Teme eterne de artă și mesaj de viață. Stiluri și mișcări în artele plastice

Lecție de muzică „Teme eterne în artă”

Clasa a VII-a 26.01.2015

Subiectul celui de-al doilea semestru al anului: „Compozitorul și timpul”. Modulul: „Dramaturgie muzicală”.

Scopul lecției : prin muzică, transmiteți gânduri profunde, durere despre suferința incomensurabilă a oamenilor, dezvăluie lupta dintre două principii: binele și răul.

Sarcini:

Educational: familiarizați-vă cu istoria Marelui Război Patriotic, aflați despre asediul Leningradului și consecințele acestuia; reproduce imaginea războiului în lucrările lui Șostakovici.

Educational: să insufle copiilor sentimente de patriotism și dragoste pentru Patria Mamă; pentru a forma receptivitate emoțională la lucrările muzicale.

De dezvoltare : dezvoltarea capacității de a naviga pe o hartă, de a lucra cu surse; dezvoltarea unei culturi a ascultării, dezvoltarea gustului muzical și estetic.

Tipul de lecție : învățarea de material nou.

Formatul lecției: lecție integrată de muzică și istorie folosind TIC

Lecție dezvoltată folosind tehnologieo abordare integrată a formării și dezvoltării.

Metode:

Modul de organizare a activităților educaționale

Analiza unei situații specifice

Metoda de înțelegere în stil intonațional

Metoda de control și autocontrol

Metoda de imersie

Interacțiune interactivă :

Aplicarea tehnologiilor informatice (secvente video, diapozitive)

Elevii lucrează în microgrupe

Material muzical :

D.D. Şostakovici. Simfonia a VII-a. „Leningradskaya” 1 parte „Episodul de invazie”

Echipamente :

calculator;

proiector (TV)

prezentare;

poezie;

Înmânează;

dicționar de emoții;

În timpul orelor

I. Moment organizatoric

II. Învățarea unui subiect nou

Epigraf: „Să fie lumină”

în fereastra ta!

(70 de ani de la Marea Victorie

dedicat)

Profesor: - Viața, moartea, nemurirea sunt temele eterne ale culturii spirituale a umanității în toate diviziunile ei. La ei s-au gândit profeți și fondatori de religii, filozofi și moraliști, figuri ale artei și literaturii, profesori și doctori. Viața și moartea, lumina și întunericul, lupta dintre forțele luminii și întunericului, războiul și pacea sunt două entități opuse, două concepte care sunt absolut incompatibile între ele. Destinele oamenilor, acțiunile, decorurile, emoțiile - totul în ei este absolut opus. Toate acestea alcătuiesc cercul eternelor teme ale artei. În muzică, ca și în viață, există și teme eterne.

Băieți, gândiți-vă ce opoziții puteți numi legate de imaginea acestor lumi diferite:

De exemplu, lumea creației, lumea creativității - lumea colapsului, lumea distrugerii, binele-răul

Raspunsurile copiilor:

Sațietate-foame;
Victorie-înfrângere;
Iubire ura;
Curajul-teama siispravă în numele umanității

Lucrările care reflectă „teme eterne” sunt destinate să aibă o viață lungă. Ei continuă să emoționeze mințile, găsind din ce în ce mai multe încarnări noi în teatru, artă plastică și muzică.

Tema „Război și pace” este una dintre temele eterne ale artei. Oamenii au început să lupte în epoca de piatră și încă nu se pot opri. Peste 15 mii de războaie au fost înregistrate și descrise în istoria omenirii!

Profesor: Ce poate fi mai groaznic decât războiul?! Ea aduce doar lacrimi și suferință...

Știm multe despre război, am auzit multe despre el, pentru că Marele Război Patriotic a venit în fiecare casă. Unul dintre cele mai teribile și tragice sate din istorie a fost apărarea Leningradului.

III. Învățarea de materiale noi

Profesor: - Băieți, ce credeți că a determinat alegerea materialului pentru lecția de astăzi? Ce dată ne așteaptă literalmente mâine?

Care va fi scopul lecției noastre?Să dezvăluie lupta dintre două principii: bine și rău, război și pace, să transmită reflecții profunde și durere despre suferința incomensurabilă a oamenilor prin intermediul muzicii.

Profesor: Și vom face acest lucru folosind exemplul Simfoniei de la Leningrad a lui D. D. Șostakovici.

Înainte de a începe să vorbim despre această lucrare, să ne amintim ce este o Simfonie?

Cum se construiește o simfonie?

