У чому полягає художня цінність картини Марка Ротка «Orange, Red, Yellow» (1961)? Марк Ротко: Просте вираження складної думки Помаранчеве червоне жовте 1961 року.

Ротко. Білий центр (жовте, рожеве та лілове на рожевому)

Написала власниця моєї улюбленої Кладівки Левконої http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe:
"Всі ви тут нічого не розумієте у мистецтві!
І я найменший:

РІА Новини":
У травні минулого року робота Ротко під назвою "Білий центр (жовте, рожеве та лілове на рожевому)" пішла на торгах Sotheby's за 72,8 млн доларів.

Що на Сотбі всі ідіоти – я не вірю. Напевно, це застиране рушничок справді коштує 73 мільйони...

Упдате:
Зовсім не для того тут це помістила, щоб шумно буйствувати на тему "шахраї, дурять народ" і т.д. - я й сама цього не стверджую, й іншим не раджу.

Писала тут неодноразово, що мені крім таланту живописця та інших достоїнств картини важливим питанням буває "хочу я туди". Тому тут не з'являється нічого на кшталт Гойї та багато іншого, геніального тощо. Бо я особисто туди не хочу.
Так от, у рушничок Ротко я теж якось не хочу (хіба що "Флатландію" обчитавшись).

Почитала про нього. Як водиться, був бідний, спочатку писав портрети та пейзажі. Розписував якісь екуменічні капели. Уславився. Став багатий та знаменитий. І раптом почав писати квадрати та смуги. Спочатку різними кольорами. Потім лише чорним та білим. Потім перерізав собі вени.

Упдате2
Мабуть, у цій картині все ж таки є якась негативна енергія чи нечиста сила, якщо всі ті, хто мирно перекидався коментарями про галявини, тут озвіріли чи насупилися. Хорошого, прямо скажемо, обговорення не принесло нічого. Якщо хтось і намагався щиро зрозуміти, в чому ж річ і чого ми не розуміємо – крім клацань по носі та стусанів у невігластво не отримали нічого. Ніхто з прихильників нічого виразного ЗА не сказав.

* Може цю картинку повісили неправильно (нагору ногами, наприклад). Ось ми й не зрозуміли;

*Не можна догори ногами. Це ж торт. Внизу пастила, а нагорі варення, абрикосове. Воно м'яке. Розмажеться.
З іншого боку, все пояснює діагноз художника. Спочатку він був у маніакальній фазі МДП і писав торти. На малюнку це помаранчеве варення, і цілком закономірно, що його менше, ніж пастили. Пастила – це депресивна фаза. З глибини пастили художник перестав розрізняти багатобарвність світу, його накрило, і він повісився.

Однак коли художник писав саме цю картину, він ще не знав, яке там у пастилі, а лише передчував. Інакше б він не намалював її такою розвиненою. І назвав він картину "білий центр" тому, що сподівався, бідолаха, що нейтральний білий центр справді в середині, і збалансований МДП не дасть йому потонути у неколірному світі депресії.

Але чуття художника змусило його таки зафіксувати справжній стан справ, а саме: депресивна фаза переважає. До речі, це узгоджується з даними лікарів про перебіг типового МДП. Я ще пропоную подивитися на білий прошарок: він виглядає в торті дещо ненатурально, неїстівно, я б сказала, особливо чорний штрих між нею та варенням.

Безперечно, художник тим самим підкреслив свою надію на непроникність цього кордону, надію на те, що неїстівний непроникний білий прошарок, "білий центр", створить перешкоду йому в його падінні з варення в депресивну пастилу, і дозволить уникнути неминучого...

*Коли бачу подібні полотна, мені здається завжди, що це провокація з боку художника.
Якось дві дівчинки з наших дизайнерів на роботі дивилися на ілюстрацію якихось плям і захоплювалися, я запитала що в цьому такого і чим ці плями відрізняються від плям 5-річної дитини, вони сказали: щоб це зрозуміти - 5 років вчитися треба.

Levkonoe: Можливо, що й треба. Я не вірю в надто прості версії: провокація (таке сходило б один раз), відмивання грошей, ефект голого короля і т.д. Все це надто просто і давно перестало працювати ще на Малевичі;

*Так в чому проблема? Дорогою з роботи купуємо кілька пастельних фарб, ватман, пензлики і малюємо таке рушник. Вішаємо на стіночку і намагаємося відчути себе мільйонерами, які щойно витратили 70 лямів зелених;

* Я розумію, що мільйони може коштувати автограф Леонардо, хоча на ньому нічого особливого не намальовано. Але ми знаємо, за що його любимо. А про це Ротко я нічого не знала і зараз тільки прочитала. До речі, послідовність подій не тішить: нормальні картини – містичні картини – кольорові смуги – чорні смуги – самогубство. Виникають сумніви...;

Chris Chapman

* Мені здається, що це щось зламалося у світі та в людях. На початку минулого сторіччя. Стрімка НТР, революція, війна. Щось таке деструктивне витало у повітрі. І не могло не потрапити на картини. Можливо, від усього цього хаосу хотілося піти в граничну порожнечу? Сховатися, закритися або навпаки - нехай це все до себе в душу, а потім перерізати собі вени.

Я не думаю, що ці картини "подобаються", вони просто можуть зачепити щось усередині. Це радше психологія, ніж мистецтво. І добре якщо до добра, якщо вдасться сховатися, а якщо потім захочеться перерізати вени, надивившись на цю порожнечу на стіні?

