın bir parçasıdır ve imparatorluğun çöküşüne, 1918'e kadar öyle kalacaktır. Doğru, Rothko artık devrimi görmeyecek. 1913'te çocuk Amerika Birleşik Devletleri'ne götürüldü, aile Portland, Oregon'a taşındı. Yani çocukluk ve ergenlik Rusya'da geçti, yaşam algısı ve bakış açısı burada oluştu. Burada doğmuş olmasına ek olarak, Rothko Rusya ile ilişkilidir, hem ideolojik temaları hem de çatışmaları not ediyoruz. Dostoyevski'nin eserlerini takdir ettiği biliniyor. Ve Rothko'nun düşkün olduğu ahlaksızlıklar bile dünyada nedense Ruslarla ilişkilendiriliyor. Batı'da depresyon nedense "Rus hastalığı" olarak adlandırılıyor. Elbette bu bir tartışma değil, Rus sanatçısının doğasının bütünlüğüne bir dokunuş daha.

Rothko, 15 yıl boyunca resim alanında yenilikçi keşiflere gitti. Sürrealizm ve figüratif dışavurumculuk da dahil olmak üzere birçok figüratif hobi edindikten sonra, 1940'ların ortalarında, ifade araçlarını bir kompozisyon oluşturan birkaç renkli blokla sınırlayarak resimlerinin yapısını olabildiğince basitleştirdi. Çalışmalarının entelektüel temeli neredeyse her zaman bir yorum meselesidir. Rothko, izleyicinin işi anlamadaki suç ortaklığına güvenerek genellikle doğrudan yanıtlar vermezdi. Kesinlikle güvendiği tek şey, izleyicinin duygusal çalışmasıydı. Resimleri dinlenmek için değil, rahatlamak için değil, "görsel masaj" için değil. Merhamet için tasarlandılar. Bazıları onları izleyicinin ruhuna bakmanıza izin veren pencereler olarak görür, diğerleri - başka bir dünyaya açılan kapılar. Renk alanlarının bir tanrının mecazi görüntüleri olduğuna dair (belki de gerçeğe en yakın) bir görüş var.

"Renk alanlarının" dekoratif gücü, Rothko tarafından kullanılan bir dizi özel teknikle açıklanmaktadır. Resimleri, büyük çerçevelere - en fazla tuval rengindeki ince kalıp kenarlarına - müsamaha göstermez. Sanatçı, tabloların kenarlarını kasıtlı olarak bir degradeyle renklendirdi, böylece pitoresk alan sınırlarını kaybetti. İç karelerin bulanık sınırları aynı zamanda bir tekniktir, kontrast olmadan titreme efekti yaratmanın bir yolu, renk bloklarının görünür bir şekilde üst üste binmesi, elektrik lambalarından gelen ışığın titremesi gibi yanıp sönen noktalar. Rengin renge bu nazikçe çözülmesi, Rothko'nun altmışların sonlarında opak akriliğe geçişine kadar özellikle yağda başarılıydı. Ve resimlere yakın mesafeden bakarsanız, elektriksel titreşimin bulunan etkisi artar. Sanatçının tasarladığı gibi, üç metrelik tuvaller en iyi şekilde izleyici tarafından yarım metreden fazla olmayan bir mesafeden izlenir.