Care este baza primei mișcări a unei simfonii clasice? (forma sonată).

(pe tablă - desenați o diagramă a structurii unei părți a formei sonatei).

Care este imaginea muzicală din lucrare?

Ce este dramaturgia muzicală?

Exercițiu : în timp ce ascultați simfonia, caracterizați muzica folosind dicționarele dvs. de emoții (lucrați în microgrupe). Lucrăm pe măsură ce lecția progresează.

Profesor: Pentru a ne introduce subiectul, invit un istoric și critic de artă

Istoricul 1:

În iunie 1941, Germania nazistă a invadat Uniunea Sovietică, iar Leningradul s-a trezit curând sub un asediu care a durat 18 luni și a dus la nenumărate greutăți și decese. Pe lângă cei uciși în bombardamente, peste 600.000 de cetățeni sovietici au murit de foame. Mulți au înghețat sau au murit din cauza lipsei de îngrijiri medicale - numărul victimelor asediului este estimat la aproape un milion.

Critic de artă 1 :

Dar, în ciuda tuturor severității acestui timp, moartea, foamea, frica, oamenii nu și-au pierdut capacitatea de a gândi, visa, crede, spera, crea și compune. Și un exemplu izbitor în acest sens este personalitatea marelui compozitor rus D.D. Şostakovici. Simfonia a șaptea a sa, numită „Leningrad”, este una dintre lucrările muzicale remarcabile ale Marelui Război Patriotic. O parte semnificativă a simfoniei a fost creată de compozitor în toamna anului 1941 la Leningrad, în zilele luptei muritoare cu inamicul. A scris-o într-o casă care era zguduită aproape în fiecare minut de explozii. Șostakovici a spus mai târziu: „M-am uitat la orașul meu iubit cu durere și mândrie. Și stătea în picioare, pârjolit de incendii, înrăit de luptă, după ce a experimentat suferința adâncă a unui luptător și era și mai frumos în măreția lui aspră. Cum să nu iubesc acest oraș, construit de Petru, și să nu spun lumii întregi despre gloria lui, despre curajul apărătorilor ei... Arma mea a fost muzica.”

Profesor : Astăzi avem o oportunitate unică de a-l asculta pe D. D. Șostakovici însuși. Să ascultăm ce are de spus despre munca lui.

Videoclipul nr. 1. Film despre Şostakovici

Profesor: Simfonia a șaptea este formată din 4 mișcări, dar prima este cea mai semnificativă. Însuși D. D. Shostakovich a scris acest lucru: „Prima parte spune cum o forță formidabilă a izbucnit în frumoasa noastră viață pașnică - războiul”.

Prima parteîncepe cu o melodie epică amplă, cântată. Ea întruchipează imaginea Patriei Mame. Se dezvoltă, crește și este umplut cu din ce în ce mai multă putere. Lotul lateral de asemenea, ca un cântec. Este ca un cântec de leagăn calm. Melodia ei pare să se dizolve în tăcere. Totul respiră calmul vieții pașnice.

Dar apoi, de undeva departe, se aude ritmul unei tobe, apoi apare o melodie: primitivă, asemănătoare cupletelor - expresie a cotidianului și a vulgarității. E ca și cum niște păpuși se mișcă. .

La început sunetul pare inofensiv. Dar tema se repetă de 11 ori, intensificându-se tot mai mult. Melodia sa nu se schimbă, ea dobândește doar treptat sunetul din ce în ce mai multe instrumente noi, transformându-se în complexe de acorduri puternice. Deci, acest subiect, care la început părea nu amenințător, ci prost și vulgar, se transformă într-un monstru colosal - o mașină de șlefuit a distrugerii. Se pare că va zdrobi toate viețuitoarele în cale.

Scriitorul A. Tolstoi a numit această muzică „dansul șobolanilor învățați pe tonul flautarului”. Se pare că șobolanii învățați, ascultători de voința prindetorului de șobolani, intră în luptă. Acesta este celebrul episod al invaziei fasciste - „Episodul invaziei”, o imagine uimitoare a invaziei forței distructive.

Vom asculta acum un fragment din simfonie.Film documentar Ne va ajuta să ne imaginăm tabloul acelei vremuri, condițiile în care a fost creată simfonia, atitudinea care i-a cuprins pe oamenii din Leningradul asediat.