Ні, я зовсім не вважаю, що все кому це подобається - божевільні. Просто у кожного свої проблеми і можливо для когось відхід у це ніщо – вирішення проблеми.

Ну і добре. Нехай подобається. Хоча я не думаю що все це до добра. Дуже деструктивний початок. Світ божевільний, але закони гармонії у ньому ніхто не скасовував. І квіти – це красиво!

Мене злить інше – коли тільки це називають мистецтвом, а все інше – вульгарністю. І деякі починають прислухатися і соромитися, що килимки подобаються. Тобто починають уникати того, що дійсно красиво, до цього хаосу і порожнечі. Адже вони навіть самого слова "красиво" починають боятися. Немов воно може порушити їхній розкреслений на смужки світ. І починають нав'язувати цей свій снобізм. Робити з нього норму!
Все-таки явно щось зламалося в людях;

*У мене ця ганчірка викликає депру та клаустрофобію.
У ній є щось від коридору у радянській поліклініці. Жовте – стіна, лілове – підлога, посередині – банкетка;


Chris Chapman
* Шановна Levkonoe, я сама зараз навчаюсь за художньою спеціальністю і ще коли була студентом-психологом.
І помітила в побуті таку річ: люди по відношенню до мистецтва бувають двох типів - ті, хто не сприймає абстрактне мистецтво і дуже любить реалістичність ("щоб туди хотілося") і ті, хто мліють від абстракції, а реалізм, хоч і поважають за майстерність, не вважають піком мистецтва.

Спостерігаючи цей чіткий поділ і згадуючи невиразно заняття про будову мозку, я почала підозрювати, що це пов'язано з роботою різних півкуль і їх співвідношенням (не зовсім лівша/правша, а там все більш заплутано). Або ж це особливості будови якоїсь області сприйняття в мозку. Тому що ці дві категорії людей відрізняються не лише ставленням до мистецтва, а й низкою інших цінностей.
Це, звичайно, не строга класифікація, але щось таке, на мою думку, точно є.
Написала все це, бо Ротко дуже люблю та поважаю.

Levkonoe: Напевно, у мене взагалі немає потрібної півкулі, тому що навіть після всіх опрацювань, які мені тут влаштували знавці, я бачу в цій картині не більше сенсу та емоцій, ніж у стіні радянської поліклініки, пофарбованої олійною фарбою.

І не можу позбутися відчуття, що якби мистецтвознавці не знали, де Ротко, а де стіна, то перлися б однаково від обох;

Chris Chapman
* Ірина, перепрошую за вторгнення на чужу територію... але це питання давно мене займає: Ви правда вірите, що якщо людині геть-чисто не подобаються «килимки» або вона не здатна читати Донцову - це неодмінно з снобізму? Чи все-таки припускаєте можливість іншого варіанту?

На полях дискусії: я живопис сприймаю що називається животом, за принципом «подобається - не подобається», Далі терпіти не можу (як і ЛНТ:), але люблю Кандінського, Клеї та Міро; Ротко бачила в музеях і приєднуюсь до свідчень про неймовірну його енергетику; так зване актуальне мистецтво включає зовсім не тільки «незрозуміле», але і все що завгодно, в тому числі ненавидимі мною гіперреалізм і поп-арт; можна погано ставитися до вектора розвитку сучасної музики та сучасного живопису, але звуження їхньої аудиторії - це даність; ніхто Вас не схиляє до того щоб ходити на неблизькі Вам виставки і слухати музику, яка Вам не подобається, але повірте, те, що викликало у мене мурашки захоплення в галереї Гуггенхайма (і повне здивування у моєї супутниці), або те, що змушує мене щороку з нетерпінням чекати «Двох».

Доброго часу доби, шановні читачі. Сьогодні ми стикнемося зі світом творчості, у нашому випадку, безглуздим і нещадним. Йтиметься про одного з найдорожчих художників у світі, чиї картини коштують цілий стан.

Марк Ротко(англ. Mark Rothkoім'я при народженніМаркус Якович Роткович; 25 вересня 1903, Двінськ, Вітебська губернія, нині Даугав пілс , Латвія — 25 лютого 1970, Нью-Йорк ) - американський художник, провідний представник абстрактногоекспресіонізму , один із творців живописуколірного поля . (Повірте, у кожному з вас живе творець таких полів. Прим. автора)

Не довго тягнути за хрін єнота і перейдемо до знайомства.

"Помаранчеве, червоне, жовте" (1961 р) Марк Ротко- продано 08.05.2012 на аукціоні Sotheby"s86 882 500 $. Картина належить до яскравого періоду творчості американського експресіоніста. Однак наприкінці свого життя, коли до нього вже прийшла популярність, митець впадає у глибоку депресію.

№ 10

1958

Ціна - $81 925 000

Білий центр

Ціна - $72 800 000

Сподіваюся, ви ще не померли від заздрості, і не гніваєтеся на боженьку за те, що обділив вас таким талантом. Ціни картин я не переводитиму в рублі, щоб у тексті було більше літер, ніж цифр.

Королівський червоний та синій

Ціна - $70 100 000

На цьому моменті ви вже здатні відрізнити Ротко від Ван Гога, Рубенса чи Пікассо, навіть якщо ви не бачили їхніх картин.