Bugün, Rothko'nun resimleri, herhangi bir tanınmış çağdaş sanat müzesinin gurur kaynağıdır. İngiliz Tate Galerisi'nde, Four Seasons restoranıyla sözleşmeli olarak yazılanlardan dokuz tablonun yaşadığı bir Rothko odası var. Bu proje, Rothko'nun karakteri için oldukça açıklayıcı bir hikaye ile ilişkilidir. 1959'da, alışılmadık New York gökdeleni Seagram Building'de (alkol üreticisinin adından sonra) açılan şık restoran Vremena Goda'nın sahipleri, tavsiye üzerine sanatçıya döndü. Cari para cinsinden sözleşmenin tutarı neredeyse 3 milyon dolardı - Rothko'nun o zamanlar zaten olduğu, yerleşik, tanınmış bir sanatçı için bile çok önemli bir ücret. Ancak, iş neredeyse bitmek üzereyken, Rothko beklenmedik bir şekilde avansı iade etti ve müşteriye teslim etmeyi reddetti. Biyografi yazarları, ani hareketin ana nedenleri arasında yönetici sınıfı memnun etme ve zenginleri akşam yemeğinde eğlendirme isteksizliğini düşündüler. Binada çalışan sıradan çalışanların resimlerini görmeyeceğini öğrendiğinde Rothko'nun üzüldüğüne dair bir görüş de var. Fakat, En son sürüm fazla romantik görünüyor

Yaklaşık 10 yıl sonra Rothko, Four Seasons için hazırladığı tuvallerin bir kısmını Londra'daki Tate Gallery'ye bağışladı. Kaderin acı bir cilvesi olarak, 25 Şubat 1970'te, resim kutularının İngiliz limanına ulaştığı gün, sanatçı stüdyosunda damarları kesilmiş ve (görünüşe göre garanti etmek için) yüksek dozda uyku hapı ile stüdyosunda ölü bulundu. midesi.

Bugün, Rothko'nun çalışmaları başka bir samimi ilgi dalgası yaşıyor. Seminerler yapılıyor, sergiler açılıyor, monografiler çıkıyor. Sanatçının anavatanı Daugava'nın kıyısında bir anıt dikildi.

Piyasadaki Rothko'nun eserleri son derece nadir değildir (örneğin, Malevich'in resmi). Her yıl müzayedelerde grafikleri saymazsak sadece resimleri 10-15 kadar eser sergileniyor. Yani bir açık değil, onlar için milyonlarca ve on milyonlarca dolar ödeniyor. Ve bu tür fiyatlar pek de tesadüfi değildir. Aksine, yeni anlamsal katmanları keşfetme ve en gizemli Rus sanatçılarından birinin yaratıcı fenomenine katılma arzusu olan yeniliğine bir övgüdür.

8 Mayıs 2012'de savaş sonrası ve çağdaş sanat müzayedesinde Christie'nin 1961'deki "Turuncu, Kırmızı, Sarı" tuvali, komisyon dahil 86.88 milyon dolara çıktı. Çalışma, Pennsylvania hayırsever David Pinkus'un koleksiyonundan geliyor. David ve eşi Gerry, 2,4 x 2,1 metrelik eseri Marlborough Gallery'den satın aldı ve ardından uzun bir süre Philadelphia Sanat Müzesi'ne ödünç verdi. "Turuncu, Kırmızı, Sarı" tablosu, Rus asıllı sanatçının yalnızca en pahalı eseri değil, aynı zamanda en pahalı eseri oldu. pahalı iş açık artırmada satılan savaş sonrası ve çağdaş sanat.

2. 60.00 milyon dolar Kazimir Malevich. Süprematist Kompozisyon (1916)

benim için uzun yaşamönce Robert'la birlikte ve yalnızca 1941'deki ölümünden sonra Sonya, sanatta birçok türü denemeyi başardı. Resim, kitap illüstrasyonu, tiyatro eskizleri (özellikle Diaghilev'in Kleopatra balesi için sahne tasarladı), moda tasarımı, iç tasarım, tekstil desenleri ve hatta araba ayarlama ile uğraştı.

Sonia Delaunay'ın 1900'ler-10'lardan ilk portreleri ve soyutlamaları ile 1950'ler-60'lardan Color Rhythms serisinin çalışmaları, uluslararası ve ulusal Fransız müzayedelerinde çok popüler. Fiyatları genellikle birkaç yüz bin dolara ulaşıyor. Sanatçının ana rekoru 10 yıldan daha uzun bir süre önce - 14 Haziran 2002'de Paris'teki Calmels Cohen Paris müzayedesinde kırıldı. Ardından, 1915'te İspanya'daki Delaunay çiftinin yaşamı boyunca (1914–1920) yazılan "Minho'da Pazar" soyut çalışması 4,6 milyon Euro'ya satıldı.