Sună un fragment din partea 1. Video. nr. 2

Profesor de muzică: Un cuvânt de la istoric

Istoricul #2

- Simfoniile compozitorului sunt un monument unic al istoriei omenirii. La 27 decembrie 1941, simfonia a fost finalizată. Premiera a avut loc la Kuibyshev, interpretată de Orchestra Teatrului Bolșoi sub conducerea lui S. Samosud. După aceasta, simfonia a fost interpretată la Moscova și Novosibirsk. Dar abia pe 9 august 1942, în asediul Leningrad, a avut loc celebra interpretare a Simfoniei a șaptea („Leningrad”) a lui Dmitri Șostakovici. Organizatorul și dirijorul a fost Karl Ilici Eliasberg, dirijorul șef al Orchestrei Radio din Leningrad. Autoritățile au insistat asupra unei premiere urgente. La urma urmei, simfonia a fost dedicată de către autor isprăvii orașului său natal. I s-a dat semnificație politică. S-au adunat muzicieni de pretutindeni pentru a o interpreta. Mulți dintre ei erau epuizați. Înainte de începerea repetițiilor, a trebuit să-i punem în spital – să-i hrănim, să-i tratăm. În ziua în care a fost interpretată simfonia, nici măcar un obuz inamic nu a căzut asupra orașului: din ordinul comandantului Frontului de la Leningrad, mareșalul Govorov, toate punctele inamice au fost suprimate în avans. Pistoalele tăceau în timp ce suna muzica lui Șostakovici. A fost auzit nu numai de locuitorii orașului, ci și de trupele germane care asediau Leningradul. Ei spun că germanii, după ce au auzit sunetele simfoniei de la Leningrad prin difuzoare, au fost pur și simplu surprinși - erau absolut siguri că orașul era mort. La mulți ani după război, nemții au spus: „Apoi, la 9 august 1942, ne-am dat seama că vom pierde războiul. Am simțit puterea ta, capabilă să învingă foamea, frica și chiar moartea...”

Pornind de la interpretarea sa în asediul Leningrad, simfonia a avut o propagandă și o semnificație politică enormă pentru autoritățile sovietice și ruse.

IV. Consolidare

La 27 ianuarie 1944, Leningradul a salutat cu 24 de salve de la 324 de tunuri în onoarea eliminării complete a blocadei inamice - înfrângerea germanilor de lângă Leningrad.

- Ai pierdut războiul, călău,
Abia am pus mâna pe oraș!
Care este adevărul acum?
ce furtună s-a întâmplat
ca un vis înnebunit,
Ce amăgire de mândrie părea!
Așa că lasă lumea să audă astăzi
Focuri de artificii rusești.
Da, se răzbună, se bucură, respiră!
Leningrad victorios!
27 ianuarie 1944, Olga Berggolts

08.08.08. La începutul lecției, am vorbit despre război și pace, despre cum omenirea nu se poate opri din lupta între ele. La 21 august 2008, un fragment din prima parte a simfoniei a fost interpretat în orașul din Osetia de Sud Tskhinvali, distrus de trupele georgiene, de orchestra Teatrului Mariinsky dirijată de Valery Gergiev.

Videoclipul nr. 3 Valery Gergiev

- De ce a ales Gergiev Simfonia din Leningrad pentru orașul rănit?

- „Această simfonie este un memento pentru lume că oroarea asediului și bombardării Leningradului nu trebuie să se repete...” (V. A. Gergiev)

Temă pentru acasă: scrierea unui eseu „Ai explicat muzica în cuvinte”

Profesorul citește, ca exemplu, cele mai interesante rânduri din eseurile foștilor elevi.

Profesor: Cei care s-au născut după război nu mai pot înțelege prea multe și nu pot supraviețui la ceea ce a trăit generația de război. Poți doar să asculți poveștile celor care au supraviețuit și să încerci să simți ceea ce au trăit și să-l păstrezi în memorie... Și aduce un omagiu respectului etern și recunoștinței eterne.

Cântecul „Să fie lumină în fereastra ta”

Fotografii cu veterani. Prezentare

Notare. Rezumând.

Lucrați în microgrupuri folosind carduri:

Opozitii:

Omul este un barbar

Bine ati venit -

Lumea -

Creatie -

Trezire -

Victorie -

conflict -

Ciocnire -

Lupta -

Lumea creativității minții - lumea distrugerii și a cruzimii

Întrebări:

Ce imagine creează muzica?________________________________________________________________

Ce v-ați imaginat în timp ce o ascultați?________________________________________________

Cum sună ea la începutul episodului?________________________________________________

Câte imagini muzicale?________________________________________________________________

Care este importanța ritmului?________________________________________________________________

Ce mijloace de expresivitate sunt folosite pentru a dezvolta invazia?________________________________________________________________________________