Синій та сірий

Він не міг прийняти, коли його називали абстракціоністом, тому що вважав свої картини відображенням реального життя, живими організмами, які шукають контакту з глядачем. [Сподіваюся ви вже налагодили контакт?]

Мистецтво – складна річ, яку мені, мабуть, не дано повністю усвідомити. Це як зарплата гравців збірної Росії з футболу, не зрозуміло, чому вона така величезна.

Марк Ротко був настільки обдарованим, що більшість картин немає назв.

Без назви (жовтий та синій)

На цьому творі я зупинюся, бо багатьом уже, напевно, стало нудно. Але свої плюси є майже скрізь, тепер ви можете відрізнити Ротко від інших художників, у вас є можливість висловитись на тему мистецтва, а хтось надихнувшись вирушить за мольбертом та фарбами.

Давайте пригальмуємо на хвилинку і подумаємо, а хто "нагороджує" людину статусом - художник? Сам автор? Рекламники, які намагаються продати щедевр (читати слово з кавказьким акцентом) якомога дорожче? Люди, які готові віддати цілий стан за шматок полотна? Як знайти експертів, які оцінюють такі твори? Як потрапити до цієї секти? Впевнений, ви знаєте відповіді на ці запитання.

Ми живемо в кумедному світі, де картина може коштувати сотні мільйонів і приваблювати стільки ж шанувальників, світ у якому урни практично ні чого не варті, відповідно й увага нічого не привертають, хіба що наших шановних читачів.

На жаль, урни на Зеленбуді так і не поставили, але, як і Марк Ротко, я не кину своє заняття, не відступлюся під гнітом тих, хто не розуміє і засуджує.

Всім гарного настрою, бережіть себе та своїх близьких.

