Mis on Mark Rothko maali "Oranž, punane, kollane" (1961) kunstiline väärtus? Mark Rothko: Keerulise mõtte lihtne väljendus Oranžpunane kollane 1961.

Rothko. Valge keskosa (kollane, roosa ja lillakas roosal)

Kirjutas minu lemmiku sahver Levkonoe omanik http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe:
„Te kõik siin ei saa kunstist midagi aru!
Ja ma olen kõige vähem:

RIA uudised":
mullu mais läks Rothko töö pealkirjaga "Valge keskus (kollane, roosa ja lilla roosal)" Sotheby'sile 72,8 miljoni dollari eest.

Et Sothebys on kõik idioodid – ma ei usu seda. See väljapestud rätik on ilmselt väärt 73 miljonit...

Värskendus:
Ma ei pannud seda siia üldse selleks, et kärakalt märatseda teemal "petturid, lollitage rahvast" jne. - Ma ise ei kiida seda heaks ega nõusta ka teisi.

Kirjutasin siin korduvalt, et minu jaoks on lisaks maalija andekusele ja muudele pildi eelistele oluline küsimus "kas ma tahan sinna minna." Seetõttu ei paista siin midagi sellist nagu Goya ja palju muud, geniaalset ja nii edasi. Sest ma isiklikult ei taha sinna minna.
Nii et millegipärast ei taha ma ka Rothko rätikut kanda (kui ma pole Flatlandi lugenud).

Lugesin tema kohta. Nagu ikka, oli ta vaene, algul maalis portreesid ja maastikke. Ta maalis mõned oikumeenilised kabelid. Ta sai kuulsaks. Ta sai rikkaks ja kuulsaks. Ja järsku hakkas ta ruute ja triipe maalima. Esiteks erinevates värvides. Siis ainult must ja valge. Siis lõikas ta veenid läbi.

Värskendus 2
Ilmselt on sellel pildil ikka mingi negatiivne energia või kuri vaim, kui kõik rahumeelselt muruplatside kohta kommentaare loopinud siin jõhkraks või kulmu kortsutasid. Hea, ausalt, arutelu ei toonud midagi. Kui keegi püüdis siiralt aru saada, milles asi ja millest meie aru ei saa, ei saanud ta peale ninalöökide ja teadmatuse peale torkimise midagi. Ükski toetajatest ei öelnud midagi arusaadavat EEST.

* Võib-olla oli see pilt valesti riputatud (näiteks tagurpidi). See on see, millest me aru ei saanud;

* Mitte tagurpidi. See on sama kook. All on vahukomm ja üleval moos, aprikoos. See on pehme. Määritakse ära.
Lisaks seletab kõik kunstniku diagnoosi. Alguses oli ta TIR-i maniakaalses faasis ja kirjutas kooke. Pildil on see apelsinimoos ja täiesti loomulik, et seda on vähem kui vahukommi. Pastila on depressiivne faas. Kunstnik lakkas vahukommi sügavusest eristamast mitmevärvilist maailma, ta kaeti ja ta poos end üles.

Kuid kui kunstnik seda konkreetset pilti maalis, ei teadnud ta veel, milline see vahukomm on, vaid tal oli ainult ettekujutus. Muidu poleks ta teda nii roosakaks joonistanud. Ja ta nimetas pilti "valgeks keskuseks", sest lootis, vaene, et neutraalne valge keskpunkt on tõesti keskel ja tasakaalustatud TIR ei lase tal uppuda värvitusse depressioonimaailma.

Kuid kunstniku intuitsioon sundis teda paika panema asjade tegeliku seisu, nimelt: valitseb depressiivne faas. Muide, see on kooskõlas arstide andmetega tüüpilise TIR-i kulgemise kohta. Soovitan vaadata ka valget kihti: see tundub koogis kuidagi ebaloomulik, mittesöödav, ma ütleks, et eriti must kriips selle ja moosi vahel.

Kahtlemata rõhutas kunstnik sellega oma lootust selle piiri läbimatusest, lootust, et söödamatu läbimatu valge kiht, “valge kese”, loob talle takistuse moosist depressiivseks vahukommi kukkumisel ja võimaldab vältima paratamatust...

*Kui ma selliseid lõuendeid näen, siis mulle tundub alati, et see on kunstnikupoolne provokatsioon....
Kord vaatasid kaks meie disaineri tüdrukut tööl mingite täppide illustratsiooni ja imetlesid, ma küsisin, et mis selles nii erilist on ja mille poolest need laigud erinevad 5-aastase lapse laikudest, nad ütlesid: et sellest aru saada. , peate õppima 5 aastat.

Levkonoe: Võib-olla peaks. Ma ei usu liiga lihtsatesse versioonidesse: provokatsioon (see juhtuks üks kord), rahapesu, "alasti kuninga" efekt jne. Kõik see on liiga lihtne ja oleks isegi Malevitši juures juba ammu lakanud töötamast;

* Milles siis probleem? Töölt koju minnes ostame mõned pastellvärvid, whatmani paberi, pintslid ja joonistame sellise rätiku. Riputame selle seinale ja proovime tunda end miljonäridena, kes on just kulutanud 70 rohelist lammi;

* Ma saan aru, et Leonardo autogramm võib olla väärt miljoneid, kuigi midagi erilist sellele pole joonistatud. Kuid me teame, miks me teda armastame. Ja ma ei teadnud sellest Rothkost midagi ja lugesin seda alles nüüd. Muide, sündmuste jada ei ole julgustav: tavalised pildid - müstilised pildid - värvilised triibud - mustad triibud - enesetapp. Tekivad kahtlused...;

Chris Chapman

* Mulle tundub, et see on midagi katki maailmas ja inimestes. Eelmise sajandi alguses. Kiire teadus- ja tehnikarevolutsioon, revolutsioonid, sõjad. Midagi hävitavat oli õhus. Ja piltidest ei saanudki mööda vaadata. Võib-olla tahtsite kogu sellest kaosest minna ülimasse tühjusesse? Peida, sulge või vastupidi – lase see kõik oma hinge ja lõika siis veenid läbi.

Ma ei usu, et neid pilte "meelditakse", need võivad lihtsalt midagi sees haiget teha. See on rohkem psühholoogia kui kunst. Ja see on hea, kui see on hea, kui teil õnnestub peita ja kui soovite pärast seda tühjust seinal vaadata, hiljem oma veenid läbi lõigata?