_____________________________________________________________________________

Fără îndoială, conservarea patrimoniului cultural al omenirii este unul dintre cele mai importante domenii de activitate ale persoanelor implicate într-un fel sau altul în domeniul culturii. Cu toate acestea, conservarea patrimoniului cultural, potrivit autorului articolului, nu poate fi un scop în sine; cultura ca un fel de organism viu, un sistem dinamic – implică procese continue de schimbare și reînnoire. Pe parcursul acestor procese se observă adesea momente „nodale” de conflict între tendințele inovatoare și cele protectoare. Acest conflict ia forme complet diferite, de la polemici „pașnice” la sloganuri șocant de șocante. Fiecare epocă își găsește propriile variante ale relației și stabilirea echilibrului între canonicitate și experimentare.

Cu toate acestea, atât dictatul absolut al canonului, cât și respingerea lui absolută nu contribuie la dezvoltarea culturii în ansamblu sau a zonelor sale individuale. Ulterior, pe măsură ce perioada de timp crește, conflictul „se atenuează” și încep noi procese de integrare; după conflict, integrarea decurge diferit, pe o nouă „întorsătură a spiralei”. Aceste teze pot fi ilustrate, de exemplu, prin diferențierea formelor de artă după sincretismul primitiv – și sinteza lor ulterioară. Pentru mai multe detalii, vezi... Această etapă activează căutarea în „vechi” a zonei „eterne”, în tradiție - zona invariantă. Vorbim despre „zonă”, deoarece există mai mult „vechi” decât „ etern”, iar aici funcționează un anumit mecanism de selecție.. Este această zonă care depășește sfera de interes exclusiv istoric și devine, dacă nu baza, atunci un element necesar al noilor sisteme emergente.

Este destul de corect să considerăm așa-numitele „teme eterne” din artă ca fiind una dintre aceste zone. „Temele eterne” implică straturi ale psihicului și gândirii care nu și-au pierdut relevanța de-a lungul istoriei omenirii; Nu se poate numi, de exemplu, tema luptei dintre bine și rău, tema căutării adevărului, tema sacrificiului, tema iubirii etc. Aceste probleme au fost luate în considerare de mai multe ori din unghiuri diferite: este suficient să amintim moștenirea lui K.G. Jung, K. Lévi-Strauss, Y. Lotman, L. Gumilyov etc. În orice caz, observăm o căutare a unui invariant atemporal - în conținutul sau aspectul structural al unui text artistic sau al conștiinței în general. Adesea motivele și imaginile mitologice, care sunt elemente ale acelei zone a „eternului” în „vechi”, acționează ca invariante. Astfel, un „fond de aur” stabil este format din imaginile și situațiile cel mai frecvent repetate care se încadrează în orice context istoric și în orice circumstanțe specifice. Așa cum arcurile de repetiție și intonație servesc ca cele mai importante ancore ale formei poetice sau muzicale, „temele eterne” servesc probabil ca „elementele de fixare” ale civilizației umane.

Multe inovații ale „teatrului de regizor” modern se bazează pe această proprietate a „temelor eterne”. Disputele despre necesitatea și caracterul adecvat al „modernizării” capodoperelor de acum două sau trei secole nu se opresc; Există păreri că în acest fel se „întinde” un fir între epoci, sunt păreri că în acest fel arta modernă își demonstrează propria neputință. Ambele opinii sunt controversate, dar au un drept incontestabil de a exista. Dar un artist modern nu are dreptul de a învinovăți epoca sa pentru „sărăcia subiecților”. Imaginile și situațiile care se repetă sunt observate peste tot, trebuie doar să le poți „recunoaște”. De exemplu, tema sacrificiului de sine se extinde mult în secole: ar putea fi mitul Ifigeniei, care a acceptat să urce la altar pentru victoria compatrioților săi; poate o poveste despre poetesa Juana Ines de la Cruz, care a tratat oameni care sufereau de ciumă și a murit din cauza ei; poate o poveste despre isprava lui Alexandru Matrosov; povestea lui Shavarsh Karapetyan, un campion mondial la scufundări, care a salvat zeci de vieți când un troleibuz a căzut din barajul Erevan, cu prețul propriei dizabilități; poate - citiți doar știrile din Yandex - o poveste despre isprava asistentei din Novgorod, Yulia Onufrieva, care a salvat câteva zeci de vieți pe propriile sale costuri. Sunt doar câteva cazuri din miile care s-au petrecut în istorie, constituind marea „temă veșnică” a sacrificiului de sine. Există păreri despre blasfemia de a considera astfel de cazuri drept „un complot”; totuși, devenind un complot, povestea dobândește viață veșnică, iar acest lucru poate fi și mai important pentru păstrarea memoriei umanității despre eroi decât ridicarea unui obelisc.