32. 4.30 milyon dolar Mihail Nesterov. Genç Bartholomew'e Vizyon (1922)

Sanatçılarımızı bir tür "Rusluk" ölçeğine göre değerlendirirsek, o zaman Mikhail Vasilievich Nesterov (1862–1942) listenin en üst sıralarına güvenle yerleştirilebilir. Azizleri, keşişleri, rahibeleri lirik bir "Nesterov" manzarasında tasvir eden resimleri, karakterlerin son derece ruhani ruh halleriyle tamamen uyum içinde, Rus sanat tarihinde benzersiz bir fenomen haline geldi. Nesterov tuvallerinde Kutsal Rusya'dan, onun özel ruhani yolundan bahsetti. Sanatçı, kendi deyimiyle "güçlü tutkuları tasvir etmekten kaçındı, onlara mütevazı bir manzarayı, doğa anamızın kollarında içsel bir ruhani hayat yaşayan bir insanı tercih etti." Ve Alexander Benois'e göre Nesterov, Surikov ile birlikte "Aptal" ve "Karamazovlar" gibi yüce ilahi sözlere en azından kısmen yaklaşan tek Rus sanatçıydı.

Nesterov'un resminin özel tarzı ve dindarlığı birçok faktörden gelişti. Tipik Rus manzaralarına sahip Ufa şehrinde ataerkil, dindar bir tüccar ailede yetişme ve Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda Gezginler Perov, Savrasov ve Pryanishnikov ile yıllarca çalışma (onlardan fikrini aldı. Akıl ve kalbe dokunan sanat) ve Sanat Akademisi'nden Pavel Chistyakov'dan (burada akademik çizim tekniğini aldı) ve ilham için Avrupa'ya geziler ve derin bir kişisel drama (sevgili karısı Maria'nın ölümü) kızları Olga'nın doğumundan bir gün sonra).

Sonuç olarak, 1880'lerin sonunda - 1890'ların başında, Nesterov konusunu çoktan bulmuştu ve tam o sırada "Genç Bartholomew'in Vizyonu" nu (1889-1890) yazdı. Resmin konusu Aziz Sergius'un Yaşamından alınmıştır. Genç Bartholomew (gelecekteki Radonezh Sergius) bir keşiş kılığında bir melekle tanıştı ve anlamak için Tanrı'nın kutsamasını aldı. Kutsal Yazılar ve kardeşlerini ve akranlarını geride bırakırlar. Resim, mucizevi bir hisle doludur - sadece Bartholomew ve Kutsal Yaşlı figürlerinde değil, aynı zamanda çevredeki manzarada da özel bir şenlikli ve ruhani bir şekilde.

Sanatçı, gerileyen yıllarında birçok kez Bartholomew'i ana eseri olarak adlandırdı: "... eğer ölümümden otuz, elli yıl sonra hala insanlara bir şeyler söyleyecekse, o zaman yaşıyor, o zaman ben hayattayım." Resim, Wanderers'ın 18. sergisinde bir sansasyon yarattı ve genç Ufa ressamını anında ünlü yaptı (o zamanlar Nesterov otuz bile değildi). "Vizyon ...", eserinde "rasyonalist" temellerin baltalandığını doğru bir şekilde fark eden "ortodoks Gezginler" Nesterov'un sözleriyle, onu dışarıdan caydırmaya yönelik girişimlere rağmen koleksiyonunda P. M. Tretyakov tarafından satın alındı. hareket. Ancak sanatçı, sonunda onu ünlü yapan kendi sanat dersini çoktan almıştı.