Ei, ma ei arva, et kõik, kellele see meeldib, on hullud. Lihtsalt igaühel on oma probleemid ja on võimalik, et keegi läheb sellesse tühjusesse – probleemi lahendusse.

No okei. Las meeldib. Kuigi ma arvan, et kõik pole hästi. Liiga hävitav algus. Maailm on hull, kuid keegi pole selles harmooniaseadusi tühistanud. Ja lilled on ilusad!

Mind vihastab miski muu – kui ainult seda nimetatakse kunstiks ja kõike muud on vulgaarsus. Ja lõppude lõpuks hakkavad mõned kuulama ja häbenema, et neile meeldivad vaibad. See tähendab, et nad hakkavad eemalduma sellest, mis on tõeliselt ilus, selle kaose ja tühjuse poole. Lõppude lõpuks hakkab isegi sõna "ilus" kartma. Justkui võiks see häirida nende triibulist maailma. Ja nad hakkavad seda omaette snobismi peale suruma. Muutke see normiks!
Ometi on midagi inimestes selgelt katki;

*See kalts tekitab minus masendust ja klaustrofoobiat.
Sellel on midagi Nõukogude kliiniku koridorist. Kollane - sein, lilla - põrand, keskel - pink;


Chris Chapman
* Kallis Levkonoe, ma ise õpin praegu kunsti ja isegi psühholoogiatudengina.
Ja ma märkasin igapäevaelus sellist asja: kunstiga seoses on kahte tüüpi inimesi - need, kes abstraktset kunsti ei taju ja realismi väga armastavad ("tahaks sinna minna") ja neid, keda abstraktsioon vaimustab. , ja realismi, kuigi seda austatakse selle oskuste pärast, ei peeta kunsti tipuks.

Jälgides seda selget jaotust ja ähmaselt meenutades aju ehituse tunde, hakkasin kahtlustama, et see on seotud erinevate poolkerade töö ja nende suhtega (mitte päris vasaku-/paremakäelised, aga seal on seda rohkem ja rohkem segaduses). Või on see aju mõne tajupiirkonna struktuursed omadused. Sest need kaks inimeste kategooriat erinevad mitte ainult oma suhtumise poolest kunsti, vaid ka mitmete muude väärtuste poolest.
See ei ole muidugi range klassifikatsioon, kuid minu arvates on midagi sellist kindlasti olemas.
Ma kirjutasin seda kõike, sest ma armastan ja austan Rothkot väga.

Levkonoe: Mul ei ole vist ÜLDSE seda paremat ajupoolkera, sest isegi pärast kõiki uuringuid, mis eksperdid mulle siin andsid, ei näe ma sellel pildil rohkem tähendust ja emotsioone kui nõukogude kliiniku õlivärviga maalitud seinas.

Ja ma ei saa jätta muljet, et kui kunstikriitikud ei teaks, kus on Rothko ja kus on sein, oleksid nad mõlemad ühesugused;

Chris Chapman
* Irina, ma vabandan, et tungisin kellegi teise territooriumile ... aga see küsimus on mind juba pikka aega vaevanud: kas sa tõesti usud, et kui inimesele ei meeldi "vaibad" üldse või ta ei oska Dontsovat lugeda, siis kas see on kindlasti välistatud snobism? Või lubate siiski mõne muu variandi võimalust?

Arutelu äärel: Ma tajun maalimist sellega, mida nimetatakse kõhuks, põhimõttel “mulle meeldib - mulle ei meeldi”, ma ei talu Dalit (nagu ka LNT-d :), aga ma armastavad Kandinskyt, Klee'd ja Mirot; Ma nägin Rothkot muuseumides ja ühinen tunnistustega tema uskumatust energiast; nn kaasaegne kunst ei hõlma mitte ainult "arusaamatut", vaid kõike, sealhulgas hüperrealismi ja popkunsti, mida ma vihkan; sa võid suhtuda halvasti nüüdismuusika ja moodsa maalikunsti arenguvektorisse, kuid nende publiku ahenemine on iseenesestmõistetav; keegi ei lase sul minna näitustele, mis ei ole sulle lähedal, ja kuulama muusikat, mis sulle ei meeldi, kuid uskuge mind, mis mulle Guggenheimi galeriis hanenahast rõõmu valmistas (ja mu kaaslane oli täiesti hämmingus) või mis teeb Ma igal aastal ootan kaks päeva ja kaks ööd uut muusikat, pole snobismiga midagi pistmist.

Tere päevast, kallid lugejad. Täna puutume kokku loovuse maailmaga, meie puhul mõttetu ja halastamatu. Jutt käib ühest maailma kalleimast kunstnikust, kelle maalid on väärt varandust.

Mark Rothko(Inglise) Mark Rothko, SünninimiMarkus Jakovlevitš Rotkovitš; 25. september 1903, Dvinsk, Vitebski kubermang, praegu Daugav Pils , Läti — 25. veebruar 1970 New York ) on Ameerika kunstnik., abstraktse juhtiv esindaja ekspressionism , üks maalikunsti loojatest värviväli . (Uskuge mind, selliste väljade looja elab igaühes teist. Autori märkus)

Ärgem vedagem kährikut pikalt ja liikugem üksteisega tutvumise juurde.

"Oranž, punane, kollane" (1961) Mark Rothko- müüdud 08.05.2012 Sotheby oksjonil86 882 500 $. Pilt kuulub Ameerika ekspressionisti loomingu helgesse perioodi. Elu lõpus, kui kuulsus oli talle juba kätte jõudnud, langeb kunstnik aga sügavasse masendusse.

№ 10

1958

Hind - 81 925 000 dollarit

valge keskpunkt

Hind - 72 800 000 dollarit

Loodan, et te pole veel kadedusest surnud ega ole Jumala peale vihane, et ta teid sellisest talendist ilma jättis. Ma ei arvesta maalide hindu rubladesse, et tekst sisaldaks rohkem tähti kui numbreid.

Kuninglik punane ja sinine

Hind - 70 100 000 dollarit

Siinkohal suudate juba Rothkot Van Goghist, Rubensist või Picassost eristada, isegi kui te pole nende maale näinud.