– Зараз я поясню на прикладі моєї монографії. Ось дивись. Кінець минулого століття. Тунельний соцреалізм, як ми сьогодні класифікуємо. радянський Союзпри останньому подиху. Молодий і модний пітерський художник у компанії друзів, обкурившись трави, підходить до смітника, виймає з неї якусь блискучу залізяку - чи то велосипедне кермо, чи то колінчастий вал - піднімає її над головою і заявляє: «Чуваки, на спір: завтра я продам ось цю. Тоді ходили долари. І продає. Питання полягає ось у чому: хто і коли дав санкцію вважати цю хероїбіну об'єктом мистецтва, що коштує десять тисяч?
- Художник? – припустив я. – Ні. Навряд чи. Тоді б усі художниками працювали. Мабуть... той, хто купив?
- Саме так! - Підняла Маруха палець. - Який ти молодець - дивишся в корінь. Той, хто купив. Тому що без нього ми побачимо навколо цього художника лише натовп голодних кураторів на зразок мене. Одні будуть репетувати, що це не мистецтво, а просто залізниця зі смітника. Інші – що це мистецтво саме з тієї причини, що це просто залізниця зі смітника. Ще кричатимуть, що художник збоченець і йому платять інші багаті збоченці. Неодмінно скажуть, що ЦРУ під час так званої перебудови інвестувало в нонконформістські антирадянські тренди, щоб підняти їхній соціальний ранг серед молоді – а кінцевою метою був розвал СРСР, тому різним недоумкам платили по десять штук за залізку зі смітника… Загалом, скажуть багато чого, будь впевнений. У кожному із цих тверджень, можливо, буде частка правди. Але до акту продажу все це було просто балаканина. А після нього – стало рефлексією з приводу факту культури, що відбувся. Брудний секрет сучасного мистецтва в тому, що остаточне право на життя йому дає або не дає das Kapital. І лише він один. Але перед цим художнику мають дати формальну санкцію ті, хто виступає посередником між мистецтвом та капіталом. Люди на зразок мене. Арт-еліта, вирішальна, вважати залізницю зі смітника мистецтвом чи ні.
– Але так було завжди, – сказав я. - У сенсі з мистецтвом та капіталом. Рембрандт там. Тиціан якийсь. Їхні картини купували. Тому вони могли малювати ще й ще.
– Так, але не зовсім, – відповіла Мара. – Коли дикун малював бізона на стіні печери, звіра впізнавали мисливці та ділилися з художником м'ясом. Коли Рембрандт чи Тіціан показували свою картину можливим покупцям, довкола не було кураторів. Кожен монарх чи багатий купець сам був мистецтвознавцем. Цінність об'єкта визначалася безпосереднім враженням, яке він справляв клієнта, готового платити. Покупець бачив дивовижно схожу на себе людину на портреті. Або жінку в таких же рожевих целюлітних складках, як у дружини. Це було диво, воно дивувало і не потребувало коментарів, і поголос розходився саме про це диво. Мистецтво миттєво і без зусиль репрезентувало не лише свій об'єкт, а й себе як медіум. Прямо у живому акті чужого сприйняття. Йому не потрібна була мистецтвознавча путівка у життя. Розумієш?
Я невпевнено кивнув головою.
– Сучасне мистецтво, якщо говорити широко, починається там, де закінчується природність та наочність – і виникає необхідність у нас та нашій санкції. Останні півтори сотні років мистецтво переважно займається репрезентацією того, що не є безпосередньо відчутним. Тому мистецтво потребує репрезентації саме. Зрозумів?
- Неясно. Краще я гляну в мережу, і…
- Не треба, ти там усякого гівна наберешся. Слухай мене, я все поясню просто й у справі. Якщо до художника, який працює в новій парадигмі, приходить покупець, він бачить на полотні не свою пику, знайому по дзеркалу, або целюлітні складки, знайомі за дружиною. Він бачить там…
Мара на секунду замислилась.
– Ну, навскідку – велика помаранчева цегла, під нею червона цегла, а нижче жовта цегла. Тільки називатися це буде не світлофор у тумані, як сказала б якась проста душа, а Orange, red, yellow. І коли покупцеві скажуть, що цей світлофор у тумані коштує вісімдесят мільйонів, життєво необхідно, щоб кілька серйозних, відомих і шанованих людей, що стоять навколо картини, кивнули головами, бо на свої почуття та думки покупець у новій культурній ситуації не може розраховувати. Арт-істеблішмент дає санкцію – і це дуже серйозно, оскільки вона означає, що роботу, що продається, якщо треба, приймуть назад приблизно за ті ж гроші.
- Точно приймуть? - Запитав я.
Мара кивнула.
– З картиною, про яку я говорю, це відбувалося вже багато разів. Їй понад сто років.
– Як виникає ця санкція?
Мара засміялася.
– Це питання вже не на вісімдесят, а сто мільйонів. Люди витрачають життя, щоби цю санкцію отримати – і самі до кінця не розуміють. Санкція виникає в результаті броунівського руху залучених до сучасного мистецтва розумів і свобод навколо інвестиційного капіталу, якому, природно, належить останнє слово. Але якщо тобі потрібна коротка і проста відповідь, можна сказати так. Сьогоднішнє мистецтво – це змова. Ця змова є джерелом санкції.
– Не зовсім юридичний термін, – відповів я. – Може, краще сказати «попередню змову»?
- Сказати можна як завгодно, Порфирію. Але у мистецтвознавчих термінів має бути така ж санкція капіталу, як у полотна з трьома різнобарвними цеглинами. Тільки тоді вони починають щось означати – і заслуговують на те, щоб ми копалися в їх численних можливих сенсах. Про «змову мистецтва» сказав Сартр – і це, до речі, один із небагатьох ясних висловлювань у його житті. Сартра дорого купили. Тому, коли я повторюю ці слова за ним, я ховаюся за виписаною на нього санкцією і виглядаю серйозно. А коли Порфирій Петрович говорить про «попередню змову», це віддає мусарів, sorry for my French. І повторювати таке за ним ніхто не буде.
- Ти щойно повторила, - сказав я.
– Так. У навчальних цілях. Але в монографію я цього не вставлю, а дідуся Сартра цілком. Тому що єдиний спосіб заручитися санкцією на мою монографію – це склеїти її із санкцій, які вже видані раніше під інші проекти. Ось так змова мистецтва підтримує саму себе. І решта змов теж. Мистецтво давно перестало бути магією. Сьогодні це, як ти цілком вірно помітив, попередня змова.
– Кого та з ким? - Запитав я.
– А ось це зрозуміло не завжди. І учасникам змови часто доводиться імпровізувати. Можна сказати, що з цієї неясності і народжується новизна та свіжість.
- Ага, - сказав я і підкрутив вус. – А чому хтось один, хто розуміється на сучасному мистецтві, але не бере участі у змові, не виступить із викриттям?
Мара засміялася.
- Ти не зрозумів найголовнішого, Порфирію.
– Чого?
– «Розбиратися» в сучасному мистецтві, не беручи участь у його змові, не можна – бо окуляри змовника треба надіти вже для того, щоб це мистецтво виявити. Без окулярів очі побачать хаос, а серце відчує тугу та обман. Але якщо брати участь у змові, обман стане грою. Адже артист на сцені не бреше, коли каже, що він Чичиков. Він грає – і стілець, який він спирається, стає трійкою. У всякому разі, для критика, який у долі... Розумієш?
– Приблизно, – відповів я. - Не скажу, що глибоко, але розмову підтримати зможу.
- Тепер, Порфиріє, у тебе має виникнути інше питання.
– Який?
- Навіщо я тобі все це пояснюю?
– Так, – повторив я, – справді. Навіщо?
– Потім, – сказала Мара, – щоб тебе не здивувало те, що ти побачиш, коли ми почнемо працювати. Ти матимеш справу з дуже дорогими об'єктами. І тобі може здатися дивним, що електронна копія або відеоінсталяція, яку може зробити з відкритого культурного матеріалу будь-хто, вважається унікальним предметом мистецтва і продається за шалені гроші. Але це, повір, та сама ситуація, що й із картиною «Orange, red, yellow». Якщо, дивлячись на неї, ти бачиш перед собою світлофор у тумані, ти профан – хоч би як переконливо твої міркування звучали для інших профанів. Запам'ятай головне: об'єкти мистецтва, з якими ти матимеш справу, не потребують твоєї санкції. А санкція арт-спільноти вони вже мають.
– У якій саме формі було видано цю санкцію?
- Порфирій, - зітхнула Мара, - який ти неуважний. У тій формі, що їх купили.