Gelmekle Sovyet gücü dini tablosuyla Nesterov için gelmedi daha iyi zamanlar. Sanatçı portrelere geçti (neyse ki, yalnızca kendisine derinden sempati duyan insanları resmetme fırsatı buldu), ancak önceki konuları düşünmeye bile cesaret edemedi. Bununla birlikte, 1920'lerin başında Amerika'da büyük bir Rus sanatı sergisinin hazırlandığına dair söylentiler yayıldığında, Nesterov yeni bir seyirci çekme umuduyla hemen katılmaya karar verdi. Sergi için Amerikan basınında "The Vision of St. Sergius in Boyhood" olarak adlandırılan "The Vision of the Young Bartholomew" (1922) adlı yazarın tekrarı da dahil olmak üzere birçok eser çizdi. Yeni bir versiyon Tretyakov'unkine (160 × 211) kıyasla daha küçük formatta (91 × 109), ay gökyüzünde belirdi, manzaranın renkleri biraz daha koyu ve delikanlı Bartholomew'in yüzünde daha fazla ciddiyet var. Nesterov, ilk "Vizyon ..." un yazılmasından bu yana meydana gelen büyük değişiklikleri adeta bu resimle özetliyor.

Nesterov'un resimleri, 1924 New York Rus Sanatı Sergisinde satın alınan birkaç resim arasında yer aldı. "Genç Bartholomew'in Vizyonu", Nicholas Roerich - Louis ve Nettie Horsch'un tanınmış koleksiyonerleri ve patronlarının koleksiyonuna dahil edildi. O zamandan 2007 yılına kadar eser bu aileye miras kaldı. Ve nihayet, 17 Nisan 2007'de, Sotheby's'deki Rusya müzayedesinde, tablo 2-3 milyon dolarlık bir tahminle sergilendi ve kolayca onu aştı. Nesterov için rekor olan çekicin son fiyatı 4.30 milyon dolardı ve bu sonuçla reytingimize girdi.

33. 4.05 milyon dolar Vera Rokhlina. Kumarbazlar (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger), Natalia Goncharova, Tamara Lempitskaya ve Sonia Delaunay ile birlikte derecelendirmemize dahil olan Rus göçünün bir başka dikkat çekici sanatçısı. Sanatçının hayatı hakkında bilgi çok azdır, biyografisi hala araştırmacısını beklemektedir. Vera Schlesinger'in 1896'da Moskova'da Burgundy'den bir Rus ve Fransız bir kadının ailesinde doğduğu biliniyor. Moskova'da Ilya Mashkov ile okudu ve neredeyse onun en sevdiği öğrencisi oldu ve ardından Kiev'de Alexandra Exter ile ders aldı. 1918'de avukat S. Z. Rokhlin ile evlendi ve onunla Tiflis'e gitti. Oradan, 1920'lerin başında çift, Vera'nın Salon d'Automne, Salon des Indépendants ve Tuileries Salon'da aktif olarak sergilenmeye başladığı Fransa'ya taşındı. Resim stilinde ilk başta kübizm ve post-empresyonizm fikirlerini takip etti, ancak 1930'ların başlarında bir Fransız dergisinin "Courbet ve Renoir arasındaki sanatsal denge" adını verdiği kendi stilini çoktan geliştirmişti. O yıllarda, Vera zaten Montparnasse'de kocasından ayrı yaşıyordu, hayranları arasında modacı Paul Poiret vardı, resimdeki ana tema olarak kadın portrelerini ve çıplakları seçti, bu belki de Zinaida Serebryakova ile tanışmasıyla kolaylaştırıldı (hatta Rokhlina'nın çıplak bir Serebryakova fırçasının portresi korunmuştur) ve Paris galerilerinde sanatçının kişisel sergileri düzenlendi. Ancak Nisan 1934'te 38 yaşındaki Vera Rokhlin intihar etti. Yaratıcı alanda zaten çok şey başarmış olan en iyi dönemindeki bir kadının kendi canına kıymasına neden olan şey bir sır olarak kalıyor. Zamansız ölümü, o yıllarda Paris sanat sahnesinde en büyük kayıp olarak anıldı.