Sinine ja hall

Ta ei suutnud leppida sellega, et teda nimetati abstraktsionistiks, sest pidas oma maale reaalse elu, vaatajaga kontakti otsivate elusorganismide peegelduseks. [Loodan, et olete juba ühendust võtnud?]

Kunst on keeruline asi, mida ilmselt ei ole mulle antud täielikult realiseerida. See on nagu Venemaa jalgpallikoondise mängijate palk, ei saa aru, miks see nii tohutu on.

Mark Rothko oli nii andekas, et enamikul maalidel pole pealkirju.

Pealkirjata (kollane ja sinine)

Lõpetan sellel tööl, sest ilmselt on paljudel igav. Kuid eeliseid on peaaegu igal pool, nüüd saate Rothkot teistest kunstnikest eristada, teil on võimalus kunstiteemadel sõna võtta ja keegi inspireeritud läheb molbertile ja maalib.

Võtame minutiks tempot maha ja mõelgem, kes „premeerib“ inimest staatusega – kunstnik? Kas autor ise? Reklaamijad, kes üritavad müüa meistriteost (loe seda sõna kaukaasia aktsendiga) võimalikult kallilt? Inimesed, kes on valmis lõuendi eest raha andma? Kuidas leida eksperte, kes selliseid töid hindavad? Kuidas sellesse sekti sattuda? Olen kindel, et teate neile küsimustele vastuseid.

Me elame naljakas maailmas, kus pilt võib maksta sadu miljoneid ja meelitada ligi sama palju austajaid, maailmas, kus urnid pole praktiliselt midagi väärt ja seega ei tõmba nad kellegi tähelepanu, välja arvatud ehk meie kallid lugejad.

Kahjuks ei pandud Zelenstroysse hääletuskaste kunagi, kuid nagu Mark Rothko, ei loobu ma oma ametist ega tagane nende ikke alla, kes ei mõista ega mõista hukka.

Edu kõigile, hoidke ennast ja oma lähedasi.