Рейтинг аукціонних результатів творів російського мистецтва

1. До участі бралися лише публічні аукціонні результати.
2. Приналежність до російських художників визначалася за місцем народження. Народився в Російської імперіїабо в СРСР - значить, російський художник, без огляду на етнічне походження та знижок на те, як надалі склалася доля. Наприклад, той факт, що у Кандинського в різні рокибули громадянства і російське, і німецьке, а помер він із французькою, не є підставою засумніватися, що художник російський.
3. Правило: один художник – одна картина. Тобто ситуація, коли, строго кажучи, всі перші місця довелося б відвести роботам Марка Ротко, вирішується так: залишаємо тільки саму дорогу роботу, а всі інші результати картин цього художника ігноруємо.

За основу рейтингу взято результати з урахуванням премії покупця (Buyers Premium), виражені у доларах (цифри, показані на європейських аукціонах, тобто у фунтах чи євро, конвертовані у долари за курсом на день торгів). Тому до рейтингу не потрапили ні «Іспанка» Гончарової, продана 2 лютого 2010 року за £6,43 млн, ні картина «Вигляд Константинополя та протоки Босфор» Айвазовського, за яку 24 квітня 2012-го заплатили £3,23 млн. Так, у валюті угоди, тобто. у фунтах, вони дорожчі за картини, що посіли місце в рейтингу, а ось з курсом долара їм не пощастило.

1. $86,88 млн. Марк Ротко. Помаранчевий, червоний, жовтий (1961)

Один із найзагадковіших художників сучасності. Його життєвий шлях немов зітканий із протиріч - у творчих пошуках, у вчинках, у жестах... Вважається одним із ідеологів і, безумовно, ключовою фігуроюв американському абстрактному експресіонізмі Ротко не виносив, коли його роботи називали абстрактними. У минулому добре знали, що таке життя надголодь, він якось демонстративно повернув замовникам абсолютно фантастичний у перерахунку на нинішні гроші аванс, залишивши собі майже повністю закінчену роботу. Що чекав свого успіху і можливості заробляти життя живописом майже п'ятдесят років, він неодноразово відмовляв людям, здатним за бажання зруйнувати його кар'єру. Як мінімум соціаліст у душі, що розділяв ідеї Маркса, котрий неприязно ставився до багатіїв і багатства, Ротко став у результаті автором найдорожчих картин у світі, які фактично перетворилися на атрибут високого статусу своїх власників. (Чи жарт, рекордний «Білий центр», проданий, за $65 млн, походив із родини Рокфеллерів.) Той, хто мріяв про визнання масовим глядачем, став у результаті творцем картин, по-справжньому зрозумілих досі лише колу інтелектуалів і поціновувачів. Нарешті, художник, який шукав розмови з паном через музику своїх полотен, художник, чиї роботи стали центральним елементом оформлення церкви всіх релігій, закінчив життєвий шлях відчайдушним богоборчим актом…

Ротко, який пам'ятав межу осілості та козаків, можливо, здивувався б, що їм пишаються ще й як російським художникам. Втім, антисемітизму вистачало і в Америці 1930-х – не випадково митець «урізав» родове прізвище Роткович. Але ми називаємо його російською небезпідставно. Для початку – за фактом народження. Латвійський Двінськ, нинішній Даугавпілс, на момент народження Маркуса Ротковича - це частина Росії і залишатиметься такою до розпаду імперії, до 1918 року. Щоправда, революції Ротко вже не побачить. У 1913 році хлопчика відвозять до США, сім'я переїжджає до Портленду, штат Орегон. Тобто дитинство та юність пройшли в Росії, тут формувалося життєве сприйняття, кругозір. Крім того, що тут він з'явився на світ, з Росією Ротко пов'язують, зауважимо, і світоглядні теми, і конфлікти. Відомо, що він цінував праці Достоєвського. І навіть вади, яким Ротко вдавався, у світі асоціюються чомусь саме з росіянами. Депресію на Заході називають чомусь «російською хворобою». Що не аргумент, звичайно, але ще один штрих до цілісності природи російського художника.

До новаторських відкриттів у живописі Ротко йшов довгих 15 років. Пройшовши через багато фігуративних захоплень, у тому числі сюрреалізм і фігуративний експресіонізм, у середині 1940-х він гранично спростив структуру своїх картин, обмеживши виразні засоби кількома барвистими блоками, що утворюють композицію. Інтелектуальна основа його робіт – це майже завжди питання трактування. Ротко звичайно давав прямих відповідей, розраховуючи на співучасть глядача в осмисленні роботи. Єдине, на що він безперечно розраховував, - на емоційну роботу глядача. Його картини не для відпочинку, не для релаксації та не для візуального масажу. Вони розраховані на співпереживання. Одні бачать у них вікна, дозволяють зазирнути у душу глядача, інші - двері інший світ. Є думка (можливо, найближче до істини), що його колірні поля – це метафоричні зображення бога.

Декоративна сила «колірних полів» пояснюється рядом спеціальних технічних прийомів, які використовуються Ротко. Його картини не терплять масивних рам – максимум тоненькі плашки-окроми у колір полотна. Краї картин художник навмисно тонував у градієнт так, щоб мальовниче поле втрачало межі. Нечіткі межі внутрішніх квадратів - це теж прийом, спосіб без контрасту створювати ефект тремтіння, взаємного накладання колірних блоків, що здавалося, пульсації плям, немов мерехтіння світла електричних ламп. Це м'яке розчинення кольору в кольорі особливо вдавалося олією, до переходу Ротка на непрозорий акрил наприкінці шістдесятих. І знайдений ефект електричної пульсації посилюється, якщо дивитися картини зблизька. За задумом художника триметрові полотна глядачеві оптимально дивитися з відстані трохи більше півметра.