Rokhlina'nın mirası, esasen yurtdışında, Vera'nın hayatının son 13 yılını geçirdiği ve yeteneğinin tamamen ortaya çıktığı yerde bulunuyor. 1990'larda ve 2000'lerin başında, Fransız müzeleri ve galerileri Rokhlina'nın kişisel sergilerini düzenlemeye ve çalışmalarını School of Paris sanatçılarının karma sergilerine dahil etmeye başladı. Koleksiyonerler onu öğrendi, eserleri müzayedelerde satılmaya başlandı ve oldukça iyi. Satışların ve fiyatların zirvesi, Rokhlina'nın iyi formatlı bir tablosu için yaklaşık yüz bin doların yaygınlaştığı 2007-2008'de geldi. Ve 24 Haziran 2008'de Londra'daki Christie's'de izlenimcilerin ve modernistlerin akşam müzayedesinde, Vera Rokhlina'nın 1919'da göçten önce yazdığı kübist tablosu "Kumarbazlar" beklenmedik bir şekilde tahminden 8 kat daha pahalıya satıldı - 2.057 milyon sterline (4.05 milyon dolar) tahmini 250-350 bin sterlin

34. 4.02 milyon dolar Mikhail Klodt. Normandiya'da Gece (1861)

35. 3.97 milyon dolar Pavel Kuznetsov. Doğu şehri. Buhara (1912)

Organizatörlerden biri olan Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'ndan (Arkhipov, Serov ve Korovin ile çalıştığı) mezun olan Saratov şehrinden bir ikon ressamının oğlu Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968) için Mavi Gül derneğinin ana ve kesinlikle Doğu halk arasında en çok tanınan yaratıcılık teması haline gelmiştir. Pavel Kuznetsov'un "Çeşmeler", "Uyanışlar" ve "Doğumlar" gibi yarı fantastik imgelerle 1900'lerin ilk sembolist dönemi kendini tüketince, sanatçı ilham almak için Doğu'ya gitti. Çocukken büyükbabasını Volga ötesi bozkırlarda nasıl ziyaret ettiğini ve göçebelerin hayatını izlediğini hatırladı. Kuznetsov, "Aniden bozkırları hatırladı ve Kırgızlara gitti" diye yazdı. 1909'dan 1914'e kadar Kuznetsov, Kırgız bozkırlarında göçebelerle, onların yaşam tarzlarıyla dolu ve onları akrabası "İskit" ruhuyla kabul ederek birkaç ay geçirdi. 1912-1913'te sanatçı şehirleri dolaştı. Orta Asya, Pamir Dağları'nın eteklerindeki Buhara, Semerkant'ta yaşadı. 1920'lerde Doğu'nun keşfi Transkafkasya ve Kırım'da devam etti.

Bu doğu seyahatlerinin sonucu, mavi ölçeğe duyulan "mavi mavi" sevgisinin ve sanatçıya çocukluğundan beri yakın olan ikonların ve tapınak fresklerinin sembolizminin hissedilebildiği ve bunun gibi algılanan deneyimin hissedilebildiği bir dizi çarpıcı tablo oldu. Gauguin, Andre Derain ve Georges Braque gibi sanatçılar ve tabii ki Doğu'nun tüm büyüsü. Kuznetsov'un oryantal resimleri yalnızca Rusya'da değil, Paris ve New York'taki sergilerde de sıcak karşılandı.

Büyük bir yaratıcı başarı, 1912'de Buhara'da çizilen “Doğu Şehri” resimlerinin döngüsü oldu. “Doğu Şehri” serisinin en büyük resimlerinden biri. Buhara", Haziran 2014'te MacDougall's'ta tahmini 1,9-3 milyon sterline satıldı. Kusursuz kökene ve sergi geçmişine sahip çalışma: doğrudan sanatçıdan satın alındı; 1950'lerin ortalarından beri ikamet yerini değiştirmemiş; Japonya'daki Sovyet sanatının bir sergisi olan "World of Art" sergilerinin yanı sıra sanatçının yaşamı boyunca ve ölümünden sonra tüm önemli retrospektiflerinde yer aldı. Sonuç olarak, Kuznetsov tablo için 2,37 milyon sterlin (3,97 milyon dolar) rekor bir ödeme yaptı.