– Nüüd selgitan oma monograafia näitel. Vaata siit. Eelmise sajandi lõpp. Tunnelsotsialistlik realism, nagu me tänapäeval liigitame. Nõukogude Liit viimasel hingetõmbel. Noor ja moekas Peterburi kunstnik sõprade seltskonnas, ürte suitsetanud, läheb prügimäele, võtab sealt välja mõne läikiva rauatüki - kas jalgrattarooli või väntvõlli - tõstab selle pea kohale ja kuulutab: "Kutsid, kihlvedu: homme müün ma selle kangelanna ühele ettevõttele kümne tuhande dollari eest. Siis olid dollarid. Ja müüb. Küsimus on järgmine: kes ja millal andis sanktsiooni pidada see kangelane kümne tuhande väärtuses kunstiobjektiks?
- Kunstnik? tegin ettepaneku. - Ei. Vaevalt. Siis töötaksid kõik kunstnikena. Ilmselt... see, kes selle ostis?
- See on kõik! Maruja tõstis sõrme. - Kui hea mees sa oled - näed juurtes. See, kes ostis. Sest ilma temata näeme selle kunstniku ümber ainult minusuguseid näljaseid kuraatoreid. Mõni karjub, et see pole kunst, vaid lihtsalt rauatükk prügist. Teised - et see on kunst just sel põhjusel, et see on lihtsalt rauatükk prügist. Nad karjuvad ka, et kunstnik on pervert ja talle maksavad teised rikkad perverdid. Kindlasti ütlevad nad, et CIA investeeris nn perestroika ajal mittekonformistlikesse nõukogudevastastesse suundumustesse, et tõsta noorte seas nende sotsiaalset positsiooni – ja lõppeesmärk oli NSV Liidu lagunemine, nii et erinevatele idiootidele maksti kümme. suur prügimäelt pärit rauatüki eest ... Üldiselt räägivad nad palju asju, ole kindel. Igas neist väidetest võib olla tõepõhi all. Kuid enne müügiakti oli see kõik lihtsalt lobisemine. Ja pärast seda sai sellest peegeldus kultuuri saavutatud fakti üle. Moodsa kunsti räpane saladus seisneb selles, et lõpliku eluõiguse annab – või ei anna – das Kapital. Ja ta on ainus. Enne seda peavad aga kunstnik saama formaalselt sanktsioneeritud need, kes tegutsevad kunsti ja kapitali vahel vahendajana. Inimestele nagu mina. Kunstieliit, kes otsustab, kas pidada rauatükki prügikastist kunstiks või mitte.
"Aga see on alati nii olnud," ütlesin. – Kunsti ja kapitali mõistes. Rembrandt on seal. Mingi Tizian. Nad ostsid oma maalid. Et nad saaksid järjest rohkem joonistada.
"Jah, aga mitte päris," vastas Mara. - Kui metslane maalis koopa seinale piisoni, tundsid jahimehed metsalise ära ja jagasid liha kunstnikuga. Kui Rembrandt või Tizian oma maali potentsiaalsetele ostjatele näitas, polnud läheduses ühtegi kuraatorit. Iga monarh või jõukas kaupmees oli ise kunstikriitik. Objekti väärtuse määras selle vahetu mulje, mis see kliendile, kes oli nõus maksma, jättis. Ostja nägi portreel üllatavalt sarnast inimest. Või naine, kellel on samasugused roosad tselluliidivoldid nagu tema naine. See oli ime, see üllatas ega vajanud kommentaare ning kuulujutt läks laiali just selle ime kohta. Kunst esindas koheselt ja pingutuseta mitte ainult oma objekti, vaid ka iseennast kui meediumit. Just kellegi teise taju elavas aktis. Ta ei vajanud ellu kunstiajaloo piletit. Saad aru?
Noogutasin ebakindlalt.
„Kaasaegne kunst, laias laastus, algab sealt, kus lõpevad loomulikkus ja nähtavus ning on vaja meid ja meie sanktsiooni. Viimased sada viiskümmend aastat on kunst tegelenud peamiselt selle kujutamisega, mis pole kohe käegakatsutav. Seetõttu on vaja kunsti ennast esindada. Sai aru?
- See on ebamäärane. Pigem vaatan netist ja...
- Ära, sa korjad seal igasugust paska. Kuulake mind, ma selgitan kõike lihtsalt ja täpselt. Kui ostja tuleb uues paradigmas töötava kunstniku juurde, ei näe ta lõuendil oma peeglist tuttavat nägu ega naiselt tuttavaid tselluliidivolte. Ta näeb seal...
Mara mõtles hetke.
- Noh, otse - suur oranž tellis, selle all on punane ja selle all kollane tellis. Ainult et seda ei hakata kutsuma "fooriks udus", nagu mõni lihtne hing ütleks, vaid "oranž, punane, kollane". Ja kui ostjale öeldakse, et see foor udus on väärt kaheksakümmend miljonit, on ülioluline, et mõned pildi ümber seisvad tõsised, kuulsad ja lugupeetud inimesed noogutavad pead, sest ostja uues kultuuriolukorras ei saa loota tundeid ja mõtteid. Kunsti institutsioon annab sanktsiooni – ja see on väga tõsine, sest see tähendab, et müüdud teos võetakse vajadusel tagasi umbes sama raha eest.
- Kas nad aktsepteerivad seda? Ma küsisin.
Mara noogutas.
- Selle pildiga, millest ma räägin, on seda juba korduvalt juhtunud. Ta on üle saja aasta vana.
Kuidas see sanktsioon tuleb?
Mara naeris.
- See pole küsimus kaheksakümnele, vaid sajale miljonile. Inimesed kulutavad oma elu selle sanktsiooni saamiseks – ja nad ise ei saa sellest täielikult aru. Sanktsioon tekib kaasaegse kunstiga seotud mõistuste ja tahtmiste Browni liikumise tulemusena investeerimiskapitali ümber, millel on mõistagi viimane sõna. Aga kui soovite lühikest ja lihtsat vastust, võite seda öelda. Tänapäeva kunst on vandenõu. See vandenõu on sanktsiooni allikas.
"Mitte päris juriidiline termin," vastasin. “Võib-olla oleks õigem öelda “eelkokkulepe”?
„Võid öelda, mida tahad, Porfiry. Kuid kunstitingimustel peaks olema sama kapitali sanktsioon kui kolme värvilise tellisega lõuendil. Alles siis hakkavad nad midagi tähendama ja väärivad, et me süveneme nende paljudesse võimalikesse tähendustesse. Sartre ütles "kunsti vandenõu" kohta - ja see, muide, on üks väheseid selgeid avaldusi tema elus. Sartre osteti kallilt. Seega, kui ma neid sõnu tema järel kordan, siis peidan end tema suhtes määratud sanktsiooni taha ja näen tõsine. Ja kui Porfiry Petrovitš räägib "eelsest kokkumängust", lõhnab see jaburalt, vabandust minu prantsuse keele pärast. Ja keegi ei korda seda pärast teda.
"Sa lihtsalt kordasid seda," ütlesin.
- Jah. Hariduslikel eesmärkidel. Kuid ma ei lisa seda monograafiasse, vaid vanaisa Sartre - täielikult. Sest ainus viis oma monograafia heakskiitu saada on see kokku liimida sanktsioonidest, mis on juba muude projektide jaoks välja antud. Nii hoiab end üleval kunsti vandenõu. Ja kõik muud vandenõud ka. Kunst on ammu lakanud olemast maagia. Nagu te õigesti märkisite, on täna tegemist esialgse vandenõuga.
– Kellega ja kellega? Ma küsisin.
– Kuid see pole alati selge. Ja kokkumängus osalejad peavad sageli improviseerima. Võib öelda, et sellest mitmetähenduslikkusest sünnib uudsus ja värskus.
"Jah," ütlesin ja keerutasin vuntsid. - Miks ei tule eksponeerimisega välja see, kes mõistab moodsat kunsti, kuid ei osale vandenõus?
Mara naeris.
- Sa ei saanud kõige tähtsamast aru, Porfiry.
- Mida?
- Kaasaegsest kunstist on võimatu "mõista" ilma selle vandenõus osalemata - sest vandenõulasel tuleb selle kunsti avastamiseks juba prillid ette panna. Ilma prillideta näevad silmad kaost ja süda igatsust ja pettust. Aga kui osalete vandenõus, muutub petmine mänguks. Laval olev artist ju ei valeta, kui ütleb, et on Tšitšikov. Ta mängib – ja toolist, millele ta toetub, saab kolmik. Igal juhul kriitikule, kes on jaos ... Kas saate aru?
"Umbes," vastasin. - Ma ei ütle, et see on sügav, kuid saan vestlust toetada.
„Nüüd, Porfiry, sul peab olema veel üks küsimus.
- Millise?
Miks ma seda kõike sulle seletan?
"Jah," kordasin ma, "tõesti. Milleks?
"Siis," ütles Mara, "et te ei imestaks, mida näete, kui tööle hakkame." Teil on tegemist väga kallite objektidega. Ja teile võib tunduda kummaline, et elektroonilist koopiat või videoinstallatsiooni, mida igaüks saab teha avatud kultuurimaterjalist, peetakse ainulaadseks kunstiteoseks ja müüakse raha eest. Kuid see, uskuge mind, on sama olukord, mis maalil “Oranž, punane, kollane”. Kui näete teda vaadates udus enda ees valgusfoori, olete võhik – ükskõik kui veenvalt teie mõttekäik teistele võhikutele ka ei tunduks. Pea meeles peamist: kunstiobjektid, millega tegelete, ei vaja teie sanktsiooni. Ja neil on juba kunstikogukonna sanktsioon.
- Millises vormis see sanktsioon väljastati?
„Porfiry,” ohkas Mara, „kui tähelepanematu sa oled. Sellisel kujul, nagu need osteti.

Vene kunstiteoste oksjonitulemuste reiting

1. Osalemiseks võeti vastu ainult avaliku oksjoni tulemused.
2. Vene kunstnike hulka kuulumise määras sünnikoht. Sündinud Vene impeerium või NSV Liidus - see tähendab vene kunstnikku, arvestamata etnilist päritolu ja allahindlusi selle kohta, kuidas saatus tulevikus kujunes. Näiteks see, et Kandinsky sisse erinevad aastad omas nii Vene kui Saksa kodakondsust ja ta suri koos prantsuse keelega, pole põhjust kahelda, et kunstnik on venelane.
3. Reegel: üks kunstnik – üks pilt. See tähendab, et olukord, kus rangelt võttes tuleks kõik esikohad anda Mark Rothko teostele, laheneb nii: jätame ainult kõige rohkem. kallis töö ja ignoreerige kõiki teisi selle kunstniku maalide tulemusi.