Сьогодні картини Ротко – гордість будь-якого відомого музею сучасного мистецтва. Так, в англійській галереї Тейт є зал Ротко, де живуть дев'ять картин з тих, що були написані за контрактом з рестораном Four Seasons. З цим проектом пов'язана досить показова для характеру Ротко історія. У 1959 році до художника за рекомендацією звернулися власники фешенебельного ресторану «Пори року», що відкрився в незвичайному хмарочосі Нью-Йорка Seagram Building (за назвою компанії - виробника алкоголю). Сума контракту в перерахунку на нинішні гроші становила майже $3 млн - дуже значний гонорар навіть для визнаного художника, яким на той час уже був Ротко. Проте, коли роботу було майже закінчено, Ротко несподівано повернув аванс і відмовився передавати її замовнику. Серед основних причин раптового вчинку біографи розглядали небажання догоджати правлячому класу та розважати багатіїв за вечерею. Є також думка, що Ротко засмутився, дізнавшись, що його картини не побачать рядові службовці, що працюють у будівлі. Втім, остання версіявиглядає надто вже романтично.

Майже через 10 років частину полотна, підготовлених для Four Seasons, Ротко передав у дар лондонській Tate Gallery. За гіркою іронією долі 25 лютого 1970 року, у той день, коли ящики з картинами досягли англійського порту, художника було знайдено у своїй студії мертвим - з перерізаними венами і (мабуть, для гарантії) величезною дозою снодійного в шлунку.

Сьогодні творчість Ротка переживає чергову хвилю щирого інтересу. Проходять семінари, відкриваються виставки, видаються монографії. На березі Даугави, батьківщині художника, встановлено пам'ятник.

Роботи Ротка на ринку не є виключно рідкісними (як, наприклад, живопис Малевича). Щороку на аукціонах одних лише його картин, крім графіки, виставляється приблизно 10–15 штук. Тобто не дефіцит, проте за них платять мільйони та десятки мільйонів доларів. І такі ціни навряд випадкові. Скоріше це данина його новаторству, бажання відкрити нові смислові верстви та долучитися до творчого феномену одного з найзагадковіших російських художників.

8 травня 2012 року на торгах післявоєнним та сучасним мистецтвом Christie's полотно «Помаранчеве, червоне, жовте» 1961 року пішло за $86,88 млн з урахуванням комісії. Твір походить із зборів пенсільванського мецената Давида Пінкуса. Роботу розміром 2,4 × 2,1 метра Давид та його дружина Геррі купили у Marlborough Gallery, а потім надовго віддали її в оренду Філадельфійському художньому музею. Картина «Помаранчеве, червоне, жовте» стала не лише найдорожчою роботою художника російського походження, а й дорогим творомпіслявоєнного та сучасного мистецтва, проданим на відкритих торгах.

2. $60,00 млн. Казимир Малевич. Супрематична композиція (1916)

За свою довге життяспочатку разом з Робером, а після його смерті в 1941 наодинці Соня зуміла випробувати безліч жанрів у мистецтві. Вона займалася живописом, книжковою ілюстрацією, театральними ескізами (зокрема, оформляла декорації дягілівського балету «Клеопатра»), дизайном одягу, інтер'єру, візерунків на текстилі та навіть тюнінгом автомобілів.

Ранні портрети та абстракції Соні Делоне 1900–10-х років, а також роботи серії «Кольорові ритми» 1950–60-х мають велику популярність на міжнародних та національних французьких аукціонах. Їхні ціни нерідко сягають кількох сотень тисяч доларів. Головний рекорд художниці було встановлено понад 10 років тому – 14 червня 2002 року на паризьких торгах Calmels Cohen Paris. Тоді за €4,6 млн було продано абстрактну роботу «Ринок у Міньо», написану в 1915 році, в період життя подружжя Делоне в Іспанії (1914–1920).

32. $4,30 млн. Михайло Нестеров. Бачення хлопцеві Варфоломію (1922)

Якщо оцінювати наших художників за своєрідною шкалою «російськості», то Михайла Васильовича Нестерова (1862–1942) можна сміливо ставити десь на початку списку. Його картини із зображенням святих, ченців, черниць у ліричному «нестерівському» пейзажі, повністю співзвучному із високодуховним настроєм героїв, стали унікальним явищем в історії вітчизняного мистецтва. У своїх полотнах Нестеров розповідав про Святу Русь, про її особливий духовний шлях. Художник, за власним висловом, «уникав зображати сильні пристрасті, віддаючи перевагу скромному пейзажу, людині, яка живе внутрішнім духовним життям в обіймах нашої матінки-природи». А за оцінкою Олександра Бенуа, Нестеров, поряд із Суріковим, був єдиним російським художником, який хоч частково наблизився до високих божественних слів «Ідіота» та «Карамазових».

Особливий стиль і релігійність живопису Нестерова склалися з багатьох чинників. Вплинуло і виховання в патріархальній, побожній купецькій сім'ї в місті Уфі з її типово російськими пейзажами, і роки навчання у передвижників Перова, Саврасова і Прянишнікова в Московському училищі живопису, скульптури і зодчества (від них він перейняв ідею мистецтва, що чіпає в він взяв техніку академічного малюнка), і поїздки за натхненням до Європи, і глибока особиста драма (смерть улюбленої дружини Марії через день після народження їхньої доньки Ольги).