36. 3,82 milyon dolar Alexander Deineka. Birinci Beş Yıllık Planın Kahramanları (1936)

37. 3.72 milyon dolar.Boris Grigoriev. Tepelerden Çoban (1920)

Boris Dmitrievich Grigoriev (1886–1939), 1919'da Rusya'dan göç etti. Yurtdışında en ünlü Rus sanatçılardan biri oldu, ancak aynı zamanda onlarca yıldır evde unutuldu ve SSCB'deki ilk sergileri yalnızca 1980'lerin sonunda gerçekleşti. Ancak bugün, Rus sanat piyasasında en çok aranan ve en saygın yazarlardan biri, hem resim hem de grafik çalışmaları yüzbinlerce ve milyonlarca dolara satılıyor.

Sanatçı son derece çalışkandı, 1926'da şair Kamensky'ye şöyle yazdı: “Şimdi dünyanın ilk ustasıyım.<…>Bu sözler için özür dilemiyorum. Kim olduğunuzu bilmelisiniz, aksi takdirde ne yapacağınızı bilemezsiniz. Evet, hayatım yukarıdaki emek ve yukarıdaki duygulardan kutsaldır ve 40 yılım bunu kanıtlıyor. Herhangi bir rekabetten, herhangi bir düzenden, herhangi bir konudan, herhangi bir boyuttan ve herhangi bir hızdan korkmuyorum.”

Muhtemelen en ünlüsü, "Rasey" ve "Rusya'nın Yüzleri" döngüleridir - ruh olarak çok yakındır ve yalnızca ilkinin göçten önce ve ikincisinin zaten Paris'te yaratılmış olması bakımından farklılık gösterir. Bu döngülerde, bize Rus köylülüğünün bir tür ("yüzler") galerisi sunuluyor: yaşlı erkekler, kadınlar, çocuklar somurtkan bir şekilde doğrudan izleyiciye bakıyorlar, göze çarpıyorlar ve aynı zamanda onu itiyorlar. Grigoriev, resimlerini idealize etmeye veya süslemeye hiçbir şekilde meyilli değildi, aksine, bazen görüntüleri groteske getiriyor. Zaten sürgünde boyanmış "yüzler" arasında, Grigoriev'in çağdaşlarının portreleri - şairler, Sanat Tiyatrosu oyuncuları ve köylü portrelerine otoportreler eklenir. Köylü "Raseya" imajı, terk edilmiş, ancak unutulmamış bir Anavatan'ın genelleştirici bir imajına genişledi.

Bu portrelerden biri - çoban şeklindeki şair Nikolai Klyuev - Boris Grigoriev'in en pahalı tablosu oldu. 3 Kasım 2008'de Sotheby's'de, Tepelerin Çobanı, 1920, tahmini 2,5-3,5 milyon dolar olmak üzere 3,72 milyon dolara satıldı.Portre, 1918'de kaybolan bir portrenin yazarın kopyası.

editoryal site

Dikkat! Müzayedelerde satılan eserler hakkında resimli referans bilgileri de dahil olmak üzere, sitenin tüm materyalleri ve sitenin müzayede sonuçları veritabanı, yalnızca Art. Rusya Federasyonu Medeni Kanunu'nun 1274'ü. Ticari amaçlarla veya Rusya Federasyonu Medeni Kanunu tarafından belirlenen kurallara aykırı olarak kullanılmasına izin verilmez. site, üçüncü şahıslar tarafından gönderilen materyallerin içeriğinden sorumlu değildir. Üçüncü şahısların haklarının ihlali halinde, site yönetimi yetkili makamın talebi üzerine bunları siteden ve veri tabanından çıkarma hakkını saklı tutar.