Astfel, „temele eterne” sunt numite eterne pentru că au o relevanță de durată. În același timp, ele constituie un anumit strat conceptual și emoțional care există în conștiința umanității ca întreg inextricabil; prin urmare, alături de relevanța temei, textele artistice nu își pierd actualitatea.Un text artistic este înțeles în acest caz ca o formațiune locală bazată pe orice cod de limbă (fie ea pictură, muzică, literatură, teatru etc.), întruchipând-o. Acest lucru explică în mare măsură accesibilitatea textelor artistice din orice epocă pentru privitorul/ascultătorul modern. În acest caz, moștenirea culturală a diferitelor epoci nu este doar păstrată, ci și solicitată, țesut organic în sistemul integral al spațiului cultural modern.

Înțelegerea fondului „temelor eterne” în artă ca mecanism de conservare a moștenirii culturale presupune o muncă de sistematizare a acestora, ceea ce este necesar, deoarece în prezent este absent.

Important este perspectiva, și nu doar semnificația retrospectivă a „temelor eterne”. Ele sunt un mecanism nu numai pentru conservarea moștenirii culturale, ci și pentru creșterea valorilor culturale și dezvoltarea în continuare a culturii. „Temele eterne” în artă servesc ca un fel de „punte” care leagă trecutul, prezentul și viitorul, o garanție a nemuririi imaginilor artistice, a creativității umane și a întregii culturi în ansamblu.

Operele de artă captează invariabil (prin voința autorului sau independent de acesta) constantele ființei, proprietățile ei fundamentale. Acestea sunt, în primul rând, principii (universale) universale și naturale precum haosul și spațiul, mișcarea și liniștea, viața și moartea, lumina și întunericul, focul și apa etc. Toate acestea constituie un complex de teme ontologice ale artei.

În plus, aspectul antropologic al temelor artistice este invariabil semnificativ și neobișnuit de bogat. Ea include, în primul rând, principiile spirituale reale ale existenței umane cu antinomiile lor (înstrăinare și implicare, mândrie și smerenie, disponibilitate de a crea sau de a distruge, păcătoșenia și neprihănirea etc.).

În al doilea rând, sfera instinctelor asociate cu aspirațiile mentale și fizice ale unei persoane, cum ar fi libidoul (sfera sexuală), setea de putere, atracția pentru bogăția materială, lucruri de prestigiu, confortul etc. În al treilea rând, în oameni, ceea ce este determinat de genul (masculinitate, feminitate) și vârsta lor (copilărie, tinerețe, maturitate, bătrânețe).

Și, în sfârșit, în al patrulea rând, acestea sunt situații supraepocale ale vieții umane, forme de existență umană stabile istoric (muncă și petrecere a timpului liber, viața de zi cu zi și sărbători; conflicte și principii armonioase ale realității, viață pașnică și războaie sau revoluții; viața în casă și ședere pe un ținut străin sau călătorii; activități civile și viața privată etc.). Astfel de situații constituie sfera acțiunilor și eforturilor, adesea căutărilor și aventurilor, aspirațiile unei persoane de a atinge anumite obiective.

Principiile existențiale numite (și rămânând nenumite), care intră în artă, constituie un complex bogat și multifațetat de teme eterne, dintre care multe sunt „arhetipale”, datând din antichitatea rituală și mitologică (arhaică). Această fațetă a creativității artistice este moștenirea tuturor țărilor și erelor. Apare fie ca centru explicit al lucrărilor, fie este prezent în ele latent, fie chiar rămâne inconștient de către autori (subtext mitopoetic).

În apelul său la teme eterne, arta se dovedește a fi asemănătoare și apropiată de filosofia și de învățăturile orientate ontologic despre natura umană (antropologie). Refracția constantelor existențiale în artă a devenit subiectul unei atenții atente de către filozofii epocii romantice, precum și de către oamenii de știință ai școlilor mitologice Grimm din Germania, F.I. Buslaev în Rusia) și cele neomitologice. (N. Fry), critica de artă psihanalitică, cu accent pe lucrările lui Z. Freud și C. G. Jung.

Recent, au apărut o serie de lucrări serioase care explorează implicarea arhaismului mitologic în creativitatea literară a epocilor apropiate nouă (lucrări ale lui G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov). Generalizările teoretice ale D.E. merită o atenție deosebită. Maksimova.