У підсумку до кінця 1880-х - початку 1890-х Нестеров вже намацав свою тему, і якраз у цей час він написав «Бачення отроку Варфоломію» (1889–1890). Сюжет картини взято із Житія преподобного Сергія. Отрок Варфоломій (майбутній Сергій Радонезький) зустрів ангела у вигляді ченця і отримав від нього Боже благословення на те, щоб зрозуміти Святе Письмоі перевершити своїх братів і однолітків. Картина перейнята відчуттям чудового - воно не тільки і не стільки у постатях Варфоломія і Святого старця, а й у навколишньому пейзажі, особливо святковому і одухотвореному.

На схилі років художник не раз називав «Варфоломія» головним своїм твором: «...якщо через тридцять, через п'ятдесят років після моєї смерті він ще щось говоритиме людям - значить, він живий, значить, живий і я». Картина стала сенсацією XVIII виставки передвижників і вмить зробила відомим молодим уфимським художником (Нестерову тоді не виповнилося і тридцяти). «Бачання» придбав у свою колекцію П. М. Третьяков, незважаючи на спроби його відмовити з боку, за словами Нестерова, «правовірних передвижників», які вірно помітили в роботі підрив «раціоналістичних» підвалин руху. Проте митець вже взяв свій власний курс у мистецтві, у результаті й зробив йому славу.

З приходом радянської владидля Нестерова з його релігійним живописом настали не найкращі часи. Художник перейшов на портрети (благо мав можливість писати лише глибоко симпатичних йому людей), а про колишні сюжети не смів і думати. Однак, коли на початку 1920-х пройшла чутка про підготовку великої виставки російського мистецтва в Америці, Нестеров швидко зважився брати участь у надії на нову аудиторію. Ним було написано для виставки кілька робіт, у тому числі й авторське повторення «Бачення отроку Варфоломію» (1922), в американській пресі назване «Бачення святому Сергію в підлітковому віці». Нова версіяменше форматом (91×109) порівняно з третьяківською (160×211), на небі з'явився місяць, фарби пейзажу дещо темніші, а в особі отрока Варфоломія більше серйозності. Нестеров хіба що підводить цією картиною підсумок великим змін, що відбулися з часів написання першого «Бачення…».

Картини Нестерова були серед небагатьох на виставці російського мистецтва у Нью-Йорку у 1924 році, які були куплені. «Бачення отроку Варфоломію» потрапило до колекції відомих колекціонерів та покровителів Миколи Реріха – Луїса та Нетті Хорш. З того часу аж до 2007 року робота передавалася у цій родині у спадок. І нарешті, 17 квітня 2007 року на російських торгах Sotheby's полотно було виставлене з естімейтом $2-3 млн і легко його перевищило. Підсумкова ціна молотка, що стала рекордною для Нестерова, становила $4,30 млн. З цим результатом він і увійшов до нашого рейтингу.

33. $4,05 млн. Віра Рохліна. Картежники (1919)

Віра Миколаївна Рохліна (Шлезінгер) - ще одна чудова художниця російської еміграції, яка потрапила до нашого рейтингу поряд з Наталією Гончаровою, Тамарою Лемпіцькою та Сонею Делоне. Відомості про життя художниці дуже мізерні, її біографія ще точно чекає на свого дослідника. Відомо, що народилася Віра Шлезінгер у 1896 році в Москві в родині російської та француженки з Бургундії. Навчалася в Москві у Іллі Машкова і була мало не коханою його ученицею, а потім брала уроки у Києві у Олександри Екстер. У 1918 році вийшла заміж за адвоката С. З. Рохліна і поїхала з ним до Тифлісу. Звідти на початку 1920-х подружжя переїхало до Франції, де Віра почала активно виставлятися на «Осінньому салоні», «Салоні Незалежних» та «Салоні Тюїльрі». У мальовничій манері спочатку слідувала ідеям кубізму та постімпресіонізму, але до початку 1930-х уже виробила власну манеру, яку один французький журнал назвав «художньою рівновагою між Курбе та Ренуаром». У ті роки Віра жила вже окремо від чоловіка, на Монпарнасі, мала серед шанувальників кутюр'є Поля Пуаре, головною темою в живописі обрала жіночі портрети і ню, чому, можливо, сприяло її знайомство з Зінаїдою Серебряковою (зберігся навіть портрет оголеної Срібнякової кисті Рохлиної). Але у квітні 1934 року 38-річна Віра Рохліна наклала на себе руки. Що змусило жінку в розквіті років, яка вже багато чого досягла на творчій ниві, звести рахунки з життям, залишається загадкою. Її передчасну смерть називали найбільшою втратою на арт-сцені Парижа у роки.