Reiting põhineb tulemustel, võttes arvesse ostja lisatasu (Buyers Premium), väljendatuna dollarites (Euroopa oksjonitel näidatud arvud, st naelades või eurodes, konverteeritakse dollaritesse kauplemispäeva vahetuskursi alusel ). Seetõttu ei kuulunud reitingusse ei Gontšarova hispaanlane, mis müüdi 2. veebruaril 2010 6,43 miljoni naela eest, ega Aivazovski vaade Konstantinoopolile ja Bosporuse väinale, mille eest maksti 24. aprillil 2012 3,23 miljonit naela. Jah, tehinguvaluuta, s.o. naelades on need küll kallimad kui edetabelis koha saanud maalid, aga dollariga neil ei vedanud.

1. 86,88 miljonit dollarit Mark Rothko. Oranž, punane, kollane (1961)

Üks salapärasemaid kaasaegseid kunstnikke. Tema elutee on justkui vastuoludest kootud – loomingulistes otsingutes, tegudes, žestides... Peetakse üheks ideoloogiks ja loomulikult võtmefiguur Ameerika abstraktses ekspressionismis ei suutnud Rothko taluda, kui tema tööd nimetati abstraktseks. Varem, kes teadis hästi, milline on elu peost suhu, tagastas ta kord trotslikult klientidele jooksva raha mõistes täiesti fantastilise ettemaksu, jättes endale peaaegu täielikult valmis töö. Oodates oma edu ja võimalust maalimisega elatist teenida ligi viiskümmend aastat, keeldus ta korduvalt inimestest, kes võiksid soovi korral tema karjääri hävitada. Vähemalt hingelt sotsialist, kes jagas rikaste ja jõukuse vaenulikku Marxi ideid, sai Rothkost lõpuks maailma kõige kallimate maalide autor, mis tegelikult muutusid nende omanike kõrge staatuse atribuudiks. (Pole nali, rekordiline White Center, mida müüdi 65 miljoni dollari eest, pärines Rockefelleri perekonnast.) Unistades massilise publiku tunnustamisest, sai temast lõpuks maalide looja, mis on siiani tõeliselt arusaadav vaid paljudele noortele. intellektuaalid ja asjatundjad. Lõpuks lõpetas kunstnik, kes otsis oma lõuendimuusika kaudu vestlust Issandaga, kunstnik, kelle teostest sai kõigi religioonide kiriku kujunduse keskne element, oma elutee täiesti meeleheitliku teomahismi teoga. ...

Rothko, kes mäletas asustuse kahvatust ja kasakaid, võis olla üllatunud, et nad olid ka tema kui vene kunstniku üle uhked. Kuid 1930. aastatel oli Ameerikas piisavalt antisemitismi - kunstnik ei raius perekonnanime Rotkovitšit juhuslikult. Kuid me ei nimeta seda ilma põhjuseta venelaseks. Alustuseks sünni faktist. Läti Dvinsk, praegune Daugavpilsi, Markus Rotkovitši sünni ajal, on Venemaa osa ja jääb selleks kuni impeeriumi kokkuvarisemiseni kuni 1918. aastani. Tõsi, Rothko revolutsiooni enam ei näe. 1913. aastal viidi poiss USA-sse, pere kolis Portlandi, Oregoni osariiki. See tähendab, et lapsepõlv ja noorukieas möödusid Venemaal, siin kujunes elutunnetus ja -vaade. Lisaks sellele, et ta on siin sündinud, on Rothko seotud Venemaaga, märgime, nii ideoloogilised teemad kui ka konfliktid. On teada, et ta hindas Dostojevski teoseid. Ja isegi need pahed, mida Rothko endale lubas, seostatakse maailmas millegipärast venelastega. Läänes nimetatakse depressiooni millegipärast "vene haiguseks". Mis pole muidugi argument, vaid veel üks puudutus vene kunstniku olemuse terviklikkusele.

Rothko tegi maalikunstis uuenduslikke avastusi 15 aastat. Olles läbi elanud palju kujundlikke hobisid, sealhulgas sürrealismi ja figuratiivset ekspressionismi, lihtsustas ta 1940. aastate keskel oma maalide struktuuri maksimaalselt, piirates ekspressiivseid vahendeid mõne värvilise plokiga, mis moodustavad kompositsiooni. Tema loomingu intellektuaalne alus on peaaegu alati tõlgendamise küsimus. Otseseid vastuseid Rothko tavaliselt ei andnud, lootes vaataja kaasosalusele teose mõistmisel. Ainus, millega ta kindlasti lootis, oli vaataja emotsionaalne töö. Tema maalid pole puhkamiseks, lõõgastumiseks ega "visuaalseks massaažiks". Need on loodud kaastundeks. Mõned näevad neid kui aknaid, mis võimaldavad teil vaadata vaataja hinge, teised - uksi teise maailma. On arvamus (võib-olla kõige lähemal tõele), et tema värviväljad on jumala metafoorsed kujundid.

"Värviväljade" dekoratiivne jõud on seletatav mitmete eritehnikatega, mida Rothko kasutas. Tema maalid ei talu massiivseid raame – kõige rohkem õhukesi stantsiservi lõuendi värviga. Kunstnik toonitas maalide servad teadlikult gradiendina, nii et maaliline väli kaotas oma piirid. Sisemiste ruutude hägused piirid on samuti tehnika, viis luua kontrastivaba värisemise efekt, värviplokkide näiline kattumine, pulseerivad laigud, nagu elektrilampide valguse värelus. See värvi õrn lahustumine värviks oli eriti edukas õli puhul, kuni Rothko läks kuuekümnendate lõpus üle läbipaistmatule akrüülile. Ja elektrilise pulsatsiooni leitud efekt suureneb, kui vaadata pilte lähedalt. Kunstniku ettekujutuse kohaselt on kolmemeetrised lõuendid vaatajale kõige paremini nähtavad mitte kaugemalt kui poole meetri kauguselt.