Afirmând importanța enormă a universalelor care datează din arhaic pentru literatura de toate epocile, omul de știință a vorbit în același timp despre „tradiția mitopoetică” în literatura secolelor XIX-XX. ca un fenomen local, necuprinzător. Această tradiție, spune D.E. Maksimov, se întinde de la Divina Comedie a lui Dante și poeziile lui Milton până la Faust de Goethe și misterele lui Byron; devine mai activă după Wagner, în special în simbolism.

Omul de știință nu este de acord cu ideea larg acceptată a mitologismului total al artei și literaturii: „Nu se poate aprobă fantezia literară nestăpânită în interpretările mitologice ale operelor de artă moderne, pe care oamenii de știință serioși și erudici sunt adesea purtati de .” Această judecată, în opinia noastră, este complet corectă. Începutul actual mitologic și mitopoetic și (mai larg) sfera universalurilor existențiale (cu toată importanța ei) departe de a epuiza ceea ce este cunoscut și stăpânit artistic. Aceasta este doar o fațetă a subiectului artei.

V.E. Khalizev Teoria literaturii. 1999

Inapoi inainte

Atenţie! Previzualizările diapozitivelor au doar scop informativ și este posibil să nu reprezinte toate caracteristicile prezentării. Dacă sunteți interesat de această lucrare, vă rugăm să descărcați versiunea completă.

Obiective: Pentru a dovedi că dragostea, frumusețea sentimentelor și relațiilor umane este una dintre temele principale ale diferitelor tipuri de artă din toate timpurile și epocile.

Sarcini:

• Povestește despre capodopere muzicale din diferite genuri, create pe baza unei opere literare de W. Shakespeare „Romeo și Julieta”.
• Să consolideze cunoștințele teoretice despre uvertură și balet folosind exemple ale muzicii lui P.I. Ceaikovski și S.S. Prokofiev.

În timpul orelor.

Slide nr. 1. (titlu)

Profesor:

Tema iubirii a atras dintotdeauna artiștii. Lumea cunoaște multe povești literare și poetice despre dragoste, capodopere muzicale și picturi ale unor mari artiști. Astăzi, în clasa noastră, vom interpreta lucrări muzicale de diferite genuri și epoci, dar toate sunt create pe baza unei creații literare a lui W. Shakespeare - „Romeo și Julieta”.

Slide numărul 2.

Shakespeare (1564-1616) a cântat în poezie povestea unui tânăr și a unei fete din Verona. Creația sa este o capodoperă recunoscută la nivel internațional. Datorită lui Shakespeare, numele lui Romeo și Julieta sunt atât de bine cunoscute de toată lumea, devenind un simbol al iubirii adevărate, adevărate.

Slide numărul 3.

Nu este ușor pentru inimile iubitoare să-și apere în orice moment alegerea împotriva inerției umane, a beligerenței și a tuturor tipurilor de inegalități. Dar dragostea nu cunoaște limite sau restricții. Intriga „Romeo și Julieta” este unul dintre exemplele de dragoste care a murit în condițiile vremii.

Slide nr. 4 (textul declarației se extinde automat)

Tragedia lui Shakespeare i-a adus Veronei gloria orașului Romeo și Julieta. Locuitorii acestui faimos oraș spun:

„Aici, la noi, dragostea este în aer, iar dacă ai sânge fierbinte, o inimă duioasă și chiar puțină imaginație, fă o plimbare pe cea mai întunecată, cea mai îngustă alee și cu siguranță vei întâlni acolo două fantome fermecătoare, care au fost rătăcind prin Verona de secole: Romeo și Julieta!

Slide numărul 5.

Și, prin urmare, Verona va fi mereu plină de romantici și îndrăgostiți din toată lumea, care caută și găsesc aici locuri asociate cu legenda nestingherită a iubirii.

Nu este de mirare că o poveste atât de frumoasă și tristă a fost continuată în alte genuri de artă: muzică simfonică și de balet, operă, teatru, cinema, musical.

Slide numărul 6.

Celebra uvertură fantastică „Romeo și Julieta” de P.I. Ceaikovski este primul apel al compozitorului la moștenirea creativă a marelui dramaturg englez.

Să ne amintim ce se numește uvertură în muzică?

Copii:

Introducere orchestrală în operă, balet, film. Uneori este o lucrare independentă și are un titlu de program.

Slide numărul 7.