Спадщина Рохліної перебуває переважно за кордоном, де Віра провела останні 13 років життя і де повністю розкрився її талант. У 1990-х – на початку 2000-х французькі музеї та галереї почали проводити персональні виставки Рохліної та включати її роботи до групових виставок художників Паризької школи. Про неї довідалися колекціонери, її роботи стали продаватися на аукціонах, причому досить добре. Пік продажів і цін припав на 2007–2008 роки, коли близько сотні тисяч доларів за гарний формат живопис Рохліної стали звичайним явищем. І ось 24 червня 2008 року на вечірніх торгах імпресіоністів і модерністів Christie's в Лондоні кубистична картина Віри Рохліної «Картівники», написана до еміграції, в 1919 році, несподівано була продана в 8 разів дорожче за естімейт - за £2,05 млн £2,05

34. $4,02 млн. Михайло Клодт. Ніч у Нормандії (1861)

35. $3,97 млн. Павло Кузнєцов. Східного міста. Бухара (1912)

Для Павла Варфоломійовича Кузнєцова (1878–1968), сина іконописця з міста Саратова, випускника Московського училища живопису, скульптури та архітектури (де він навчався у Архипова, Сєрова та Коровіна), одного з організаторів об'єднання «Блакитна троянда», Схід. Коли перший символістський період 1900-х років у Павла Кузнєцова з напівфантастичними зображеннями «Фонтанів», «Пробуджень» та «Народжень» вичерпав себе, художник вирушив за натхненням на Схід. Він згадав, як у дитинстві гостював у діда у заволзьких степах і спостерігав за побутом кочівників. "Раптом згадав про степи і поїхав до киргизів", - писав Кузнєцов. З 1909 по 1914 рік Кузнєцов проводив у киргизьких степах, у кочівників, по кілька місяців, переймаючись їх способом життя і приймаючи їх своєю спорідненою, скіфською душею. У 1912–1913 роках художник проїхав містами Середньої Азії, прожив у Бухарі, Самарканді, передгір'ях Паміру. У 1920-ті дослідження Сходу продовжилося вже у Закавказзі та Криму.

Підсумком цих східних подорожей стали серії приголомшливих картин, в яких відчувається і «голуборозівська» любов до синьої гами, і символіка близьких художнику з дитинства ікон і храмових фресок, і сприйнятий досвід таких художників, як Гоген, Андре Дерен і Жорж Брак, ну і, звичайно, вся. Східні картини Кузнєцова були тепло прийняті у Росії, а й у виставках у Парижі та Нью-Йорку.

Великим творчим успіхом став написаний у Бухарі 1912 року цикл картин «Східне місто». Один із наймасштабніших полотен у серії «Східне місто. Бухара» у червні 2014 року потрапило на торги MacDougall's з естімейтом £1,9–3 млн. Робота з бездоганним провенансом та виставковою історією: була куплена безпосередньо у художника; не змінювала місця побутування із середини 1950-х; брала участь у виставках «Світу мистецтва», виставці радянського мистецтва в Японії, а також у всіх основних прижиттєвих та посмертних ретроспективах художника. У результаті за полотно заплатили рекордні для Кузнєцова £2,37 млн. ($3,97 млн.).

36. $3,82 млн. Олександр Дейнека. Герої першої п'ятирічки (1936)

37. $3,72 млн. Борис Григор'єв. Пастух з пагорбів (1920)

Борис Дмитрович Григор'єв (1886–1939) емігрував із Росії 1919 року. За кордоном він став одним із найвідоміших російських художників, але при цьому на батьківщині його забули на довгі десятиліття, і перші його виставки в СРСР відбулися лише наприкінці 1980-х. Зате сьогодні це один із найбільш затребуваних та високо оцінених авторів на ринку російського мистецтва, його роботи, як мальовничі, так і графічні, продаються за сотні тисяч та мільйони доларів.

Художник був надзвичайно працездатний, 1926 року він писав поету Кам'янському: «Зараз я перший майстер у світі.<…>Я не вибачаюсь за ці фрази. Треба знати самому, хто ти, інакше не знатимеш, що робити. Та й життя моє святе від праці понад і почуття понад, і 40 років моїх це доводять. Я не боюся будь-якого конкурсу, будь-якого замовлення, будь-якої теми, будь-якої величини та будь-якої швидкості».

Ймовірно, найбільш відомі його цикли «Росія» та «Обличчя Росії» - дуже близькі за духом і відрізняються лише тим, що перший був створений до еміграції, а другий уже в Парижі. У цих циклах перед нами постає галерея типажів («ликів») російського селянства: похмуро дивляться прямо на глядача люди похилого віку, баби, діти, вони притягують погляд і одночасно відштовхують його. Григор'єв не схильний був ідеалізувати чи прикрашати тих, кого він писав, навпаки, іноді він доводить образи до гротеску. Серед «ликів», написаних вже в еміграції, до селянських портретів додаються портрети сучасників Григор'єва – поетів, акторів Художнього театру, а також автопортрети. Образ селянської «Росії» розширився до узагальнюючого образу покинутої, але з забутої Батьківщини.

Один із таких портретів – поета Миколи Клюєва в образі пастуха – став найдорожчою картиною Бориса Григор'єва. На торгах Sotheby's 3 листопада 2008 року роботу «Пастух з пагорбів» 1920 року було продано за $3,72 млн при естімейті $2,5–3,5 млн. Портрет є авторською копією зі втраченого портрета 1918 року.

Редакція сайт

Увага! Усі матеріали сайту та бази даних аукціонних результатів сайту, включаючи ілюстровані довідкові відомості про продані на аукціонах твори, призначені для використання виключно відповідно до ст. 1274 ЦК України. Використання в комерційних цілях або з порушенням правил, встановлених ЦК України, не допускається. сайт не відповідає за зміст матеріалів, поданих третіми особами. У разі порушення прав третіх осіб адміністрація сайту залишає за собою право видалити їх із сайту та з бази даних на підставі звернення уповноваженого органу.