Tänapäeval on Rothko maalid kõigi tuntud kaasaegse kunsti muuseumide uhkus. Niisiis on Inglise Tate'i galeriis Rothko tuba, kus elab üheksa maali neist, mis on kirjutatud restoraniga Four Seasons lepingu alusel. See projekt on Rothko tegelaskuju jaoks seotud üsna paljastava looga. 1959. aastal pöördusid kunstniku soovitusel New Yorgi ebatavalises pilvelõhkujas Seagram Building (alkoholitootja nime järgi) avatud moodsa restorani Vremena Goda omanikud. Lepingu summa jooksvas rahas oli peaaegu 3 miljonit dollarit - väga märkimisväärne tasu isegi väljakujunenud tunnustatud kunstniku jaoks, mida Rothko juba sel ajal oli. Kui aga töö oli peaaegu valmis, tagastas Rothko ootamatult ettemaksu ja keeldus seda tellijale üle andmast. Ootamatu teo peamisteks põhjusteks pidasid biograafid soovimatust valitsevale klassile meeldida ja õhtusöögil rikkaid lõbustada. Samuti on arvamus, et Rothko oli ärritunud, kui sai teada, et majas töötavad tavalised töötajad tema maale ei näe. Kuid, Uusim versioon tundub liiga romantiline.

Peaaegu 10 aastat hiljem kinkis Rothko osa Four Seasonsi jaoks valmistatud lõuenditest Londoni Tate'i galeriile. Saatuse kibeda keerdkäigu käigus leiti kunstnik 25. veebruaril 1970, päeval, mil maalikastid Inglismaa sadamasse jõudsid, oma ateljeest surnuna, veenid läbi lõigatud ja (ilmselt selleks, et tagada) tohutu annus unerohtu. tema kõht.

Tänaseks on Rothko looming kogemas järjekordset siira huvi lainet. Peetakse seminare, avatakse näitusi, avaldatakse monograafiaid. Daugava kaldale, kunstniku kodumaale, püstitati monument.

Rothko teosed turul ei ole erakordselt haruldased (nagu näiteks Malevitši maal). Igal aastal eksponeeritakse ainuüksi tema maalide oksjonitel, graafikat arvestamata, umbes 10-15 tükki. See tähendab, et nende eest makstakse mitte puudujääki, vaid miljoneid ja kümneid miljoneid dollareid. Ja vaevalt on sellised hinnad juhuslikud. Pigem on see austusavaldus tema uuendusmeelsusele, soov avastada uusi semantilisi kihte ja ühineda ühe salapärasema vene kunstniku loomingulise fenomeniga.

8. mail 2012 toimunud sõjajärgse ja kaasaegse kunsti oksjonil maksis Christie lõuend "Oranž, punane, kollane" 1961. aastal 86,88 miljonit dollarit koos komisjonitasuga. Teos pärineb Pennsylvania filantroopi David Pinkuse kogust. David ja tema naine Gerry ostsid 2,4 x 2,1 meetri suuruse teose Marlborough galeriist ja laenasid selle seejärel pikaks ajaks Philadelphia kunstimuuseumile. Maal "Oranž, punane, kollane" sai mitte ainult vene päritolu kunstniku kõige kallimaks teoseks, vaid ka kõige kallimaks. kallis töö sõjajärgne ja kaasaegne kunst, müüdi avalikul oksjonil.

2. 60,00 miljonit dollarit Kazimir Malevitš. Suprematistlik kompositsioon (1916)

Minu pikk eluiga Esmalt koos Robertiga ja pärast tema surma 1941. aastal üksi õnnestus Sonyal proovida kunstis paljusid žanre. Ta tegeles maalimise, raamatuillustreerimise, teatrisketšidega (eelkõige kujundas ta Djagilevi balleti Kleopatra maastikku), moedisaini, sisekujunduse, tekstiilide mustrite ja isegi autode häälestamisega.

Sonia Delaunay varased portreed ja abstraktsioonid 1900.–10. aastatel, samuti 1950.–60. aastate sarja Color Rhythms tööd on rahvusvahelistel ja riiklikel Prantsusmaa oksjonitel väga populaarsed. Nende hinnad ulatuvad sageli mitmesaja tuhande dollarini. Artisti põhirekord sündis enam kui 10 aastat tagasi – 14. juunil 2002 Pariisis Calmels Coheni oksjonil. Seejärel müüdi 4,6 miljoni euro eest Hispaanias Delaunay abielupaari eluajal (1914–1920) 1915. aastal kirjutatud abstraktne teos “Market in Minho”.

32. 4,30 miljonit dollarit Mihhail Nesterov. Nägemus noorpõlvele Bartholomew (1922)

Kui hinnata oma kunstnikke omamoodi “venelikkuse” skaala järgi, siis Mihhail Vasiljevitš Nesterovi (1862–1942) võib julgelt paigutada kuhugi edetabeli tippu. Tema maalid, mis kujutavad pühakuid, munkasid, nunnasid lüürilisel "Nesterovi" maastikul, mis on täielikult kooskõlas tegelaste ülimalt vaimse meeleoluga, on muutunud ainulaadseks nähtuseks Vene kunsti ajaloos. Nesterov rääkis oma lõuenditel Pühast Venemaalt, tema erilisest vaimsest teest. Kunstnik tema enda sõnul "vältis tugevate kirgede kujutamist, eelistades neile tagasihoidlikku maastikku, inimest, kes elab meie emakese looduse süles sisemist vaimset elu." Ja Aleksander Benoisi sõnul oli Nesterov koos Surikoviga ainus vene kunstnik, kes vähemalt osaliselt lähenes "Idioodi" ja "Karamazovide" kõrgetele jumalikele sõnadele.

Nesterovi maali eriline stiil ja religioossus kujunes välja paljudest teguritest. Kasvatamine patriarhaalses vagas kaupmeheperes Ufa linnas, kus on iseloomulikud vene maastikud, ning aastatepikkused õpingud rändurite Perovi, Savrasovi ja Prjanišnikovi juures Moskva maali-, skulptuuri- ja arhitektuurikoolis (nendelt võttis ta üle idee kunst, mis puudutab meelt ja südant) ja Pavel Tšistjakovilt Kunstiakadeemias (siin võttis ta akadeemilise joonistamise tehnika), inspiratsiooni saamiseks reisid Euroopasse ja sügav isiklik draama (tema armastatud naise Maria surm päev pärast nende tütre Olga sündi).