Ideea de a crea o lucrare simfonică a fost sugerată de compozitorul Balakirev. Complotul a devenit un complot pentru Ceaikovski pentru tot restul vieții. Cele mai bune orchestre din lume includ această lucrare în programele lor de concerte. Ceaikovski a revizuit uvertura de trei ori. În ultima ediție este bine cunoscut astăzi.

Muzica uverturii se bazează pe teme care personifică principalele imagini și ciocniri ale tragediei lui Shakespeare.

Slide nr. 8 (fragmentul video pornește automat)

Tema feud: un atac nebun de furie și ură. Lovituri scurte de săbii vor suna, sunetele alarmante și energice ale unei lupte de stradă dintre nestăpâniții Montagues și Capuleți, cu discordia și răzbunarea lor reciprocă transformând străzile pașnice din Verona într-un câmp de luptă sângeros.

Slide nr. 9 (fragmentul video pornește automat)

Tema de dragoste: din tăcerea sensibilă se naște tema iubirii. Conține atâta plinătate de tandrețe, atâta langourare și beatitudine... o melodie strălucitoare răspândită. O mișcare blândă, aproape liniștitoare, sunetele oftat ale cornului, iar melodia crește, devine mai vie și mai dulce.

Iar după moartea eroilor, după strigătul deznădejdei, tema iubirii lui Romeo și Julieta răsună în vocea înaltă și luminată a viorilor.

Slide nr. 10 (textul declarației se extinde automat)

Tema iubirii a fost admirată în special de N.A. Rimski-Korsakov, el a scris: "Ce inspirat! Ce frumusețe inexplicabilă, ce pasiune arzătoare! Aceasta este una dintre cele mai bune teme ale muzicii rusești!"

În timpul vieții compozitorului, uvertura Romeo și Julieta s-a bucurat de un mare succes atât la public, cât și la critici. Fiind una dintre cele mai faimoase și îndrăgite compoziții ale lui Ceaikovski, această uvertură a fost interpretată în concertele memoriale din Ceaikovski după moartea sa prematură.

Slide nr. 11 (fragmentul video pornește automat)

În septembrie 1935, Serghei Prokofiev (1891-1953) și-a finalizat munca la muzica pentru baletul Romeo și Julieta. Această lucrare este recunoscută ca genială și foarte populară în întreaga lume.

Balet în trei acte, treisprezece scene, cu prolog și epilog. În rolul Julietei - Galina Ulanova; Romeo - Konstantin Sergheev.

Să ne amintim trăsăturile caracteristice ale genului balet în muzică.

Copii:

Baletul este un spectacol de teatru în care personajele exprimă totul prin cânt. Pentru balet se realizează decoruri și se coase costume. Baletul este interpretat de o orchestră simfonică sub conducerea unui dirijor.

Slide nr. 12 (textul memoriei se extinde automat)

Julieta a avut un rol deosebit în viața Galinei Ulanova. Ea și-a amintit: „De mult timp nu am putut să încep să pregătesc rolul Julietei cu niciunul dintre elevii mei. A-ți lua rămas-bun de la ea este același lucru cu a-ți lua rămas-bun de la o persoană vie. Odată ce am fost în Italia, am fost duși la Verona. La Verona, am stat în fața balconului Julietei, la monumentul de deasupra criptei. Și aici, la cripta Julietei, am simțit că nu voi mai dansa niciodată, a fost foarte trist. Parcă aș fi trecut prin ceva... Era seară când am sunat-o pe Katya Maximova: mâine începem să repetim Julieta.”

Slide nr. 13 (fragmentul video începe automat)

Imaginea eroinei lui Shakespeare este poate cea mai strălucitoare și mai pătrunzătoare culoare din paleta creativă a balerinei Ulanova. În Sankt Petersburg, pe Aleea Eroilor Victoriei, a fost instalat un bust din bronz, înfățișând artistul în celebrul rol.

Slide numărul 14.

Mai târziu, în această producție au jucat mulți balerini celebri: Raisa Struchkova, Marina Kondratyeva, Maya Plisetskaya, Natalia Bessmertnova, Ekaterina Maksimova, Valentina Kozlova. Există două versiuni de film celebre ale baletului lui Prokofiev. Muzica din baletul lui Prokofiev transmite cele mai subtile mișcări psihologice ale sufletului uman, bogăția gândirii, pasiunii și dramei shakespeariane. Prokofiev a reușit să recreeze personajele shakespeariane din balet în diversitatea și completitudinea, poezia profundă și vitalitatea lor.

Slide nr. 15 (fragmentul video începe automat)

Umorul și răutatea Julietei sunt fetele și simplitatea Asistentei.