Selle tulemusena oli Nesterov 1880. aastate lõpuks - 1890. aastate alguseks juba oma teema leidnud ja just sel ajal kirjutas ta "Noor Bartholomeuse nägemuse" (1889-1890). Pildi süžee on võetud Püha Sergiuse elust. Noor Bartholomew (tulevane Radoneži Sergius) kohtus munga näos ingliga ja sai temalt Jumala õnnistuse, et mõista. Pühakiri ning edestavad oma vendi ja eakaaslasi. Pilt on läbi imbunud imelisest tunnetusest - seda mitte ainult ja mitte niivõrd Bartholomeuse ja Püha vanema kujundites, vaid ka ümbritsevas maastikus, erilisel pidulikul ja vaimsel moel.

Oma kahanevatel aastatel nimetas kunstnik Bartholomew’d mitu korda oma põhitööks: "... kui ta veel kolmekümne, viiekümne aasta pärast pärast minu surma midagi inimestele ütleb, siis on ta elus, siis olen elus." Maal sai 18. Rändajate näitusel sensatsiooniks ja tegi noore Ufa kunstniku hetkega kuulsaks (Nesterov polnud siis veel kolmekümneaastanegi). "Visiooni ..." omandas P. M. Tretjakov oma kogusse, hoolimata katsetest teda väljastpoolt heidutada, Nesterovi sõnul "õigeusklikud rändurid", kes märkasid teoses õigesti "ratsionalistide" aluste õõnestamist. liikumine. Kunstnik oli aga juba läbinud oma kunstikursuse, mis tegi ta lõpuks kuulsaks.

Tulemisega Nõukogude võim sest Nesterov oma religioosse maaliga ei tulnud paremad ajad. Kunstnik läks üle portreede tegemisele (õnneks avanes tal võimalus maalida vaid talle sügavalt sümpaatseid inimesi), kuid varasematele teemadele ei julgenud ta mõeldagi. Kui aga 1920. aastate alguses levisid kuuldused, et Ameerikas valmistatakse ette vene kunsti suurnäitust, otsustas Nesterov kiiresti osaleda lootuses meelitada uut publikut. Näituse jaoks maalis ta mitmeid töid, sealhulgas autori korduse "Noore Bartholomeuse nägemus" (1922), mida Ameerika ajakirjanduses nimetati "Püha Sergiuse nägemus poisipõlves". Uus versioon Tretjakoviga (160 × 211) võrreldes väiksema formaadiga (91 × 109) paistis taevasse kuu, maastiku värvid on mõnevõrra tumedamad ja poiss Bartolomeuse näos on rohkem tõsidust. Nesterov võtab selle pildiga justkui kokku suured muutused, mis on toimunud pärast esimese "Visiooni ..." kirjutamist.

Nesterovi maalid olid 1924. aasta New Yorgi vene kunsti näitusel ühed vähesed, mis osteti. "Noore Bartholomeuse nägemus" kuulus Nicholas Roerichi tuntud kollektsionääride ja patroonide Louis ja Nettie Horschi kogusse. Sellest ajast kuni 2007. aastani oli töö selles perekonnas päritud. Ja lõpuks, 17. aprillil 2007, Sothebys toimunud Venemaa oksjonil pandi maal välja hinnanguliselt 2-3 miljonit dollarit ja ületas selle kergesti. Nesterovi rekordiks saanud haamri lõpphind oli 4,30 miljonit dollarit, selle tulemusega pääses ta meie reitingule.

33. 4,05 miljonit dollarit Vera Rokhlina. Mängurid (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) on veel üks tähelepanuväärne vene emigratsiooni kunstnik, kes kaasati meie reitingusse koos Natalia Gontšarova, Tamara Lempitskaja ja Sonia Delaunayga. Teave kunstniku elu kohta on väga napp, tema elulugu ootab endiselt oma uurijat. Teatavasti sündis Vera Schlesinger 1896. aastal Moskvas Burgundiast pärit vene ja prantslanna peres. Ta õppis Moskvas Ilja Maškovi juures ja oli peaaegu tema lemmikõpilane ning võttis seejärel tunde Kiievis Alexandra Exteri juures. 1918. aastal abiellus ta advokaat S. Z. Rokhliniga ja läks koos temaga Tiflisesse. Sealt kolis paar 1920. aastate alguses Prantsusmaale, kus Vera hakkas aktiivselt esinema Salon d'Automne'is, Salon des Indépendants'is ja Tuileries' salongis. Oma maalistiilis järgis ta algul kubismi ja postimpressionismi ideid, kuid 1930. aastate alguseks oli tal juba välja kujunenud oma stiil, mida üks Prantsuse ajakiri nimetas "kunstiliseks tasakaaluks Courbet' ja Renoiri vahel". Neil aastatel elas Vera juba abikaasast lahus, Montparnasse'is, austajate hulgas oli kuller Paul Poiret, maalikunsti põhiteemaks valis ta naisteportreed ja aktid, millele võib-olla aitas kaasa tutvumine Zinaida Serebryakovaga (isegi säilinud on Rokhlina alasti Serebryakova pintsli portree) ja Pariisi galeriides toimusid kunstniku isikunäitused. Kuid 1934. aasta aprillis sooritas 38-aastane Vera Rokhlin enesetapu. Mis pani loomevaldkonnas juba palju saavutanud parimas eas naise endalt elu võtma, jääb mõistatuseks. Tema enneaegset surma nimetati nende aastate suurimaks kaotuseks Pariisi kunstimaastikul.

Rokhlina pärand asub peamiselt välismaal, kus Vera veetis viimased 13 aastat oma elust ja kus tema talent täiel määral ilmnes. 1990ndatel ja 2000ndate alguses hakkasid Prantsuse muuseumid ja galeriid korraldama Rokhlina isikunäitusi ja kaasama tema töid Pariisi kooli kunstnike grupinäitustele. Kollektsionäärid said temast teada, tema töid hakati oksjonitel müüma ja üsna hästi. Müügi- ja hindade tipphetk saabus aastatel 2007–2008, kui umbes sada tuhat dollarit hea formaadiga Rokhlina maali eest muutus igapäevaseks. Ja 24. juunil 2008 müüdi Londonis Christie's toimunud impressionistide ja modernistide õhtusel oksjonil Vera Rokhlina kubistlik maal "Mängurid", mis on kirjutatud enne emigratsiooni, 1919. aastal, ootamatult 8 korda kallimalt kui prognoositud – 2,057 miljoni naela eest. (4,05 miljonit dollarit) hinnanguliselt 250–350 tuhat naela