Slide nr. 16 (fragmentul video începe automat)

Înțelepciunea lui Pater Lorenzo.

Slide nr. 17 (fragmentul video începe automat)

Culoarea festivă și exuberantă a străzilor italiene.

Slide nr. 18 (fragmentul video începe automat)

Poezia dragostei lui Romeo și Julieta.

Slide nr. 19 (fragmentul video începe automat)

Și, de asemenea, drama scenelor morții - toate acestea sunt întruchipate de Prokofiev cu pricepere și putere expresivă enormă. Îndreptarea către Shakespeare a fost un pas îndrăzneț pentru coregrafia sovietică, deoarece, din toate punctele de vedere, se credea că întruchiparea unor teme filozofice și dramatice atât de complexe era imposibilă prin intermediul baletului. Prokofiev, dând dovadă de inovație, a dovedit contrariul.

Slide numărul 20.

Ar fi ciudat dacă celebra poveste shakespeariană nu s-ar reflecta în cea mai populară formă de artă - cinematografia. Există mai multe versiuni de film ale lui Romeo și Julieta. Dar poate cel mai popular film „Romeo și Julieta” este filmul regizorului italian Franco Zeffirelli, lansat în 1968. Rolurile principale au fost jucate de actori foarte tineri – Olivia Hussey și Leonard Whiting. Filmul lui Franco Zeffirelli prezintă o muzică frumoasă a compozitorului Nino Rota, cel mai faimos în domeniul muzicii cinematografice pentru creativitatea sa inimitabilă. Unul dintre conservatoarele din Italia este numit în cinstea sa. A colaborat cu mulți regizori. În 1974, Rota a primit un Oscar pentru cea mai bună muzică pentru filmul „Nașul” și a scris muzică pentru toate filmele lui Federico Fellini.

Slide nr. 21 (fragmente video ale filmului pornesc automat)

Cel mai faimos motiv din filmul „Romeo și Julieta” a fost tema iubirii - variază de-a lungul filmului și însoțește toate scenele principale din Romeo și Julieta. Îmbinată armonios cu narațiunea filmului, muzica acționează ca un narator. Această muzică este recunoscută ca fiind clasică și a devenit chiar un fel de carte de vizită muzicală pentru Romeo și Julieta. În anul lansării filmului, cântecul „What is a Youth” a ocupat primul loc în popularitate, înlocuind chiar și hiturile formației Beatles. Aranjamentele acestui cântec au intrat în repertoriul multor cântăreți și orchestre. Cea mai recentă ediție prezintă muzică de Nino Rota interpretată de Orchestra Filarmonicii din Praga.

Vreau să-mi închei povestea cu cuvinte din cântec:

Tribul fără griji al primei iubiri!
Într-o piesă veche, unde există otravă și un pumnal
Se desfășoară o acțiune ireparabilă.
Doamne, salvează-mă și ferește-mă de dezastre
Sclavi credincioși ai iubirii.

Mișcările artistice sunt un sistem de tehnici artistice, mijloace de exprimare, care sunt concepute pentru a exprima o anumită idee, viziune asupra lumii, dominantă într-o anumită comunitate la o anumită perioadă de timp. Stilurile s-au dezvoltat în ultimul mileniu, înlocuindu-se succesiv. Uneori, un nou stil a apărut ca o continuare și dezvoltare a celui precedent, uneori a devenit o consecință a unei lupte cu ideile predecesorului său.

În unele cazuri, este atât de dificil să distingeți un stil încât este mai degrabă clasificat ca o direcție. Astfel, simbolismul și cubismul pot fi clasificate ca un stil format independent sau pot fi considerate direcții ale modernismului cuprinzător.

Fiecare epocă a dat naștere la mai mult de un stil artistic. Studiind operele de artă, puteți cunoaște mai bine perioada în care s-a format și dominat un anumit stil artistic.

Direcții principale în arta secolelor X - XIX

Stilul romanic (secolele X - XIII)

Stilul gotic (secolele XIII - XVI)

baroc (secolele XVI - XVIII)

Clasicismul (secolele XVII - XIX)

Sentimentalism (secolul al XVIII-lea)

Romantismul (secolele XVIII - XIX)

Realism (secolul XIX)

Principalele tendințe în arta secolului XX

Modernism

Simbolism

Impresionism

Suprarealism

S-a dezvoltat în anii 1920 ai secolului trecut și este un stil de forme și aluzii paradoxale, reflectând combinația dintre vise și realitate. În pictură, suprarealismul se reflectă clar în picturile lui Magritte, Ernst, Dali, Matta...