34. 4,02 miljonit dollarit Mihhail Klodt. Öö Normandias (1861)

35. 3,97 miljonit dollarit Pavel Kuznetsov. Ida linn. Buhhaara (1912)

Saraatovi linnast pärit ikoonimaalija poja, Moskva maali-, skulptuuri- ja arhitektuurikooli (kus õppis Arhipovi, Serovi ja Korovini juures) lõpetanud Pavel Varfolomejevitš Kuznetsovi (1878–1968) jaoks, üks korraldajatest. Blue Rose assotsiatsioonist, mis on üks peamisi ja kindlasti ka idamaid, on saanud avalikkuse seas tunnustatuimaks loovuse teemaks. Kui Pavel Kuznetsovi esimene sümbolistlik periood 1900. aastatel poolfantastiliste piltidega "Purskkaevud", "Ärkamised" ja "Sünnid" end ammendas, läks kunstnik inspiratsiooni otsima itta. Talle meenus, kuidas ta lapsepõlves oma vanaisal üle-Volga steppides külas käis ja nomaadide elu jälgis. "Järsku meenusid stepid ja läksin Kirgiisi juurde," kirjutas Kuznetsov. Aastatel 1909–1914 veetis Kuznetsov mitu kuud Kõrgõzstani steppides koos nomaadidega, kes olid läbi imbunud nende eluviisist ja aktsepteerisid neid oma sugulase, "sküütide" hingega. Aastatel 1912-1913 rändas kunstnik läbi linnade Kesk-Aasia, elas Buhharas, Samarkandis, Pamiiri jalamil. 1920. aastatel jätkus ida uurimine juba Taga-Kaukaasias ja Krimmis.

Nende idareiside tulemuseks oli vapustavate maalide seeria, millel on tunda "sinist sinist" armastust sinise skaala vastu ning ikoonide ja templi freskode sümboolikat, mis on kunstnikule lapsepõlvest saati lähedane. kunstnikud nagu Gauguin, Andre Derain ja Georges Braque ning noh, muidugi, kogu ida maagia. Kuznetsovi idamaised maalid võeti soojalt vastu mitte ainult Venemaal, vaid ka näitustel Pariisis ja New Yorgis.

Suure loomingulise edu saavutas 1912. aastal Buhharas maalitud maalitsükkel “Idalinn”. Üks suurimaid maale sarjas “Idalinn. Bukhara" müüdi 2014. aasta juunis MacDougalli poes hinnanguliselt 1,9–3 miljonit naela. Laitmatu päritolu ja näituseajalugu: osteti otse kunstnikult; ei ole elukohta vahetanud alates 1950. aastate keskpaigast; osalenud näitustel "Kunstimaailm", nõukogude kunsti näitus Jaapanis, aga ka kunstniku kõigis suuremates eluaegsetes ja postuumsetes retrospektiivides. Selle tulemusena maksis Kuznetsov maali eest rekordilised 2,37 miljonit naela (3,97 miljonit dollarit).

36. 3,82 miljonit dollarit Aleksander Deineka. Esimese viie aasta plaani kangelased (1936)

37. 3,72 miljonit dollarit Boriss Grigorjev. Mägede karjane (1920)

Boriss Dmitrijevitš Grigorjev (1886–1939) emigreerus Venemaalt 1919. aastal. Välismaal sai temast üks tuntumaid vene kunstnikke, kuid samal ajal unustati ta paljudeks aastakümneteks koju ning tema esimesed näitused NSV Liidus toimusid alles 1980. aastate lõpus. Kuid täna on ta Venemaa kunstiturul üks nõutumaid ja hinnatumaid autoreid, tema töid, nii maale kui graafikat, müüakse sadade tuhandete ja miljonite dollarite eest.

Kunstnik oli äärmiselt töökas, 1926. aastal kirjutas ta poeet Kamenskyle: “Nüüd olen esimene meister maailmas.<…>Ma ei vabanda nende fraaside pärast. Sa pead teadma, kes sa oled, muidu sa ei tea, mida teha. Jah, ja minu elu on püha ülaltoodud tööst ja ülaltoodud tunnetest ning minu 40 aastat tõestavad seda. Ma ei karda konkurentsi, järjekorda, teemat, suurust ja kiirust.

Ilmselt tuntuimad on tema tsüklid "Rasey" ja "Venemaa näod" – hingelt väga lähedased ja erinevad vaid selle poolest, et esimene on loodud enne emigreerumist, teine ​​aga juba Pariisis. Nendes tsüklites esitatakse meile vene talurahva tüüpide (“nägude”) galerii: vanad mehed, naised, lapsed vaatavad pahuralt otse vaatajale otsa, tõmbavad pilku ja tõrjuvad samal ajal. Grigorjev ei kippunud mingil juhul idealiseerima ega kaunistama neid, keda ta maalis, vaid vastupidi, mõnikord toob ta kujundid groteski. Juba paguluses maalitud "nägude" hulgast lisanduvad talupojaportreedele nii Grigorjevi kaasaegsete portreed – luuletajad, Kunstiteatri näitlejad kui ka autoportreed. Talupoja "Raseya" kuvand laienes üldistavaks kuvandiks mahajäetud, kuid mitte unustatud kodumaast.

Üks neist portreedest - poeet Nikolai Kljuev karjase kujul - sai Boriss Grigorjevi kõige kallimaks maaliks. Sothebys müüdi 3. novembril 2008 3,72 miljoni dollari eest 3,72 miljoni dollari eest ja hinnanguliselt 2,5–3,5 miljonit dollarit. Portree on 1918. aasta kadunud portree autorikoopia.

Toimetuse sait

Tähelepanu! Kõik saidi materjalid ja saidi oksjonitulemuste andmebaas, sealhulgas illustreeritud viiteteave oksjonitel müüdud teoste kohta, on mõeldud kasutamiseks ainult kooskõlas artikliga. Vene Föderatsiooni tsiviilseadustiku artikkel 1274. Kasutamine ärilistel eesmärkidel või Vene Föderatsiooni tsiviilseadustikuga kehtestatud eeskirjade rikkumisega ei ole lubatud. sait ei vastuta kolmandate isikute esitatud materjalide sisu eest. Kolmandate isikute õiguste rikkumise korral jätab saidi administratsioon volitatud asutuse taotlusel õiguse need saidilt ja andmebaasist eemaldada.